Au temps de l’Œil Cacodylate

Happy New Year 2012 to the followers and the others

2012-01-03T01:13:00.013+01:00

Visite du groupe dada à Saint-Julien-le-Pauvre, avril 1921, coll. Timothy Baum

Une bonne année aux lecteurs du blog Cacodylate - et aux autres évidemment. Je constate ce soir que, lors de ces trois dernières années, près de 50.000 pages de ce blog (bien que peu alimenté, il faut bien le reconnaître) ont été consultées. A mon grand étonnement, c'est le post consacré à René Blum qui a été le plus consulté. Par ailleurs, parmi les mots clés les plus sollicités, c'est celui de Raymond Radiguet qui arrive en tête. Rien d'autre à dire, si ce n'est que 2012 sera une grande année - pour reprendre John Fante, que je relis en ce moment, avec Thomas Bernhard et un certain E. Vila-Matas. Merci à vous tous !

Petite surprise viendra en février ou mars à venir...

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Oublié de dire, malgré le lien indiqué, que je suis fan du Journal de Jane. Un de ses derniers posts propose une formidable version de I put a spell on you, agrémentée d'une superbe photographie. Je me suis souvenu, à cette "lecture", de mon retour de Rome, via Marseille, pour me retrouver, circa 2003, dans les jardins d'une incroyable abbaye cistercienne du Gard, que nous appelions alors "la ferme aux animaux". A peine débarqué, au bord d'une belle et brute piscine, dans un jardin bordé de palmiers nains, j'ai marché sur un petit scorpion tandis que résonnait, dans la salle principale de cette formidable bâtisse, I love Paris de Screamin' Jay Hawkins. Ânes, chiens, chats, cocottes fofolles, sévères pigeons voyageurs, etc., faisaient cercle tandis que nous buvions un sublime Beaume de Venise, les pieds dans l'eau.

Révélations, projets et nouveautés

2011-10-29T17:24:00.024+02:00

Cet homme, c’est Louis Moysès, photographié ici par Man Ray vers 1928. Il fut le patron du Bœuf sur le Toit jusqu’à sa mort, en 1949.

Si j’évoque ici Louis Moysès, c’est parce que Georges Viaud, chargé du patrimoine des Brasseries Flo (Le Bœuf sur le Toit, avec notamment La Coupole et Julien, en fait partie) m’a contacté récemment. C’est chez Julien que nous avons entamé une conversation à bâtons rompus avant d’évoquer, plus précisément, le Tout-Paris qui fréquentait le Bœuf durant les années dada et après ces années un peu folles. C’est encore chez Julien, quelques semaines plus tard, que nous avons décidé d’un beau projet commun, qui devrait voir le jour en 2012. Ne souhaitant aucunement trop anticiper, je reparlerai de cet excitant projet en temps utile.

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C’est à peu près à la même période que Vincent Maisonobe, fin passionné de littérature et d’histoire littéraire, grand connaisseur de dada et des avant-gardes, m’a communiqué un document de la plus haute importance et qui intéresse au premier chef cette monographie qui n’en finit pas, consacrée à L’Œil cacodylate – dont le blog est resté muet durant trois mois. Voici ce document :

publié dans la revue Der Sturm (n° 3, mars 1922)

dont le dossier est intitulé « La jeune France ». Ce numéro de Der Sturm est sans doute la dernière publication dada éditée en français. Vincent Maisonobe, dans un prochain post, nous dévoilera un texte des plus curieux publié dans ce numéro, signé sous pseudonyme, et qui en éclairera plus d’un. Vincent commentera également cette œuvre de Delaunay sur laquelle il nous fournira de plus amples renseignements.

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Enfin, à toutes fins utiles, je signale les parutions, plus ou moins récentes, de ces volumes, dont les références sont signalées en fin de post :

Ici (lien), je mentionne le très-remarquable travail d'éditrice de mon amie Isabella Checcaglini

[On déplorera le très mauvais reprint, par Hermann, du colloque de Cerisy consacré à Marcel Duchamp : impression immonde, fabrication de piètre qualité et prix prohibitif].

Références bibliographiques :

- Carl Einstein, L’Art du XXe siècle. Éditions J. Chambon, coll. Rayon Art, traduit de l’allemand par Liliane Meffre et Maryse Staiber, 2011.

- Kazimir Malévich, Le suprématisme. Le monde sans-objet ou le repos éternel. Éditions Infolio, coll. Archihraphy, traduit du russe et présenté par Gérard Conio, 2011.

- José Ortega y Gasset, La Déshumanisation de l’art. Éditions Allia, traduit de l’espagnol par Adeline Struvay et Bénédicte Vauthier, 2011.

- Miguel Egaña, Bête comme un peintre ou comment l’esprit vient aux artistes. Artistes-philosophes, philosophes-artistes, ironistes et dandys. Éditions Fage, coll. Actifs, 2011.

- Enrique Vila-Matas, Chet Baker pense à son art. Éditions Mercure de France, coll. Traits et Portraits, traduit de l’espagnol par André Gabastou, 2011.

- Roger Gilbert-Lecomte & Léon Pierre-Quint - Correspondance 1927-1939. Ypsilon éditeur. Préface de Bernard Noël. Établissement du texte et notes par Bérénice Stoll, 2011.

"Suarès en exil", par Pierre de Massot

2011-06-30T00:40:00.008+02:00

Voici donc qu’a cessé de battre ce cœur, ce cœur reclus et cependant tout enchanté de la beauté du monde. D’autres seront mieux qualifiés pour étudier cette œuvre immense qui va de Voici l’Homme à Musiciens. Pour moi, faisant taire un instant ma douleur, je ne veux jeter sur cette page que quelques mots de tendresse et de souvenirs.

Depuis près de vingt-cinq ans, nous étions liés, Suarès et moi, par une amitié sans réserve et, de la part de ce grand homme si ombrageux, sans ombre. Je l’ai connu dans sa maison de la rue Cassette, avec ce jardin fleuri où, dès le printemps, il charmait, comme François d’Assise, les oiseaux, puis dans sont appartement de la rue de la Cerisaie, à l’ombre de la lampe où il calligraphiait ses œuvres sur le vélin avec des encres polychromes, enfin dans cet hôtel d’Antibes, d’où l’on voyait la mer danser sous le soleil, cette mer qu’il ne regardait point.

Mais jamais nous ne sentîmes cette amitié plus vive, plus forte que lors du désastre de 1940. D’origine juive, Suarès avait dû fuir Paris en camion avant l’entrée des troupes allemandes, et il avait vécu, sous des noms d’emprunt, dans la Creuse et dans l’Ain. Plus tard, il avait pu gagner Antibes, où il pensait avoir trouvé un havre de grâce et où je vins le visiter en 1942.

Hélas ! la Gestapo veillait et n’eût été un commissaire de police (dont je salue ici le geste, noble et courageux) qui le prévint, Suarès eût été arrêté la nuit même. Et c’est alors que, pour échapper à ses tortionnaires, lui qui n’aurait pu prendre seul le métro ou un taxi, il débarqua à Pontcharra dans le Rhône, où je possède une vieille maison, aussi effaré qu’un hibou (*) à l’éclatante lumière du soleil de midi.

Pierre de Massot by Berenice Abbott (1927)

Peu après, grâce à une amie parfaite qui la fit fabriquer par des agents de l’Intelligence Service, ma femme put lui apporter une fausse carte d’identité par quoi il devenait en quelque sorte mon père. Il connut, dans ce petit village aux confins du Forez et du Beaujolais, des jours calmes, entièrement consacrés au travail. À plusieurs reprises, je fis le voyage de Paris pour l’y voir, et tout aussitôt nous reprenions l’entretien depuis plus de vingt ans commencé.

Sa culture universelle m’éblouissait : il discutait aussi bien de Rembrandt que de Picasso, de Bach que de Strawinsky, des Pères de l’Église que de Montaigne ou de Marivaux. Mais il revenait toujours à ses héros favoris : Cervantès, Tolstoï, Baudelaire, Mallarmé, Wagner, Debussy, qui étaient les compagnons de toute sa vie solitaire.

Ou encore – et il pouvait devenir féroce – il conversait sur ses contemporains : Romain Rolland, Péguy, André Gide, Claudel, Benda, Valéry. Pourquoi le cèlerais-je ? Il était souvent injuste, mais il demeurait néanmoins un esprit libre et, connaissant mon affection à l’égard de Gide par exemple, il n’a jamais tenté que j’incline en sa faveur.

Là-bas – comme à Antibes, du reste – Suarès ne sortait que pour prendre des repas à l’auberge, et il faut bien convenir que les indigènes de Pontcharra ne s’habituèrent jamais très bien à cet étrange personnage vêtu de velours comme un reître du XVIIe siècle, au menton orné d’une royale et dont la longue chevelure, partagée par une raie, flottait sur les épaules. Toutefois, il était affable pour tous, indulgent aux rires des enfants, plein de charme et de douceur. Mais encore qu’il n’avait jamais douté de l’issue de cette guerre et que nous fissions tout pour qu’il l’oublie, il souffrait horriblement de cet exil.

Aujourd’hui, Suarès n’est plus, et c’est tout soudain comme la nuit dans mon cœur. J’évoque ses longues mains pâles dont il jouait avec un art consommé et ses admirables yeux de velours noirs, qui pouvaient être caressants comme une soie d’Orient ou flamboyants comme l’enfer. Le petit village de Pontcharra reflète toujours ses maisons décrépites dans l’eau de la charmante rivière, et si j’y dois retourner, je ne pourrai plus entrer dans cette chambre qui fut, durant deux ans, la sienne, sans entendre la voix si basse et si douce me dire : « Restez encore un moment près de moi, mon cher Massot. »

Pierre de Massot in Les Nouvelles littéraires, 9 septembre 1948, p. 6.

(*) De Massot usa de cette même figure de style au sujet de Jacques Rigaut. [J'en reparlerai, pensant tout soudain à Jean-Luc Bitton].

Deux témoignages en revue

2011-06-20T13:23:00.004+02:00

Quinze ans avant leur publication définitive, sous une forme révisée et augmentée (L’anneau de Saturne, Fayard, 1970), les souvenirs de Germaine Everling parurent initialement dans le numéro de juin 1955 des Œuvres Libres sous le titre « C’était hier : Dada… » On y trouve notamment la relation qu’elle fit des premiers symptômes du zona ophtalmique de Picabia :

« Ce fut au cours d’un déjeuner chez elle [Isadora Duncan] que Picabia ressentit les premières atteintes d’un zona ophtalmique qui devait l’éprouver cruellement. Il rentra en disant :

– Je sens que je vais avoir quelque chose de grave.

Et comme il avait un portrait à finir dont la destinée lui tenait à cœur (celui de Mme Elpitza Comnbary), il se mit immédiatement au travail et prolongea la séance jusqu’au lendemain matin. À l’aube, le portrait était terminé, mais le peintre souffrait le martyre.

Il resta trente jours et trente nuits dans le plus pénible état. C’est alors qu’il fit connaissance du docteur Henri Bouttier, qui devait devenir l’un de ses plus proches amis. Celui-ci ordonna pour le soulager des granulés d’aconitine : poison d’un dosage difficile et dont l’effet variait suivant les tempéraments. Picabia avait-il une peur superstitieuse de cette petite boîte pharmaceutique – et se sentait-il pourtant attiré vers elle, par ce qu’elle représentait de répit. Il ne trouva rien de mieux, pour avoir toutes les garanties, que de me faire absorber le médicament, afin d’en surveiller les effets. J’acceptai par amour de servir de cobaye !... »

Les Œuvres Libres, 173-174.

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C'est dans un numéro du Mercure de France (mai 1962) entièrement consacré à Blaise Cendrars (le site Livrenblog en a relevé la totalité du contenu ici) qu'on trouve un témoignage de Georges Ribemont-Dessaignes, dressant le portrait d'un Picabia, figure du passé, qui aurait perdu son aura dada :

" Toutes ces phrases, tous ces mots qui me viennent parce qu’aujourd’hui je dois ressusciter Blaise Cendrars en un instant de sa vie, et que les brumes sont opaques qui le retiennent là-bas, au bout du tunnel des années. Presque en même temps j’ai à retrouver Picabia pour un exposé de sa vie et de son œuvre, en tête d’un catalogue de ses œuvres. Or que vois-je ? Très peu de temps après la dernière grande guerre (ah, ces guerres, toujours les dernières...), de retour à Paris dont j’avais été absent depuis 1934, j’ai rencontré Picabia dans le Métro, Picabia que je n’avais plus vu depuis plus de vingt ans. Il était là, avec sa dernière femme, c’était bien lui, toujours reconnaissable, avec son port de tête et le mouvement qu’il avait pour la rejeter légèrement en arrière, comme pour un défi. Je le voyais là, non comme l’image que j’en avais conservée, mais tel qu’il était devenu, et j’en éprouvais un grand malaise douloureux, car tout ce que j’avais connu de lui du temps de notre amitié se trouvait donc là, mais avec ce que je ne connaissais pas, ce qui s’était passé durant son long séjour à Cannes et qu’on m’avait rapporté – mais les paroles en ce cas ! – et tout cela se dégradait d’un coup, s’incorporait à l’image que j’avais devant les yeux, d’un homme qui persistait à vouloir se survivre. Image tragique qui désormais me masque le Picabia de jadis avec sa séduction, sa force et ses émouvantes faiblesses, si désarmantes, tout ce qui, au fond, est si précieux et si périssable...

Cendrars et Picabia au Tremblay-sur-Mauldre, été 1923

Or aujourd’hui j’évoque Cendrars, le Cendrars que je rencontrais jadis, au temps de Dada, avec Picabia précisément, au Tremblay-sur-Mauldre, petit village de Seine-et-Oise, non loin du hameau où jadis moi-même j’habitais."

(Mercure de France, p. 115)

Dada à Paris - 9 juin 2011

2011-06-09T14:13:00.001+02:00

L’École du Bœuf

2011-03-08T12:00:00.009+01:00

Le Bœuf sur le Toit !… On sortait de la guerre comme d’une étuve, avec des vêtements propres et une âme molle. Ainsi que l’esclave de la Salomé de Wilde, on répétait : « Il va se passer quelque chose », et, tous les matins, on se réveillait avec la conviction que le monde était neuf, puisqu’on s’y sentait dépaysé. Dans la salle de la Comédie des Champs-Élysées…alors Montaigne, on réunit tout ce qu’on appelle le Tout-Paris, parce qu’il ne parle que de lui. Nous entendons le gratin en révolte et les artistes ne sachant où s’asseoir entre deux générations contradictoires. Cette association de Montparnasse et du noble Faubourg qui complotait gravement au Salon d’Automne de dynamiter l’Institut, d’incendier le Louvre et qui considérait la Tour Eiffel comme Notre-Dame-de-la-Garde du siècle inédit.

On dodelina cette assistance avec la Berceuse de Gargantua d’Érik Satie, rythme sournois de gestation, puis le rideau se leva sur l’acte de Cocteau. Les Fratellini en danseuses de tango, un barman cauchemardesque, les accords aigres-doux de Darius Milhaud coupèrent la salle en deux. Chacun cria si fort et pour son propre compte qu’il en oublia son parti-pris. Tout était donc à recommencer quand Moyse [sic] (1) surgit et, à son tour, sauva l’enfant des eaux.

L’histoire n’est pas biblique. Née sur la rive de la Seine, elle s’acheva rue Boissy d’Anglas. Ce fut un bar très flat, aux murs jaunes, avec des lanternes vénitiennes, une lumière douce aux yeux et un je ne sais quoi de nocturne, de bien tubé, de cérébral qu’on ne retrouva jamais plus.

Toujours suivi du fidèle Massot, Picabia, peintre de ces rébus où le dadaïsme voulut lire le renouveau, vint accrocher au mur l’Œil Cacodylate, qui contempla fixement le défilé des personnalités dont les deux mondes réclamaient les photographies et la caricature. Balthy et son chapeau, Chenal oubliant la Marseillaise, Roger Gaillard traînant à sa suite une ombre de Musset, Jeanne Barthorie échappée du Dit des Jeux du Monde et Koubitzky sans les Haleurs de la Volga. Après une première audition du Pierrot lunaire, durant laquelle un auditeur s’indigna qu’on jouât un Autrichien et réclama à grands cris du Mozart, on vit arriver Florent Schmidt cherchant un nouvel adversaire, Milhaud l’œil mi-clos, Poulenc rêvant aux carpes de Fontainebleau et Auric mystérieux comme un enfant gâté.
Wiener venait là commenter un nouveau rag-time à Cocteau, dont les doigts sur la table suivaient une inconcevable mélodie. Picasso découvrait qu’au cycle de la guitare succédait celui du banjo, Drieu la Rochelle martelait des phrases agressives et Tristan Tzara, pontife aujourd’hui détrôné du désordre, derrière son monocle endeuillé, se demandait pour quelle secrète raison Soupault mangeait de la crème au chocolat.

Illustration accompagnant l'article de Lucien Farnoux-Reynaud

Chaque soir

Ivre de gin,

Flambant d’électricité, (2)

suscitait de nouvelles fidélités ; Doucet, sur le clavier, endormait à sons de blues le présent loufoque et accordait une réalité mélodique à des rêves indistincts, dont Williams, à sa caisse, tricotait minutieusement, à petits coups discrets, l’échafaudage. Entraient tour à tour Giraudoux, ne concevant avec la littérature que des rapports diplomatiques ; Morand, la prenant comme punching-ball ; Mauriac, en rupture des aventures landaises, et Kessel, délaissant les nuits des Princes pour des heures de snobisme. Dunoyer de Segonzac semblait se nettoyer les yeux pour un nouveau paysage et Gilbert Charles, n’y fîtes-vous pas un Apprentissage (3) avant de nous le décrire ? Monde où l’on s’abuse offert à Jean Fayard, retour d’Oxford. Puis Lacretelle, Max Jacob, Chadourne, James de Coquet, Oberlé…Radiguet… et, à minuit et demie sonnant, afin que chacun réglât sa montre, Léon-Paul Fargue, que ne surveillait pas encore l’Académie.

Cocktail aux liqueurs, saveurs liquoreuses, mais perfides, que distillent les saxophones, et Williams, de sa voix voilée murmurant une chanson nègre au cœur gros. Là, Effremova dit, une nuit, la sensualité triste et souple des heures tziganes, et Florence la traîtresse sexualité des ombres aux tropiques. Marcel Herrand s’accouda au piano pour chanter les romances de Cocteau durant qu’autour de whisky and soda on échangeait un projet de roman contre un sujet de comédie, Charleston… Ey…, l’ombre de Baker mena une sarabande désossée et Villeboeuf, renonçant à approcher du bar assiégé, entraîna toute une équipe autant impatiente qu’altérée chez le bistrot des chauffeurs de ces Messieurs et Dames, car Van Dongen ne se contentait plus de venir avec Poiret, mais amenait ses modèles que son compère habillait.

On dira, dans quelques années, quand les dix CV qui klaxonnent iront rejoindre le double phaéton rouge de nos pères : « Ça c’est Bœuf sur le Toit ». Il n’est pas si banal de baptiser une époque. Mais une décision judiciaire expulsant ce bar de son local hâta le rythme du temps et nous fit exécuter un petit saut dans le passé.

Pourtant, n’est-ce pas la situation exacte ? Les lampes à arc de cette littérature périrent d’un court-circuit et les nouveautés de la veille nous assassinent du souvenir de trop de complaisances. Les morts vont vite, dit le vieux dicton ; mais, au siècle du métropolitain et de l’avion, les vivant vont plus vite encore. Des fidèles de la première heures, les rangs se clairsemèrent. Que de belles jeunes femmes disparurent de cette mort subite, que seul un sourire un peu complice explique ou excuse. Combien de jeunes hommes « décollèrent », selon le cruel argot des bars, et ne reprendront jamais le train ? On se grille aux lumières des nuits et des désennuis. Après la guerre, cocktails, chansons nègres, papillons du soir, bonsoir.

Sur un autre toit remonta le « Bœuf » symbolique qu’adorent les noctambules polyglottes. Mais ses jeunes littérateurs prirent du ventre ou songent à l’Académie, ce qui revient au même. Ses peintres surveillent des ventes astronomiques, ses compositeurs ne se font plus siffler et ses jeunes auteurs acquirent des tics qui rejoignent déjà les « traditions » du Conservatoire.

Puis, Moyse [sic], vous savez bien qu’il est impossible qu’on rechante comme ce soir : At dawning I love you. Puisqu’on ne peut jamais retrouver au même endroit une femme qu’on quitta, vous ne ressusciterez ni votre jeunesse, ni ses premières amours.

"L’École du Bœuf ", Lucien Farnoux-Reynaud in L’Européen, 24 juillet 1929, p. 3.

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(1) Il s’agit évidemment de Louis Moysès, propriétaire du Bœuf sur le Toit.

(2) Lucien Farnoux-Reynaud cite ici, incomplètement, un extrait de la Chanson du Mal-aimé d’Apollinaire : « Soirs de Paris ivres du gin / Flambant de l'électricité » (Alcools, 1913).

(3) Paris, Le Divan, "Les Soirées du Divan n° 4", 1923. Gilbert Charles est l’auteur d’un des premiers articles consacrés au Bœuf sur le Toit : voir « Les potinières littéraires. Le Bœuf sur le Toit » in La Revue Française, 14 janvier 1924.

René, Gabrielle et Marcel

2010-09-19T22:52:00.015+02:00

C’est avec un peu de déception que j’ai récemment découvert que le Numéro Spécial consacré à l’Exposition de la “Section d’Or” (n°1 et seul paru, 9 octobre 1912),

était loin de proposer autant d’articles que de collaborateurs annoncés en première page. J’attendais en effet un article de René Blum (ici annoncé comme “collaborateur” car auteur de la préface du catalogue de l’exposition du même nom) et ce fut sans. En revanche, faisant rétrospectivement écho à son article intitulé « Musique d’aujourd’hui » paru dans Les Soirées de Paris en mars 1914,

Francis Picabia et Gabrielle Buffet circa 1910

l’article de Gabrièle Buffet intitulé « Impressionnisme musical » fut une bonne surprise. Il faudrait, idéalement, le commenter et déterminer sa place dans l’histoire de la critique musicale… Comme pour les autres documents mis en ligne sur le blog de L’Œil cacodylate, je livre ici ces deux articles à l’état d’archive, ainsi que la préface de René Blum au catalogue de la Section d’Or.

Une fois encore, c’est à la bibliothèque Kandinsky que j’ai pu consulter une des rares plaquettes publiées par Pierre André Benoît. Publié sans titre, « imprimé 36 fois à Alès par PAB le 1er octobre 1969 », cet hommage à Marcel Duchamp, paru un an après la disparition de ce dernier, comporte quatre textes (Man Ray, Gabrielle Buffet, Pierre de Massot et Robert Lebel), un collage de l’éditeur et une gravure en fin de volume non mentionnée mais sans doute réalisée par Alexandre Calder – auquel on doit également la gravure ornant la couverture de cet opuscule et composée uniquement des lettres du prénom de l’inventeur du ready-made. La légende de la gravure est la suivante :

M. Duchamp

Born like a light

Lived like a light

Out like a light

And that was the delightful life

of Marcel Duchamp

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Impressionnisme musical

La musique traverse actuellement une période assez semblable à ce qu'a été au dernier siècle l'impressionnisme pour la peinture.

C'est au nom des lois naturelles de la vibration sonore qu'elle s'échappe de la scholastique et de la rhétorique musicale, et réagit contre l'arbitraire ides codes d'harmonie et des lois de composition.

Ainsi en peinture les lois de la vibration lumineuse ont été Je point de départ des théories impressionnistes ; et dans les deux cas ces théories aboutissent plus à une recherche, de réalité objective qu'à un effort de création.

Les impressionnistes et néo-impressionnistes ont tenté de donner sur une toile l'illusion de l'atmosphère, de la lumière vibrante, par l'emploi des complémentaires et la division des tons.

Très semblable à ce système est l'adjonction à l'accord parfait des harmoniques éloignées de la fondamentale, accord qu'on trouve abondamment dans toutes les œuvres modernes et qui donne l'illusion des sons en mouvement dans l'atmosphère. La tonalité s'affirme non plus, par les rapports simples de tierce et de quinte, mais par un subtil amalgame de toutes les subdivisions du son fondamental, dont notre oreille suit à peine la logique tonale.

L'idée musicale n'est plus un discours abstrait, mesuré, coupé de périodes bien définies ; une ligne dont on suit le dessin précis, mais une suite d'embryons de lignes dépendantes du travail harmonique, et que l'on discerne peu dans l'ensemble des subtiles combinaisons et des dissonances. L'impression esthétique que nous en avons, est moins le résultat de la logique suivie de l'idée, que le plaisir tout sensoriel de cet enchevêtrement de vibrations sonores : moins une « ordonnance » que la recherche d'harmonies rares, dont la valeur d'expression ne dépend point d'une idée mélodique directrice, mais de leurs rapports réciproques, de leur relativité.

En résumé, nous constatons un enrichissement prodigieux de la « matière » musicale, l'épanouissement de toutes les ressources naturelles de la musique, mais... la musique elle-même a-t-elle profité de ces nouvelles richesses ?

Nous nous en rapportons aux œuvres pour nous faire une opinion sur ce sujet, et sommes amenés à constater la faiblesse générale, à quelques exceptions près, des productions résultant de ces tendances; leur inconsistance, leur manque de profondeur, qui, d'ailleurs, nous apparaît nettement aussi dans les recherches impressionnistes de la peinture.

La preuve en est aussi dans l'impossibilité de la musique actuelle à vivre d'elle-même, sans un canevas littéraire quelconque. Au contraire de la peinture actuelle qui tend vers une liberté d'expression de plus en plus grande, la musique, malgré la richesse nouvelle de son « matériel », ne se suffit plus à elle-même, et les œuvres pour exister doivent s'étayer sur un programme dont elles prétendent faire la description exacte.

La musique devient ainsi une sorte d'imagerie sonore. Comment ne point comprendre la puérilité de cette recherche, et que plaquer des harmonies si nouvelles, si subtiles soient-elles, sur une carcasse littéraire, sans architecture propre, n'est point faire de la musique ?...

Comment ne point conclure (forts aussi de l'exemple que nous a donné l'impressionnisme en peinture), à l'impossibilité d'un grand essor de la musique actuelle.

Et alors que nous importe d'être sortis des codes harmoniques, des formules, des moules anciens, si ce n'est que pour arriver à un asservissement plus grand de la musique elle-même, à d'autres procédés, qui risquent d'entraver, plus encore son développement ?

Gabrielle Buffet in Numéro Spécial consacré à l’Exposition de la “Section d’Or”, 9 octobre 1912. N° 1 et seul paru.

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Musique d’aujourd’hui

Les tendances actuelles de la musique nous paraissent très indécises et contradictoires.

L'école de Franck, rigoureusement scholastique, a par sa vigueur même provoqué une poussée violente dans un art plus libre et plus sensoriel, basé sur la recherche des sonorités, des harmonies, des rythmes pour eux-mêmes et non plus sur la logique d'un code musical conventionnel.

Ce fut l'envahissement de tous les domaines défendus : suppression des frontières arbitraires de la consonance et de la dissonance, des lois de tonalité et d'architecture ; transformation de la phrase mélodique à périodes régulières assujetties à un syllogisme tonal en phrase harmonique libre, sans autre limite que la forme de ses rythmes.

L'épanouissement de toutes les ressources de l'orchestre, l'orgie de combinaisons inconnues de sons et de sonorités ; enfin, un considérable enrichissement de toute la « matière » musicale.

Il est curieux de constater, et c'est là la contradiction dont nous avons parlé, que malgré cette vigoureuse réaction, l'œuvre musicale de notre époque, reste sans grande puissance ni originalité.

Ou c'est l'adaptation de musiques anciennes et surtout étrangères A de nouvelles habitudes sonores; ou c'est une recherche de sonorités précieuses et imprévues, mais vides de pensée, dont l'oreille et l'esprit se lassent sitôt l'accoutumance venue.

Le fait d'avoir rejeté les vieilles formes n'a pas suffi à déclencher une évolution précise. Elle est restée superficielle : une évolution de métier. L'esprit musical a été troublé sans être renouvelé. L'inspiration moderne n'a point la force de se défricher line nouvelle route, elle reste timide et indécise et est, malgré tout, un compromis entre les anciennes traditions et les libertés nouvelles.

Sans doute, est-il des époques où tel art correspond mieux qu'un autre aux besoins existants.

Il ne nous semble pas, malgré ln vulgarisation générale de la musique, l'engouement et certes la plus réelle compréhension qu'on eût de cet art, que nous soyons dans une période qu'on ait de cet art, que nous soyons d'ans une période musicale.

Les œuvres ultra-modernes nous en sont une preuve. Plus d'essais de musique pure, mais des formes mi-dramatiques, mi-musicales, c'est-à-dire que l'architecture idéale des formes anciennes, sonates, symphonies, etc., etc., est remplacée par un motif littéraire auquel la musique s'assujettit rigoureusement et qui est la carcasse même de l'œuvre : développement à outrance du poème symphonique, de la musique à programme, avec programme de plus en plus précis, musique de scène, musique de danses, tableaux symphoniques et enfin, le « tout dernier genre », celui des pièces descriptives où l'on peut constater l'absorption de l'élément musical par l'élément littéraire.

Nous donnerons, pour plus de clarté, un exemple du genre en question.

Il s'agit d'une petite pièce pour piano intitulée, je crois : La Bavarde, parfaitement comique, mais qui dans sa cocasserie caractérise bien des tendances actuelles.

Un thème s'expose : c'est l'air connu de tous, « Ne parle pas, Rose, je t'en supplie », qui incarne le mari affolé par le bavardage de sa femme. Suivent une série de rythmes courts dont l'explication nous est fournie par le texte littéraire écrit il même la partition au-dessus du texte musical : ce sont les sornettes que débile la bavarde : « La concierge s'est cassée une côte ... », « Je voudrais un chapeau en acajou massif... », etc., etc. Nouvelles supplications du mari sur le thème de Rose, nouveaux bavardages. Enfin, le thème de Rose revient encore, mais défiguré et assombri, et le texte nous apprend que le pauvre homme est mort excédé.

L'on se rendra compte, par cette analyse, du rôle très restreint de l'élément musical. L'auteur n'a pas même pris le mal de chercher un thème personnel, la popularité de l'air de Rose suffisant à symboliser pour tous, le personnage de son petit drame. La qualité musicale n'y a plus aucun intérêt, et c'est juste ce qui nous intéresse dans cette œuvre (malgré que nous la considérions plus comme une plaisanterie, que comme une tentative sérieuse).

Il s'agit seulement qu'une compréhension s'établisse entre l'œuvre et le public par l'intermédiaire d'un symbole musical quelconque.

C'est l'innovation d'une musique représentative, d'une musique à motifs et à légende. Nous nous étonnons que l'on n'ait pas encore cherché à élargir à des œuvres plus importantes, à des œuvres d'orchestre, le genre en question. La raison en est, sans doute, la difficulté pour un public de concert symphonique, chacun ne pouvant avoir une partition, de suivre la partie littéraire explicative de la musique. Il suffirait, pour remédier à cet inconvénient qui rend impossible la réalisation au concert d'œuvres de cette sorte, d'installer dans la salle un écran de cinématographe sur lequel apparaîtrait simultanément avec la musique le texte littéraire, et qui pourrait ainsi être suivi de toutes les places. Peut-être, serait-ce le point de départ d'une forme d'art tout à fait neuve, qui n’aurait plus grand point de ressemblance avec ce que nous avons appelé jusqu'à ce jour, musique et composition musicale. Mais serait une sorte de symbolisme sonore. Même poussant à l'extrême toutes les possibilités, on peut émettre l'hypothèse d'un art musical de plus en plus représentatif.

Grâce à des bruiteurs mécaniques et perfectionnés, une reconstitution objective de la vie sonore deviendrait possible. Nous découvririons la forme des sons en dehors de la convention musicale, et ceci est, après tout, aussi vraisemblable, que de voir la peinture abandonner la représentation objective, pour s'échapper dans le domaine de la spéculation pure.

Gabrielle Buffet, Les Soirées de Paris, n° 22, mars 1914, pp. 181-183.

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PREFACE

Les quelques artistes dont on trouvera les travaux groupés ici, exposèrent l'an dernier dans une galerie où l'espace restreint nuisait à leurs œuvres. Aujourd'hui, présentées dans un cadre plus favorable, suffisamment isolées, elles prennent séparément, ou dans leur ensemble, toute leur signification.

Quelle que soit l'impression que vous laissera cette visite, il vous sera difficile de ne pas louer l'effort tenace de jeunes artistes, poursuivant la voie qu'ils se sont tracée sans souci des obstacles, sans se préoccuper des objections ou des ricanements d'un certain public. Ils n'ont pas de tendances communes, ni, d'entre eux, d'affinités profondes, mais une unique pensée les dirige : dégager l'art de sa tradition, de ses liens surannés, le libérer, en un mot car c'est le libérer que l'asservir étroitement à la personnalité de l'artiste.

Arrêtez-vous devant ces toiles aux couleurs vives, regardez ces bustes aux formes hardies, et tâchez à découvrir une influence. Echappant à toute contrainte, refusant toute direction, les exposants ne doivent rien qu'à eux-mêmes. C'est de leur sensibilité qu'ils reçoivent l'enseignement et l'inspiration.

Ce ne sont point des divergences d'école que vous trouverez ici. Vous ne constaterez que des écarts de sensibilité. Et il faut admettre avec nos artistes qu'à la sensibilité vient se joindre un élément nouveau : l'imagination qui permet toutes les variétés, autorise toutes les forces d'art, favorise les combinaisons les plus audacieuses, leurs heurts les plus inattendus, crée une harmonie presque toujours faite de contrastes.

Cette collaboration permet de dépasser les limites de l'impressionnisme. La formule de Monet n'est plus suffisante. Le peintre ne se soucie plus d'un moment ou d'une couleur; son cerveau peut lui offrir d'innombrables visions de nuances et de formes. La nature n'est plus que l'élément suggestif de son art.

Parmi ces novateurs, quelques-uns furent séduits par une même technique, ce n'est point ici l'endroit de la discuter. Cette discipline n'est pas d'ailleurs l'élément qui nous requiert le plus; ce n'est pas en elle qu'il faut voir le principal attrait d'un art qui vaut surtout par l'affirmation de la personnalité.

Cette conception est encore neuve et les tentatives de nos artistes, bien qu'elles marquent un progrès constant, trouvent encore le public réfractaire et parfois hostile. S'ils n'ont pas le bonheur de convaincre ou ne recueillent pas directement le fruit de leur initiative, du moins, auront-ils le mérite d'avoir montré la route et c'est à eux que pourra revenir l'honneur d'une rénovation.

RENÉ BLUM. Préface au catalogue du Salon de la Section d'or à Paris (10-30 octobre 1912), Galerie la Boétie.

L'épistolier enamouré

2010-09-05T22:18:00.004+02:00

Si la correspondance de Francis Picabia est aujourd’hui dispersée et parfois difficile d’accès (les lettres conservées à la Bibliothèque Jacques Doucet ne peuvent être consultées qu’avec l’autorisation de divers ayants droit), pour ne pas dire inaccessible quand les lettres en question appartiennent à des collections privées (1), il reste néanmoins possible de consulter ses Lettres à Léonce Rosenberg 1929-1940

ainsi que les

Lettres à Christine (Boumeester). Plus tardives, ces dernières ont été écrites entre 1945 et 1951 et sont suivies, dans l’édition de Jean Sireuil aux Editions Gérard Levovici, par un recueil de textes forts méconnus de Picabia, intitulé Ennazus. Ennazus, anagramme de Suzanne (Romain), à qui Picabia adressa de nombreuses lettres d’amour et que Les Presses du Réel annoncent comme une de leur prochaine publication :

Picabia avec Nietzsche, Lettres d’amour à Suzanne Romain (1944-1948). L’édition de cet imposant volume de 432 pages est le fruit du travail de Carole Boulbès, auteur notamment de Picabia, le saint masqué (Jean-Michel Place, 1998).

Il ne fait aucun doute que ce volume occupera une partie de mon automne.

Picabia était-il un imitateur obsessionnel de Nietzsche ? Quels rapports entretenait-il avec le romantisme allemand ? Peut-on comparer Picabia à Nietzsche et Suzanne Romain à Lou Von Salome ? Picabia, qui pratique le « collage philosophique » depuis 1917, adresse à partir de 1944 des lettres d'amour à Suzanne Romain en détournant les poèmes et aphorismes de Nietzsche. Rassemblant une sélection de quarante-huit lettres inédites reproduites en fac-similé, mais aussi des dessins, des peintures, des photographies et divers documents, cet ouvrage met en lumière les rapports de l'artiste au philosophe au travers d'une recherche historique approfondie, partant d'une correspondance amoureuse pour développer un questionnement philosophique et esthétique sur l'art, en passant par Goethe, Schlegel, Hegel, Baudelaire. [Les Presses du Réel].

(1) Telles ces 36 lettres autographes adressées à Jean Van Heeckeren entre le 24 janvier 1949 et le 10 octobre 1951, vendues 52800,- € en décembre 2006 lors d’une vente parisienne organisée par Christie’s, la notice du catalogue précisant « 76 pages manuscrites dont 50 avec dessins originaux, la plupart à pleine page (…) » La rencontre de Picabia avec Jean Van Heeckeren remonte au début des années 20 et sera, on peut l’imaginer, importante pour les deux hommes. Jean Van Heeckeren préfacera Chi-lo-sa (PAB, 1950) et est l’auteur d’un long essai inédit intitulé « Picabia l’imprévisible ». Il a fait partie des quelques auteurs qui se sont rassemblés après la mort de Picabia pour lui témoigner leur attachement dans In memoriam, une plaquette d’hommage publiée « sous le signe d’Orbes » (20 avril 1955) et entièrement consacrée à l’auteur de L’Athlète des pompes funèbres.

« J’ai aimé ma vie »

2010-07-31T01:50:00.019+02:00

Même en passant des dizaines d’heures à la BNF, je ne suis pas certain de trouver beaucoup d’informations biographiques sur

Hélène Jourdan-Morhange, que Cocteau décrivit ainsi : « la joue contre la belle courbe rouge de son violon, avec le sourire de l’Ange de Reims ». (1) Cette musicienne a très probablement

"C'est difficile d'être peintre". H. Jourdan-Morhange

signé L’Œil cacodylate parce qu’elle faisait alors partie du cercle amical et musical de Gabrielle Buffet. [Dissipons ici tout malentendu : « Gabrielle Buffet » pour l’état civil et « Gabrièle Buffet » pour le monde des arts et lettres. La première graphie de « Gabrièle » apparaît sans doute le 9 octobre 1912 quand elle signe son article dans le « numéro spécial consacré à l’exposition de la “Section d’Or” »] (2) On retrouve bien entendu

« Gabrièle » sur L’Œil cacodylate en 1921.

Que dire ? Hélène Jourdan-Morhange a notamment écrit Ravel et nous. L'Homme, l'Ami, le Musicien, ouvrage publié par les éditions du Milieu du Monde en 1945 (Genève). À propos de ce volume que j’attends impatiemment, certains libraires d’anciens notent ceci : « Photographies et illustrations de L.-A. Moreau en noir et blanc hors-texte. » (3)

Et que dire d’autre, sinon citer ici, in extenso, Jeanine Warnod ?

« Montfort-l'Amaury compte parmi les dimanches à la campagne de mon adolescence. Dans une voiture bringuebalante, nous arrivons aux "Mesnul", chez la musicienne Hélène Jourdan-Morhange, le peintre Luc Albert Moreau et leurs trois chats. Hélène, cousine de ma mère, altiste virtuose, avait créé les quatuors féminins dans les orchestres de chambre et recevait des ovations à chacun de ses concerts lorsqu'un drame bouleversa sa vie. Une paralysie du bras avec lequel elle tenait l'archet l'empêcha de poursuivre sa carrière. Aucun diagnostic n'en révéla la cause. On parla de névrite, d'un cas typique d'hystérie de conversion. Pendant des années, elle espéra, à force de traitements, améliorer son état. Ses déboires amoureux pouvaient-ils expliquer sa paralysie ? Un psychanalyste l'aurait-il guérie ? L'interprète de Ravel connut son premier chagrin d'amour avec son fiancé Pierre Lecomte du Nouy. Elle l'adorait mais la mère du prétendant, auteur d'Amitié amoureuse et autres livres à caractère sentimental, ne consentit pas à se séparer de son fils. La violoniste, cruellement blessée, se consola dans les bras d'un jeune peintre, Jacques Jourdan, ami d'enfance et de vacances à Saint-Lunaire, où ma mère et ses cousines retrouvaient, chaque été, les personnalités de la scène parisienne : Georges Feydeau, Tristan Bernard, le poète Jean Richepin et Ève Lavallière, vedette du Théâtre des Variétés avant d'entrer au couvent. Jacques Jourdan épousa Hélène mais disparut peu après, en 1916, au fort de Douaumont. Ce nouveau choc terrassa la virtuose et la priva de toute possibilité de jouer du violon. Mais celle qui fut l'une des premières femmes à nager dans l'océan, à bronzer sur la plage et à conduire une voiture ne se laissa pas abattre. Admirable pour la ferveur et l'audace qu'elle mettait dans tout ce qu'elle entreprenait, elle remplaça l'archet par la plume et proposa à plusieurs journaux des critiques musicales. C'était touchant de voir sa modestie se transformer en admiration pour elle-même. Elle s'étonnait de son talent. " Comment ai-je pu écrire un si bon texte? " disait-elle en se relisant. "Aux Mesnuls", Luc-Albert Moreau, avec une tonsure de moine et des petits yeux de biche, armé de cannes depuis sa blessure de guerre, nous entraîne dans son atelier et nous montre ses toiles peintes dans le Midi. Je suis en train d'admirer un vieux portrait de Grock, clown au regard tendre que j'avais vu au cirque Médrano tomber de son tabouret de piano, lorsque ma cousine nous appelle pour déjeuner. Dans un décor Louis Philippe envahi d'objets romantiques (bouquets de fleurs d'oranger sous globe comme ceux que peint ma mère, boucles de cheveux d'une arrière grand-mère de Luc conservés sous verre dans un cadre ovale), elle nous sert les produits de son jardin. Le dessert avalé, nous partons chez Colette, dans une forêt voisine. En tenue campagnarde, le visage caché par sa grosse tignasse frisée, l'écrivain jardine et nourrit les oiseaux qui la réveille chaque matin. De sa voix charmeuse de Bourguignonne, roulant les r, la Claudine vieillie m'apprend le nom de chaque arbre, ses amis. Elle vient de commencer un ouvrage sur sa mère, Sido, mais il est défendu de parler des livres qu'elle est en train d'écrire. Hélène m'a raconté l'amitié particulière qui 1a liait à Colette. Elles s'étaient rencontrées en 1925 lors de la présentation de L'Enfant et les Sortilèges, composé par Ravel d'après un poème féerique de l'auteur de Chéri. Séduite, la romancière l'a dépeinte: "Une chevelure bouclée par Melozzo da Forli pour son Ange à la viole d'ou émerge un visage de chat..." De son côté, Hélène confie : « Je voulais lui ressembler, me coiffer comme elle, élever de nombreux chats. » Inconsolable à la mort de "La Chatte", son double en animal, et de son chien "Souci", Colette se rapprocha plus encore de sa "Moune", comme la surnommait Ravel. Ravel, le dieu d'Hélène, aurait songé à l'épouser. Elle le connaissait depuis 1920, interprétait ses œuvres, écrivit des livres sur sa vie, sa méthode, son style, et publia un ouvrage de souvenirs vécus auprès du maître, Ravel et Nous, préfacé par Colette. Un jour, nous passons devant la demeure du compositeur, les volets sont fermés, il est absent. Je ne vois que l'extérieur de la maison. Hélène l'a décrite : « vraiment cocasse, coupée en quart de brie sur la route, avec son petit belvédère de boîte à joujoux ! Les pièces y sont peu spacieuses et la chambre du maître donnant à même le jardin semble une sorte de cave étonnée d'être habillée de satin. [ ... ] Il y avait aussi le rite de la visite au jardin révélant à l'invité surpris les termes d'enthousiasme que Ravel réservait aux choses de la nature. Extasié comme au premier jour, il semblait toujours découvrir les milliers de petites fleurs bleues composant sa pelouse japonaise, et ses arbres nains ... » Féministe et gauchiste, critique aux Lettres françaises, Moune, épuisée par trop de travail, décida enfin d'aller à Honfleur chez sa sœur Alice pour se reposer. Prise de malaise à son arrivée, ne ménageant pas ses forces, elle retourna à Paris dans sa voiture au lieu de rentrer en ambulance. L'infarctus ne l'épargne pas. Je lui dis adieu à la clinique : “ J'ai aimé ma vie ! ” murmura-t-elle dans un dernier souffle. » (4)

Mais ce serait plus qu’injuste d’oublier le monumental travail d’Ornella Volta, que je n’ai pas osé aborder il y a presque un an le soir où Aube Breton et Jackie Matisse invitaient en avant-première quelques happy few à la projection du film de Fabrice Maze, le premier consacré à la vie de Marcel Duchamp et désormais disponible en DVD chez Sevendoc - Collection Phares :

Marcel Duchamp, Iconoclaste et inoxydable, Fabrice Maze

car c’est dans :

Erik Satie, Correspondance presque complète, réunie et présentée par Ornella Volta, Fayard / Imec, 2000, p. 283, qu’on trouve le fac-similé d’une lettre écrite par Satie à Hélène Jourdan-Morhange le 23 mars 1917 :

Ne pas mentionner ce livre serait, vraiment, pure hérésie !

(1) Je fournirai bientôt la source de cette phrase de Cocteau.

(2) La bibliothèque Kandinsky étant fermée jusqu’à la rentrée, je ne suis pas en mesure de proposer l’article de Gabrièle Buffet ici évoqué.

(3) « Guite » est ici, à n’en pas douter, Marguerite Moreno, intime amie de Colette et qui prit part activement à la publication du texte d’Hélène Jourdan-Morhange alors que cette dernière tentait de publier son texte dans la France occupée.

(4) Jeanine Warnod, L'Ecole de Paris, Le Musée du Montparnasse / Arcadia éditions, Paris, 2004, pp. 113-114.

French flappers of the jazz age

2010-07-27T00:56:00.028+02:00

PIERRE DE MASSOT « LIVRES » PARIS- JOURNAL

18 NOVEMBRE 1923

« Carnaval n'est pas une théorie de pages lyrico-sensuelles non plus qu'un prétexte à faux décors. Il y a deux âmes masquées, tendues jusqu'au pathétique, qui se démasquent, en une atmosphère douce et voilée, mystérieuse et frémissante. Tout est pénombre, demi-jour, allusions, fraîcheur... pas de poings sur la table ni de points sur les i. "Suggérer, évoquer, voilà le rêve", disait Mallarmé, ce grand prophète. Voici le style: " La première, la main à la nuque, elle lui prend les lèvres, elle le mord, puis abandonne sa bouche. Il y pénètre comme dans une rose humide et boit. " Voici le charme : " Germaine avait dit : “Je vais mettre une petite robe rose.” En réalité sa robe est noire." (1) Nouveau ton. Aucune vantardise ne gâte l'amoralisme qui est délicat, froid, pincé comme un veston d'Édouard de Max. Carnaval porte en lui les germes de notre génération : le scepticisme, l'éther, l'opium, le jazz, les cocktails y ont une place parfaitement justifiée. Il porte aussi la preuve par 9 d'un admirable talent que je suis fier de saluer au passage. Mireille Havet, petite sœur, j'évoque votre curieuse silhouette penchée sur un whisky, au Bœuf sur le toit, quand Wance [sic] (2)

jette toute son âme à des êtres qui ne sont pas dignes d'un tel sacrifice. Et je vous offre ainsi l'épigraphe de Ducasse : "Triste comme l'univers, belle comme le suicide." » (3)

C’est au stand de Claire Paulhan, en avril dernier, que j’ai acheté le nouveau volume du Journal de Mireille Havet qui couvre les années 1927 et 1928. C’est dans ce volume qu’on découvre la rencontre de Mireille Havet avec Robbie (4) qui fut la compagne de Pierre de Massot et que ce dernier « offrit » bien imprudemment à l’auteur de

Carnaval. [Je noterai ici, bientôt, un extrait de Mon corps, ce doux démon dans lequel de Massot évoque cet insensé cadeau qui l’empoisonna pour de longs mois]. Terrible volume que celui-ci, où l’on suit l’inexorable descente aux enfers de Mireille Havet qui en ces années désespérément folles mettait à profit la moindre rémission dans son mal que pouvaient lui apporter ses voyages hors de la capitale (Nice, Cannes, New York, Grasse …) pour tout aussitôt soumettre un corps, déjà dévasté, aux implacables effets combinés de l’héroïne, de l’opium et de la cocaïne. Le 15 décembre 1927, Mireille se trouve chez Georges Claretie,

fils de Jules Claretie [qui est Georges, qui est Jules, qui est Léo ?] (5), discret signataire de L’Œil cacodylate, elle affirme avoir « cherché Robbie », ce jour même où elle rencontre Jacques Rigaut et Georges Auric. On imagine Mireille Havet très lasse, marchant sans plus aucune assurance dans les rues de Paris et d’ailleurs. On imagine les vils flashs que lui procurèrent des excipients plus encore vils. On imagine Mireille Havet la tête orientée vers de trop lointaines étoiles. La langue de Mireille Havet est sans doute terrible et désespérante, mais elle est belle.

(1) Il faut rendre justice à René Crevel qui fut sans doute le premier à avoir souligné la figure de style employée par Mireille Havet – et dont de Massot « se souvint » près d’un mois plus tard. C’est René Crevel qui, en effet, débute son article consacré au Carnaval de Mireille Havet en soulignant cette figure. [René Crevel in Les Nouvelles Littéraires, 6 octobre 1923].

(2) [sic] De Massot évoque ici, très probablement, le saxophoniste (et banjoïste à ses heures) Vance Lowry, auquel Michel Leiris n’hésitera pas à vendre les cadeaux qu’on lui offrit à l’occasion de sa première communion afin de pouvoir fréquenter les bars branchés de son époque. Leiris rappelle d’ailleurs dans Biffures que Vance Lowry fut « l’un des premiers musiciens nègres à être venus en France ».

(3) La phrase complète de Lautréamont est la suivante : « Tu dois être puissant, car tu as une figure plus qu’humaine, triste comme l’univers, belle comme le suicide... » Chant I, 13.

(4) « 4 heures du matin. Samedi 14 juillet 1928. Sale Garce. Ordure. Salope. C’est en t’injuriant immédiatement que je m’éveille, petite Robbie. Ordure de ma vie que j’aimais, qui m’aimait tant, soi-disant, quand nous nous endormions à cette heure-ci, vois-tu, à l’aube, et à regrets encore, on aurait dit de ta part aussi (sale comédienne aussi, sans doute), parce que jusque-là, nous nous aimions, renouvelant dans nos caresses les serments d’amour et les protestations et les chers projets pour les étés d’après et toujours ! ». [Mireille Havet, Journal 1927-1928, éditions Claire Paulhan, Paris, 2010, p. 225].

(5) Réponse sera donnée dans un prochain post.

Signatures chez Hippocampe

2010-07-21T00:53:00.008+02:00

C’est dans l’éditorial du numéro 3 (avril 2010) de la très belle revue Hippocampe (1) que Gwilherm Perthuis rappelle fort justement la première occurrence du terme cacodylate dans l’œuvre de Francis Picabia. C’était donc dans le poème intitulé

Cacodylate publié en 1918 et figurant dans le recueil intitulé Poèmes et dessins de la fille née sans mère paru à compte d’auteur aux Imprimeries Réunies (Lausanne). (2)

Entièrement consacré au thème de la signature (ceci explique cela),

Herwin Blumenfeld, Signatures (1919-1924) *

ce numéro de la revue Hippocampe propose un sommaire des plus alléchants. On y trouve notamment un texte inédit de Enrique Vila-Matas (3) intitulé « Voyager autour », un autre texte inédit de Bruce Bégout (4) intitulé « L’après-midi d’une terroriste », une étude de Fanny Schulmann consacrée au très injustement méconnu Dan Azoulay (artiste « psychogéographe » qu’on situe souvent rapidement dans la lignée du situationnisme et de Fluxus), un entretien avec Tzvetan Todorov, un texte de David Collin intitulé « Pour une généalogie des écrivains fantômes. Arthur Cravan - B. Traven - Roberto Bolaño »... bref, de quoi passer une partie de l’été en excellente compagnie.

(1) « Marquée dans sa composition par la question du montage (de Warburg à Bataille …), Hippocampe traite un thème au printemps et un pays à valeur insulaire (intellectuellement) à l’automne. »

(2) Titre disponible chez Allia et présent dans le recueil de l’ensemble des poèmes de Picabia publiés par la Mémoire du Livre (2002).

(3) Qui ne figure pas dans Vila-Matas, pile et face, rencontre avec André Gabastou, Argol, 2010.

(4) Qui ne figure pas dans le recueil intitulé Sphex paru chez l’Arbre Vengeur à peu près au même moment que Le Park (Allia).

* Reproduit in Erwin Blumenfeld, Dada Montages 1916-1933, Helen Adkins, Hatje Cantz, 2009, p. 59.

Dark eyes for summertime

2010-07-19T21:44:00.008+02:00

Jacques Rigaut (détail). Archives Jean-Luc Bitton

« Le seul vrai dandy du XXe siècle, c’est Jacques Rigaut. Son agence générale du suicide résume assez bien le comportement d’une Europe qui venait d’accepter cinq années de carnage industrialisé. Il porte des lunettes noires avant tout le monde, c’est-à-dire avant qu’elles ne deviennent à la mode, vers 1930 aux États-Unis. Une photo du début des années 20, où l’homme qui voyageait avec son suicide à la boutonnière semble à bord d’une voiture rapide, en apporte la preuve. »

Jérôme Leroy, Physiologie des lunettes noires, éditions Mille et Une Nuits, 2010, p. 85.

Un été 1921

2010-07-04T00:21:00.009+02:00

Dans les premiers jours de juillet, Jean Cocteau et Raymond Radiguet partent pour Besse-en-Chandesse, petit village d’Auvergne où les rejoignent Pierre Bertin, Marcelle Meyer et Georges Auric. La petite troupe se retrouve à l’Hôtel de Paris et s’amuse à composer autour de la vie d’Alfred de Musset. Alors que Radiguet endosse le rôle d’un laquais, Cocteau se prend pour de Musset, Pierre Bertin pour le frère de celui-ci, Marcelle Meyer pour sa maîtresse et Georges Auric pour … George Sand. Ils s’essaient à parler en alexandrins en se remémorant des tirades de l’auteur de Lorenzaccio.

Raymond Radiguet et Georges Auric à Besse-en-Chandesse, juillet 1921. Copyright Musée Jean Cocteau.

A la suite d’un différend avec une vendeuse de tarte (surfacturée et immangeable – l’affaire ira jusqu’à la gendarmerie locale !), l’équipe décide de quitter le village, préférant la douceur estivale du bassin d’Arcachon à une Auvergne qu’ils n’apprécient pas trop. Début août 1921, à peu près au même moment que l’année précédente, Cocteau et Radiguet retournent donc au Piquey.

Le Grand Hôtel Chantecler du Piquey

Ils y séjournent jusqu’en septembre et reçoivent de nouvelles visites d’amis, dont celles de Jean et Valentine Hugo et de Georges Auric également. Le séjour de ce dernier ne dut pas s’éterniser car le 21, Cocteau lui adresse une carte postale ainsi légendée : « la côte prise de l’hôtel Chantecler, arrivée d’un courrier. Côte d’Argent. Piquey »

Sources du post : Chloe Radiguet et Julien Cendres : Raymond Radiguet. Un jeune homme sérieux dans les années folles, Mille et Une Nuits, 2003 ; Correspondance Georges Auric / Jean Cocteau publiée par Jean Caizergues, Centre d'étude du XXe siècle, Université Paul Valéry, Montpellier, 1999.

René Blum (1878 - 1942)

2010-06-27T00:49:00.018+02:00

La vie de René Blum demeure aujourd’hui encore des plus méconnues. Son nom apparaît peu (et parfois n’apparaît pas) dans les biographies consacrées à Léon Blum. La toile ne lui rend pas justice, d’autant que bon nombre d’indications le concernant sont erronées. Ce n’est que huit ans après sa mort qu’un ensemble de témoignages sera publié, sous la forme d’un numéro spécial tiré à 1200 exemplaires, par la revue Arts et Métiers Graphiques. En compilant rapidement mon dossier René Blum, j’ai extrait quelques dates et quelques photographies de l’homme dont le nom demeure à jamais attaché à celui des Ballets Russes de Monte-Carlo, « cet être unique qui fut aimé de tous ceux qui l’ont approché et adoré de tous les siens ». (1)

Naissance à Paris le 13 mars 1878, de René-Moïse Blum, dans le deuxième arrondissement de Paris, six ans après son frère Léon.

1912 : René Blum écrit la préface du catalogue du Salon de la Section d'or à Paris (10-30 octobre 1912)

qui se tient à la Galerie la Boétie. Le catalogue mentionne trois conférences dont une prévue pour le vendredi 25 octobre « par M. BLUM (Léon) René ». (Le prénom Léon est mentionné et biffé dans la transcription sur laquelle je m’appuie). (2) Mentionnons que parmi les peintres exposés et figurant au catalogue, six sont des signataires de L’Œil cacodylate : Marcel Duchamp, Jean Metzinger, Francis Picabia, Georges Ribemont-Dessaignes, Dunoyer de Segonzac et Henry Valensi. Le nom de René Blum figure également (après celui de Gabrièle Buffet) dans la liste des collaborateurs du numéro spécial du 9 octobre 1912 consacré à l’exposition.

1913 : Fin février, Marcel Proust lui écrit pour lui faire part de sa volonté de publier à compte d’auteur chez Grasset. Blum fera l’intermédiaire auprès de l’éditeur et Du côté de chez Swann paraîtra en novembre de la même année. [«Mais, mon cher ami, je suis très malade, j’ai besoin de certitude et de repos. Si M. Grasset édite le livre à ses frais, il va le lire, me fera attendre, me proposera des changements, de faire des petits volumes, etc. Et aura raison au point de vue du succès. Mais je recherche plutôt la claire présentation de mon œuvre. Ce que je veux c’est que dans huit jours vous puissiez me dire, c’est une affaire conclue, votre livre paraîtra à telle date. Et cela n’est possible qu’en payant l’édition.»]

1923 : De Bagnères-de-Luchon, le 8 août, René Blum écrit une lettre à Francis Picabia (fonds Doucet).

1924-1925 : il assure la direction de la Saison de Comédie et d’Opérette au théâtre de Monte-Carlo. [Source : numéro spécial de la revue Arts et Métiers Graphiques consacrée à René Blum, nov. 1950].

Cette direction durera jusqu’en 1932. [Source : fonds René Blum du Département des arts du spectacle, Bibliothèque nationale de France].

1926 : La Société des Grands Etablissements du Touquet lui propose d’assurer la direction artistique des Casinos. Un court papier paru dans une récente gazette locale nous dit que René Blum occupera cette place six années durant.

1932 : les Ballets Russes, fondés en 1909 par Serge de Diaghilev, renaissent sous le nom des Ballets Russes de Monte-Carlo (fusion des Ballets de l’Opéra de Monte-Carlo et du Ballet de l’Opéra Russe de Paris).

La troupe est dirigée par le Colonel de Basil (de son vrai nom Wassily Grigorievich Woskresensky) et René Blum (direction artistique).Publication de la pièce Les Amours du Poète écrite en collaboration avec Georges Delaquys, La Petite Illustration ‎(théâtre), n° 292 du 27 février.

René Blum circa 1930

1934 : les Ballets Russes de Monte-Carlo sont au bord de la faillite, nous dit un article in english. Sol Hurok, impresario américain, sauvera pour un temps la formation en la programmant au Saint-James Theatre ainsi qu’au Metropolitan Opera House

sous le nom de Ballet Russe de Monte-Carlo. Cependant, une photographie issue du fonds de la National Library of Australia nous montre un colonel et l’impresario Sol Hurok accompagnés de la troupe en 1933…

Ballets Russes de Monte-Carlo. Représentation de Don Juan. 1936

1936 : le colonel de Basil et René Blum cessent leur collaboration.

René Blum circa 1930

René Blum, New York, mars 1940

1940 : René Blum arrive à New York le 4 mars à bord du S.S. Washington.

1941 : 12 décembre. L’officier allemand Otto von Stülpnagel ordonne la rafle dite « des notables ». René Blum est arrêté à son domicile parisien (55, avenue Bugeaud, 16ème arrondissement) et sera interné dans plusieurs camps français. Il part de celui de Drancy (convoi n° 36) le 23 septembre 1942 pour le camp d’extermination d’Auschwitz-Birkenau. Il y est assassiné par les allemands le 28 septembre 1942. [Source : Journal Officiel de la République Française, 02/10/1987, p. 11519].

(1) Lettre de J. Lancrey-Javal (nièce de René Blum), à la danseuse Rosella Hightower, vers 1955 (coll. F. Lefaix).

(2) Voir catalogue de l’exposition La section d’or 1912-1920-1925. Le cubisme écartelé, dir. Cécile Debray et Françoise Lucbert, Musées de Châteauroux et Musée Fabre, Montpellier / Editions Cercle d’Art, 2000, p. 278 sqq.

Philippe Dada

2010-04-28T22:12:00.005+02:00

Sur l’auteur de L’invitation au suicide (1922), on disposait jusqu’à présent

du Philippe Soupault Qui êtes-vous ? de Bernard Morlino (La Manufacture, 1987) et de Philippe Soupault Voyageur magnétique de Serge Fauchereau (déjà évoqué ici). Voici que depuis peu est disponible le

Philippe Soupault de Béatrice Mousli (Flammarion, collection Grandes biographies) qui avait déjà fait paraître, en 2005, une biographie de Max Jacob chez le même éditeur. Au fil du temps, les protagonistes de Dada et du surréalisme se voient consacrer des études de plus en plus complètes, souvent étoffées d’inédits et presque aussi souvent bénéficiant d’un éclairage panoramique que seules de longues années de patience et de travail permettent.

À quand une biographie de Clément Pansaers, de Pierre de Massot ? A quand la réédition du Picabia de Maria Lluïsa Borràs paru en 1985 chez Albin Michel ?

I have enough of art of art of art of art of art of art of art of art.

2010-04-20T22:24:00.012+02:00

THEATRE AND MUSIC-HALL

To Erik Satie

The theatre in France, to quote Alphonse Daudet on the monarchy, is "a great dead old thing." The music-hall is a great young thing which is dying. As a matter of habit and to amuse a friend from the provinces, visiting in Paris, we still go occasionally to the theatre: Opéra; Gaieté-Lyrique or Ba-ta-Clan. We hear "Padmavati" ; "Chout" ; or "T'en fais pas !" Alas, what boredom !

A romantic repertory; conventional gestures; nothing living, moving, happening, which makes one cry out. Today France should get the first prize for bad acting. One has only to see, after a performance of the Cid or of Horace, these gentlemen of the Comédie-Française, in smoking coats, stomachs sticking out, congratulating each other in the wings, to be aware of this agony and to understand at once why it is legitimate to be bored in an orchestra chair.

Novelty is a microbe which directors, managers, actors, electricians, stage directors, door keepers, prompters, pursue and destroy every time that it shows the tip of, an ear behind the curtain. I beg you, make way for the dust, the mummies, the glory of past centuries. How comfortable it is to talk among the dead and with what eloquence does Rameses II talk with M. Millerand !

Before the war, from 1912 until the end of August, 1914, there was a leap forward, and there were those who wished to drag the coach out of the mire. Whatever they did, I congratulate them. Leon Bakst revolutionized the usual conception of costumes and of stage decoration. Nijinsky's sensual interpretation of "l'Après-Midi d'un Faune" called forth a storm of cat calls. (See the ridiculous article by Gaston Calmette in Figaro.) Igor Strawinsky gave his "Sacre du Printemps." Erik Satie already passed for mad. In the realm of the dance, we were forgetting Isadora Duncan, that nullity, in our astonishment over the daring of Valentine de Saint-Point who created "la Metachorie." I do not mean by this that the Muse-Pourpre, as this descendant of Lamartme loved to call himself, invented an entirely new choregraphy but I cannot deny that we felt a real pleasure in his attempts and experiments.

Picabia, P. de Massot et son autruche, 391 n° 17, juin 1924

It was the famous epoch when Paris revelled in the ridiculous. Cardinal Amette, an archbishop, condemned the tango in the name of the church. As a reprisal Eve Lavalliere played in a travesty of this name. Gaby Deslys turned things topsy turvy. Henry Bataille undressed Yvonne de Bray in "Phalène." Madame Caillaux killed Monsieur Calmette. De Max played the "Salomé" of Oscar Wilde. Picasso created cubism. Sarah Bernhardt was not yet dead nor had she lost a leg.

Since my pen writes this name, I must say exactly what I think of this tragedienne whose death is deplored by all the world, whose every visit to America was received with incredible enthusiasm. Sarah, against every novelty, was up to her last hour the principal pivot of a delayed fashion. Actors and actresses had their eyes fixed upon her alone and as she, for eighty years, had sung her verse and wept her prose, so all the actors and actresses sang their verse and wept their prose. It can be said that a whole generation limped behind this cripple.

Is it not so, Blanche Dufrêne, you whom I loved and who were found hanged in your dressing-room ? Is it not so, Moreno ? Jean Vonnel ?

On the contrary, the only tragedian who owes nothing to anyone, who searches, feels, composes his text, knows neither fame nor success. ... I refer to Edouard de Max. It is true that the legend which surrounds him discredits him. I am his friend ; I know his home with its burning incense, his old servant, his sumptuous pyjamas, his silk shirts, his mocking spirit, his rings, his melancholy, his bracelets, the depth of his eyes. All this does not prevent me from repeating that he is the only actor, a hundred cubits above a Mounet-Sully or a Gémier.

The war came. It has even been called a great war. The theatre was forgotten and the artists cared for the wounded . . . I was among those who hoped that this period of Jansenism would purify the stage and would kill forever this romanticism which horrifies me and which personifies stupidity to me.

American films, sharp as steel, cold like the poles, beautiful as the tomb passed before our dazzled eyes. The gaze of William Hart pierced our hearts and we loved .the calm landscapes where the hoof of his horse raised clouds of dust. The inconceivable, the incomparable, the royal Charlie Chaplin appeared, gros plan net, his two feet turned out and it was inevitable that he was the comic bomb which would overturn the theatre and the music-hall.

Alas, my poor France, country born malicious ! You make a barricade against exoticism, and the great ships which return to port, loaded with opium and unknown fruits, are phantom boats which never land. All this is over and it is our players who influence America. It is time to be on guard and to cry out as did Louis Aragon five years ago, "Down with the clear French genius !"

Yes, the theatre is dead, in spite of the efforts of certain ones: de Max, Ventura, Berthe Bovy, Eve Francis, etc. And the music-hall is dying, the supreme hope ! It dies, still loaded with fruit, and already one of its most savoury fruits, the poor Fortuge, sleeps under the willows of Bagnolet. It dies because it is not watered but is put under glass. We have enough of revues where they talk of Poincare, of Sacha Guitry, of Maurice Rostand, etc. ; of revues where ugly nude or semi-nude courtesans pass in procession under the baton of the conductor ; revues where there is nothing, nothing, nothing.

Imagination dead. It is really too easy to do always the same thing and to satisfy the stupid bourgeoisie. The Casino of Paris is becoming a branch of the Comédie-Francaise; the Folies-Bergères, a branch of the Odéon. Who would dare to say to a counterfeit dancer like Harry Piker that he does not dance; to a counterfeit singer like Mayol that he does not sing; to a counterfeit player like Polaire what she does not act ? For neither Mistinguett, nor Parisys, nor Gaby Montbreuse, nor Cora Madon, nor Mérindol occupy the place to which they are entitled. They are known, of course, but for something quite different. We know that Spinnelly changes her pantaloons twelve times a day, that Parisys changes her gown eleven times a day at Deauville and that is all.

Alas !

The legs of Mistinguett, the breasts of Spinelly, the buttocks of Parisys, the little stomach of Pépée constitute with Marcel Duchamp's "Nude Descending the Staircase" the only "poetic" realm in which I can live.

I have enough of the theatre where art is made !

I have enough of the music-hall where art is made !

I have enough of the cinema where art is made !

I have enough of art of art of art of art of art of art of art of art.

For the others = merde.

PIERRE DE MASSOT

July, 1923.

The Little Review, Autumn & Winter 1923-1924. Vol. IX, n° 4, pp. 3-6.

Vient de paraître maintenant

2010-04-07T22:49:00.009+02:00

"En voilà une qui aurait bien besoin qu'on lui relève les jupes et qu'on lui mette une grosse ... quelque part pour lui apprendre que l'art n'est pas une petite pose devant le miroir. Oh ! chochotte ! (ta gueule !). La peinture c'est marcher, courir, boire, manger, dormir et faire ses besoins. Vous aurez beau dire que je suis un dégeulasse, c'est tout ça."

Arthur Cravan, "L'Exposition des Indépendants", Maintenant, n° 4, mars-avril 1914, pp. 16-17.

F. Picabia, Portrait présumé d'Arthur Cravan (1917 ?),

aquarelle sur papier © coll. Geert-Jan Visser

Vient de paraître

2010-03-28T17:40:00.022+02:00

Les études sur les textes de Clément Pansaers ne sont pas légion. Dans son étude sur Le théâtre dada et surréaliste, Henri Béhar consacrait quatre pages aux Saltimbanques de Clément Pansaers et soulignait rapidement un cousinage du côté de chez Jarry :

« La seule pièce connue de Pansaers s’inscrit, par le sous-titre, par la mise en pratique de la Pataphysique, dans la ligne de Jarry, mais avec quel sens de la destruction en plus ! Pansaers ne cache pas sa dette : « Le Père Ubu, Le Surmâle, le Dr Faustroll (…) résument avec une puissance extraordinaire toute notre vie d’hier, d’aujourd’hui et de demain. » [C. Pansaers, « La vie à Paris », in Ça ira !, n° 17, mars 1922.] (1)
Ce texte m’ayant longtemps fait défaut, je suis allé le recopier il y a quelques mois dans la très studieuse salle de la bibliothèque Kandinsky. Mais voici qu’un éditeur belge, Chemins & Ruines (Bruxelles), vient de faire paraître (fin 2009 semble-t-il) Les saltimbanques « avec une présentation et un aggiornemento par quelques agents dormants du Parti imaginaire ». Ces derniers, longtemps après H. Béhar, avancent ceci :
« Le texte introuvable que nous rééditons ici présente toutes les caractéristiques formelles d’une pièce de théâtre. Et pourtant, ceci n’est pas une pièce. Pour les sceptiques, une didascalie extravagante placée peu avant la fin, ou cet avertissement, glissé dans une simili réplique : “ Peu perspicace est celui qui pense aussitôt à la scène.” »
Les deux textes qui accompagnent cette réédition des Saltimbanques de Pansaers (« Devant l’impossibilité d’une pensée isolée » et « Ceci n’est pas une pièce, mais un processus d’exorcisme ») comportent respectivement 32 et 14 pages au détour desquelles les « agents dormants » – très perspicaces quand il s’agit de démontrer que les textes de Pansaers souffrent, aujourd’hui encore, de l’estampille « dada », réductrice s’il en est dans le cas de l’auteur des Saltimbanques qui se serait bien passé de ce déterminisme historique – font preuve d’une virulence des moins pertinentes et des plus inutiles à l’égard de Marc Dachy (sans nommément le citer d’ailleurs) :
« Dans l’unique édition de ce recueil, l’incompétent en charge de l’établissement du texte (2) n’a pas jugé utile de conserver ce signe qui apparaît aussi dans les en-tête de sa correspondance, ou dans la gravure sur bois qui ouvre Le Pan-Pan au Cul du Nu Nègre. Ce qui revient à noter qu’il n’existe actuellement aucune édition satisfaisante du recueil intitulé Je blennorrhagie. » [note 16, page 42].
et, plus loin :
« Mais pour l’unique réédition du Point d’orgue programmatique pour jeune ourang-outang, l’idiot civilisé chargé d’établir le texte (2) a jugé bon de rectifier l’orthographe barbare de son Dada en “ orang-outang ”. » [note 17, page 43].
Ces deux remarques sont particulièrement regrettables car Marc Dachy est la personne qui en France a permis au plus grand nombre de découvrir Clément Pansaers, notamment en établissant l’édition de Bar Nicanor et autres textes dada chez Gérard Lebovici (1986).

Par ailleurs, sous réserve de vérification des sources, changer « ourang-outang » en « orang-outang » ne nuit aucunement à l’approche ni à la compréhension du texte en question. Le français de Pansaers était parfois hésitant, parfois fautif, même, à en examiner de près, par exemple, son « Novénaire de l’attente » et il n’est pas anormal, dans ce cas précis, de rétablir l’orthographe indiquée.

Quant au « signe »

C. Pansaers, gravure sur bois illustrant Le Pan-Pan au Cul du Nu Nègre (1920) - détail

C. Pansaers, en-tête d'une lettre adressée à Tristan Tzara (18.12.1920)

évoqué par les « agents dormants », la notation musicale de reprise da capo, qu’aurait omis de reporter Marc Dachy dans son édition, il faudra bien qu’on nous le décrive plus précisément. En ce qui me concerne, je ne lis que le monogramme « CP » ou « PC » qu’utilisait Pansaers tout simplement pour … signer – et non « DC » pour da capo, ce qui me paraît être une surlecture d’autant plus fautive qu’elle est doublée d’un « incompétent en charge de l’établissement du texte ».

Enfin, juste une petite remarque en passant aux « agents dormants », ici un peu endormis : il n’existe pas de « Pistons d’air » chez Duchamp (leur remarque, page 15), mais des « Pistons de courant d’air » (eh oui, ça change tout !). Quant à « l’actrice Isadora Duncan » (leur remarque, page 23), il me semble utile de préciser qu’elle était plutôt … danseuse. Il est vrai qu’une petite erreur est bien vite arrivée.

Pour l’heure, il reste encore quelques textes de Pansaers à republier. Ceux publiés sous le pseudonyme de Julius Krekel en 1910 ne semblent pas encore avoir suscité la curiosité d’un traducteur. "Arlequinade", "Brève incursion dans le Blockhaus de l’artiste", "Méditations de carême" et le très beau "Novénaire de l’Attente" demeurent quasiment inconnus et très difficiles d’accès pour ceux qui en ont entendu parler. Pour pallier ce vide éditorial (qui ne concerne qu’une poignée de lecteurs, mais, qui sait ?…), j’ai il y a peu envoyé le "Novénaire de l’attente" à quelques personnes de mon entourage.

Pour une approche de Clément Pansaers, on se reportera utilement, comme disent les études sérieuses, à l’article de Georges-Henri Dumont (« Résurrection (1917-18), une revue wallonne d’avant-garde sous la première occupation allemande ») et, bien sûr, à l’article de Marc Dachy « Résurrection de Clément Pansaers » (3).

Le prochain post sera sans doute consacré au reprint du Picabia par Marie de la Hire, désormais disponible grâce à Kessinger Publishing.

Je prendrai également le temps de mettre en ligne Les Saltimbanques de Pansaers et de parler, quand je l'aurai lu, du prochain livre de Marc Dachy (que je n'ai jamais rencontré mais qui m'a immédiatement répondu par courrier quand je lui ai posé une question sur Pansaers il y a déjà quelques années), intitulé Exposer Dada (Transédition).

(1) Étude sur le théâtre Dada et surréaliste, Gallimard, coll. Les Essais, 1967. Rééd. coll. Idées, nouvelle édition revue et augmentée, 1979.

(2) Je souligne.

(3) Introduction au reprint des numéros de Résurrection, éditions Jacques Antoine, Bruxelles, 1973.

@ @ @

Perdre des théories (Enrique Vila-Matas),

c’est bien ce qu’il me fallait afin de pouvoir me replonger dans des textes où il ne serait plus question de Dada, de Picabia et de références d’articles qui à la longue m’empêchaient littéralement l’accès à toute littérature. A la suite de Journal volubile et Docteur Pasavento, je viens de refermer Dublinesca.

Après trois volumes enchaînés les uns après les autres, l’impression d’avoir lu un même texte me confirme que Vila-Matas est un authentique auteur (Le mal de Montano demeure sans doute son meilleur texte), comme Pierre Senges, dont vient de paraître

Etudes de silhouettes, mince volume si on le compare à son Lichtenberg, mais assurément du plus grand intérêt.

Dans L’homme qui tua Roland Barthes,

Thomas Clerc (on lui doit Maurice Sachs le désœuvré et l’édition des cours de Barthes consacrés au Neutre), on trouve un long portrait d’Edouard Levé, auteur de Suicide récemment paru en Folio.

C’est au moment où je repensais régulièrement

à la Défaite de Pierre Minet que les éditions Allia le font à nouveau paraître (leur première édition remonte à 1994). Une petite déception toutefois : si la notice de ce volume annonce « une édition augmentée de témoignages de Jean Paulhan, Léon-Pierre Quint et Antonin Artaud », le lecteur perspicace ne les trouvera malheureusement pas.

« (…) ce temps faux où l’on couvrait tout de strass et de nylon, de shit et de coke, de cancer et de sida, glasnost et aérobic », peut-on lire

dans Tarzan Boy, sous-titré Une chanson-drame et constituant, avec M’man et Miss Electricity, l’ensemble intitulé Modane de Fabrice Melquiot où l’évocation des années 80, qui certes ne constitue pas tout le propos, est très juste et très touchante, notamment les deux listes de noms et de prénoms de camarades de classe.

S’agissant d’une traduction de l’allemand, j’en déduis que la langue de départ doit être très belle – et la traduction de qualité :

Dames & Messieurs sous les mers

de Christoph Ransmayr révèle à coup sûr un auteur.

Enfin, c’est en allant rejoindre Jacques Floret au salon Chic dessin (60, rue de Richelieu, 75001 - jusqu'au 29 mars), à son invitation et parce qu’il y expose les dessins de son dernier livre intitulé

Dessin issu de Oh ! le bel été © J. Floret / Derrière la salle de bains éd.

Oh ! le bel été (Editions Derrière la salle de bains) que ce dernier m’a offert Les Solennels (textes de Jacques Vaché et Jean Sarment) paru chez Dilecta, éditeur dont l’éclectisme nous propose depuis peu la revue Proverbe en fac-similé mais également

Rachel & Rosco de Jacques Floret qui propose près de 80 dessins représentant chacun une femme accompagnée de son chien et réalisés à l'aide d'un stylo bille quatre couleurs.

Foule Immobile (1921)

2010-02-16T17:12:00.018+01:00

Jusqu’au 15 avril 2010, la galerie genevoise Artvera’s présente une grande rétrospective Serge Charchoune. La galerie propose un catalogue bilingue anglais-français mais apparemment aucune autre publication n’est prévue dans le cadre de cette exposition. C’était peut-être l’occasion de republier l’introuvable

Foule Immobile écrit et publié à Paris en 1921. A l’époque, Charchoune fit appel à Philippe Soupault pour la correction de son manuscrit qui fut reproduit à 25 exemplaires et également publié sous la forme d’une plaquette d’une vingtaine de pages. C’est le facsimilé (Druck Elbemühl, Wien, 1968) de cette dernière que j’ai pu consulter récemment à la Bibliothèque Kandinsky. Par ailleurs, l’indispensable Livremblog proposait il y a peu une critique de Foule Immobile par Pascal Pia parue dans le numéro de mars-avril 1922 de la revue Action :

[FOULE IMMOBILE, poème par Serge Charchoune. L'auteur fait entendre vingt-cinq voix. Une seule déjà énonce tant de sottises. Le médecin légiste est venu constater la mort de Dada : le livret de M. Charchoune n'a pas même été tiré sur Hollande Van Gelder. Le public ne crie plus. Trop tard, petit Charchoune. « L'oubli, l'oubli, je connais l'endroit. » (Sic.)] La galerie Mummery + Schnelle (Londres), qui vient d’exposer des toiles et des dessins du peintre aux dix mille toiles a quant à elle pensé à publier une « transimile edition of 25 copies » de Foule Immobile (disponible ici) ainsi qu’un choix de courts textes de Charchoune (disponible ici).

En attendant une édition qui tiendrait compte du manuscrit de Charchoune (j’ai constaté des disparités entre celui-ci et sa première édition en français qui omet majuscules, points d’interrogation, etc.), voici le « premier round » de Foule Immobile - Chanson en 9 rounds chanté [sic] par le chœur à 25 voix dirigé par M. LEOPARDI:

Armory Show (New York, 02.17.1913), a post report by Gabrielle Buffet

2010-01-16T21:23:00.016+01:00

A PROPOS DE VERNISSAGE. – Vernissage de l'Exposition internationale de peinture moderne à New York, en février dernier.

Le soir, il y a une foule compacte ; bien que la salle soit immense

Armory Show, galerie H, peinture et sculpture françaises

(c'est une caserne ou une sorte de champ de manœuvre couvert où les troupes s'exercent d'habitude, transformée pour un mois en salon de peinture). On circule avec peine, la lumière est éblouissante, les toilettes sont éblouissantes, les femmes ultra décolletées, couvertes de perles et de diamants. Les hommes ultra corrects en « evening dresses » ; un orchestre (presque une fanfare) joue des airs de Carmen, de temps à autre. Le président d'honneur, avocat très connu à New York, va prononcer le discours d'ouverture, et la foule s'empresse autour du balcon intérieur d'où il parle. Toutes les têtes se lèvent vers lui, curieuses, attentives et jeunes, sans exception, même celles à cheveux blancs ou crânes chauves.

Il parle d'une voix bien nette et vibrante : Ladies and gentlemen, cette exposition est la plus importante qui ait jamais été organisée dans le monde entier ; jamais ni à Berlin, ni à Vienne, ni à Rome, n'ont été réunis autant de tableaux. (Applaudissements.) C'est un record. « Jamais exposition n'a été aussi rapidement organisée. (Applaudissements.) « Il a été dépensé pour cette exposition X dollars. » (Applaudissements répétés devant la somme formidable.) Suivent quelques appréciations flatteuses sur tous les organisateurs. Conclusion : « Et maintenant que ceux qui désirent s'instruire viennent, regardent et travaillent. » (Applaudissements. Morceau de musique.) Ladies and gentlemen commencent à circuler devant les toiles, consciencieux, pleins de volonté et de bonne volonté pour s'initier aux mystères de la peinture moderne, cubisme, orphisme, etc., etc.

G. B.

Les Soirées de Paris, n° 19, décembre 1913, p. 5.

Isadora, 18 rue Antoine Bourdelle, 75015 Paris

2010-01-07T23:09:00.021+01:00

Une exposition consacrée à Isadora Duncan se tient jusqu'au 14 mars prochain au Musée Bourdelle. A côté des toiles, sculptures, costumes, dessins, gravures et photographies, un très grand nombre de documents (magazines, programmes, correspondance, épheméra) vient retracer l'histoire de la danseuse aux pieds nus. La première salle expose L’Œil cacodylate photographié par Man Ray dans des dimensions plus imposantes que le cliché de l'exposition Dada à Beaubourg. A propos de Man Ray et de sa toile Isadora Duncan nue figurant au catalogue de l'exposition Man Ray à la librairie Six en décembre 1921 (voir mon post du 7 décembre 2009), je lis aujourd'hui ceci : "[...] Isadora Duncan nue, datée de 1922, ne fut pas exposée et n'était peut-être qu'un vœu pieux de Tzara, l'auteur du catalogue." (1)

La réponse à mon avis de recherche était-elle dans le catalogue lui-même ? A vérifier tout de même...

Le catalogue Isadora Duncan propose la (quasi ?) totalité des documents et œuvres exposés.

(1) Merry Forresta, "Motif perpétuel. L'art de Man Ray" in Man Ray, Gallimard, 1989. Trad. de l'américain par P. Mikriamos.

Sacré Francis !

2009-12-13T22:59:00.005+01:00

Juliette Roche devant L’Œil cacodylate, évoquant Dada à New York à l'âge de 87 ans

Vous avez été très liée, évidemment, avec Marcel Duchamp, Picabia et Gabrielle Buffet. Je suppose que vous avez beaucoup d’anecdotes sur eux et sur cette période.

D’abord les persécutions de Picabia, qui me persécutait avec insistance. Il n’aimait pas du tout la guerre, moi non plus, mais seulement, moi, j’essayais de penser à autre chose, alors je lisais, je travaillais, je ne lisais jamais les journaux. Les jours où les nouvelles étaient particulièrement mauvaises, Francis était très déprimé. Comme nous habitions la même maison, la maison qui appartenait à madame Varèse (qui n’était pas encore madame Varèse à ce moment-là, d’ailleurs), il montait un étage et il venait me trouver avec une pile de journaux et il me lisait toutes les choses les plus déprimantes. Naturellement, je trouvais ça très désagréable. Et il redescendait ensuite, disant à sa femme : « J’ai déprimé Juliette, je vais beaucoup mieux. » C’était très amusant parce que le rez-de-chaussée habité par les Picabia était quelque chose d’invraisemblable ; il avait toujours une bande de gens autour de lui, des gens assez « épaves », parmi lesquels Cravan, et tout ça déferlait toute la nuit, même s’ils avaient été ailleurs [auparavant], jusqu’à deux ou trois heures du matin … ça durait jusqu’au petit jour. [...]

in Naissance de l'esprit dada (28/03/1971). Réalisateurs : Hubert Knapp et Philippe Collin.

Avis de recherche

2009-12-07T21:37:00.008+01:00

On était en décembre, le froid était vif, Picabia était enveloppé de tricots et d’écharpes de laine, mais ne portait pas de chapeau. Il me serra la main avec une courtoisie tout espagnole et ignora les autres. Sa présence donnait un certain cachet au vernissage. La galerie se remplissait ; je m’étonnais qu’il y eût tant de monde et j’étais plein d’espoir. Les prix des tableaux avaient été fixés au minimum. S’ils se vendaient bien, je pourrais débuter. J’avais fait une nouvelle série de toiles plus insolites que toutes celles que j’avais peintes auparavant. Une grande partie de la conversation m’échappait, mais on me serrait beaucoup la main et je compris qu’on me faisait des compliments. Un étrange petit homme, loquace, âgé d’une cinquantaine d’années, s’approcha de moi et me conduisit devant une de mes toiles. Avec sa petite barbe blanche, son pince-nez à l’ancienne mode, son chapeau melon, son manteau et son parapluie noirs, il ressemblait à un employé de pompes funèbres ou d’une banque conservatrice. Les préparatifs du vernissage m’avaient fatigué, la galerie n’était pas chauffée ; je frissonnai et dis, en anglais, que j’avais froid. Il répondit en anglais, prit mon bras et me conduisit dehors au café du coin, où il commanda des grogs. Là, il se présenta : Erik Satie, et continua à parler en français. Je lui dis que je ne comprenais pas. Il me jeta un regard malicieux, amusé, et dit que cela n’avait pas d’importance. (Man Ray, Autoportrait, trad. Anne Guérin, Actes Sud Babel, 1998, pp. 159-160).

C'est en scannant ce catalogue de la première exposition parisienne de Man Ray que j'ai découvert qu'une de ses œuvres (n° 25 du catalogue, datée de 1922) était intitulée Isadora Duncan nue. Après avoir passé en revue la plupart des livres et catalogues consacrés à Man Ray, je lance donc un avis de recherche. Si quelqu'un pouvait me renseigner sur cette œuvre (s'agit-il d'une toile, d'un dessin ?) et, au mieux, m'en fournir une copie, ce serait Noël avant l'heure. Deux livres imposants viennent de paraître : une biographie de Satie signée Jean-Pierre Armangaud

et la Correspondance avec les artistes (1903-1918) d'Apollinaire,

respectivement 600 et 944 pages, de quoi passer l'hiver en la meilleure compagnie qui soit.

À en perdre le boire et le manger

2009-10-29T22:36:00.010+01:00

En sortant du concert des Pixies, Julie me demandait récemment ce qui motivait mon travail autour de L’Œil cacodylate. Je lui ai répondu confusément qu’il s’agissait de me trouver une autre famille, d’espérer m’infiltrer, incognito, dans la photo d’un groupe que j’espérais faire mien. Une demande d’adoption, en quelque sorte. Ces deux dernières semaines ont été très chargées. Lecture de

Man Ray à Montparnasse (Hubert Lottman, Hachette Littératures, 2001), relecture d’extraits du Self Portrait (Actes Sud, coll. Babel, 1998, trad. de l’américain par Anne Guérin) et de Ce que je suis et autres textes (Hoëbeke, présentation de V. Lavoie, 1998). Notes autour des Mémoires de l’oubli de Philippe Soupault (Tome I, 1914-1923 et tome II, 1923-1926, Lachenal & Ritter, respectivement 1981 et 1986). Ai enfin trouvé le catalogue de vente Artcurial

« L’univers de Valentine Hugo » (collection Pierre Spivakoff,– 25 février 2006) et

Atelier Man Ray, Unconcerned but not indifferent (catalogue de l’exposition Man Ray à la Pinacothèque de Paris, 5 mars 2008 – 1er juin 2008, éd. Man Ray Trust et La Fabrica). Scans divers et variés. Le dernier en date : chapitre « Le Bœuf sur le toit » issu des Souvenirs retrouvés de Kiki de Montparnasse (José Corti, 2005). Le soir, c’est (presque) repos, avec la lecture de Raymond Radiguet 1903-2003 – Colloque du centenaire (textes et documents réunis et publiés par P. Caizergues et M.-C. Movilliat, Centre d’étude du XXe siècle, Université Paul-Valéry, Montpellier III, 2005).

En passant, je signale la réédition, chez Attila, de Paris insolite de Jean-Paul Clébert, illustré par les photographies de Patrice Molinard. Le texte de Jean-Paul Clébert, aux discrets accents céliniens, est une merveille de littérature.

«Je n'ai rien à vous dire»

2009-10-18T22:12:00.006+02:00

« De Picabia, j’avais connu d’abord, séparée de lui, la première femme : Gabrielle Buffet. Elle me parlait de son mari (inoubliable), de leurs amis (entre autres de Marcel Duchamp). Excellente musicienne, elle ne voulait rien ignorer de nos tentatives. Francis le séducteur, revenu d'Amérique en France, allait habiter à la Muette, boulevard Émile-Augier, chez Germaine Everling, compagne entre toutes riante et séduisante. Nous nous rencontrâmes à cette époque et il décida de recevoir, chaque dimanche, quelques familiers auxquels j'eus rapidement

Georges Auric par Valentine Hugo. Dessin au crayon, 1921.© collection H. Sauget.

l'heureux privilège d'être associé, déjeuners, longs après-midi où j'appris à aimer un hôte d'une drôlerie parfois insurpassable. Après avoir refusé d'aller au café Certa, je me rendis donc boulevard Émile-Augier. Alerté au bon moment, j'y trouvai Tzara, invité par Picabia à venir y séjourner dès son arrivée à Paris. Immédiatement, les deux hommes me parurent curieusement contraster par le caractère, la personnalité. Face à Picabia, à sa verve, à sa spontanéité, Tzara ressemblait soudain à un provincial quelque peu effarouché par le milieu parisien. Silencieux, effacé, presque terne, le messie de « Dada » tentait assez médiocrement de se libérer, articulant de temps en temps deux ou trois phrases qui n'étaient explosives que pour lui.»

Georges Auric, Quand j’étais là, Grasset, 1979, pp. 113-114.

De Massot in english for The Little Review

2009-10-11T22:13:00.008+02:00

QUESTIONNAIRE

1. What should you most like to do, to know, to be ? (In case you are not satisfied).

2. Why wouldn’t you change places with any other human being ?

3. What do you look foreward to ?

4. What do you fear most from the future ?

5. What has been the happiest moment of your life. The unhappiest ? (If you care to tell).

6. What do you consider your weakest characteristics ? Your strongest ? What do you like most about yourself ? Dislike most ?

7. What things do you really like ? Dislike ? (Nature, people, ideas, objects, etc. Answer in a phrase or a page, as you will).

8. What is your attitude toward art today ?

9. What is your world view ? (Are you a reasonable being in a reasonable scheme ?)

10. Why do you go on living ?

* * *

1. Nothing to answer to this, not that my own life satisfies me, but rather that the lives of others disgust me.

2. I don't care enough about anything not to change places with the first person who came along.

3. Perpetual revolution in every realm.

4. Night, in certain eyes ?

5. Don't know. – When I discovered that my sweetheart had true lesbian tastes, although they were ardently desired and provoked by myself. (Cf. Freud.)

6. A certain imbecilic inclination towards indulgence. – My capacity for scorn.

7. a) Solitude, drugs, my bull-dog, fourteen year old girls. b) Soldiers, priests, the police, children and their whores of mothers, religions, dogmas and faiths, the abominable idea of fatherland.

8. Absolute indifference. (I'd give a hundred painters, a hundred musicians, a hundred poets, for one Lenine).

9. Eh bien, merde.

10. For love of death.

in The Little Review, Spring number, May 1929. Vol. XII, n° 2, pp. 45-46.

Une pure anecdote, par Philippe Soupault

2009-10-10T01:06:00.017+02:00

Couverture du catalogue de l'exposition Picabia, galerie Danthon (1923)

Au chapitre "maltraitons nos idoles", je ne résiste pas à l'envie de reproduire ici une annotation de Philippe Soupault, trouvée dans un catalogue de vente et écrite en marge de son exemplaire de L'aventure dada (Georges Hugnet, Galerie de l'Institut, Paris, 1957), à la suite de la phrase "La nature chaleureuse de Picabia" :

"Picabia était envieux, méfiant, mauvais copain, vaniteux, et surtout affreusement peureux. Guillaume Apollinaire considérait Picabia comme un caméléon. Les deux méfiants se considéraient comme des chiens de faïence."

Il ne s'agit pas, ici, de prendre pour argent comptant cette déclaration de Philippe Soupault mais de la considérer comme une simple indication (comme dirait Thomas Bernhard) à verser au copieux dossier de l'histoire "alternative" du mouvement dada.

Piste aux étoiles

2009-10-01T23:43:00.014+02:00

De tous les signataires de L’Œil cacodylate, ils furent les plus populaires. Le grand public les a adorés, les peintres (Fernand Léger, Miró – qui leur consacre deux toiles en 1927), les poètes, les écrivains n’ont eu de cesse de faire leur éloge. Darius Milhaud

Darius Milhaud et les Fratellini à l'époque de la création du Bœuf sur le toit © Archives Darius Milhaud

composa une version pour piano et petit orchestre, issue de son Bœuf sur le toit, intitulée Tango des Fratellini (Op. 58c). Milhaud témoignera plus tard : « Après le dîner, attirés par les manèges à vapeur, les boutiques mystérieuses, la Fille de mars, les tirs, les loteries, les ménageries, le vacarme des orgues mécaniques à rouleaux perforés qui semblaient moudre implacablement et simultanément tous les flonflons de music-hall et de revues, nous allions à la Foire de Montmartre, et quelquefois au cirque Médrano pour assister aux sketches des Fratellini qui dénotaient tant d’imagination et de poésie qu’ils étaient dignes de la commedia dell’arte. » (1) La publicité s’empara de leur succès (on les voit poser devant une Amilcar, la marque de voiture préférée de Fatty), on fabriqua d’innombrables jouets à leur effigie, sans parler des broches, des peignes, des verres et jusqu’au papier peint destiné aux chambres des enfants. Dès 1923, un certain Pierre Mariel leur consacre un livre : Les Fratellini. Histoire de trois clowns. (2) Paul Poiret dessina un costume pour François, Rita Hayworth, Fred Astaire, Douglas Fairbanks (parmi quelques centaines d’autres admirateurs, et non des moindres) signèrent leur livre d’or. Le 29 juin 1924, les Fratellini (Paul, 1877 - 1940 ; François, 1879 - 1951 et Albert, 1886 - 1961) donnèrent leur dernière représentation à Médrano. Quelques jours plus tard, sous la plume du très lyrique Gustave Fréjaville, on pouvait lire dans Comœdia : « Ils ont été applaudis avec enthousiasme, rappelés, acclamés. Des gerbes de fleurs ont envahi la piste. Et comme nous allions leur serrer la main après la représentation, dans cette loge pittoresque cent fois décrite, nous avons assisté à un spectacle émouvant que ne déparait aucun médiocre romantisme : tandis que Paul essayait de dissimuler son émotion sous une activité empressée et prodiguait à ses amis des paroles aimables, tandis que l’énigmatique Albert, toujours impénétrable, s’évertuait silencieusement, avec une application affectée, à détruire sur son visage son prodigieux masque de piste, François, lui, ne songeait pas à feindre et tout simplement, à grosses larmes, à gros sanglots, éperdu de reconnaissance et de regret, pleurait comme un enfant. » (3) De Médrano au Cirque d’Hiver en passant par de nombreuses tournées en province et à l’étranger, leur succès durera trente ans. En 1955, Albert publie les mémoires du trio sous le titre

Nous, les Fratellini, dans lequel il n’omet pas de signaler L’Œil cacodylate (pp. 228-229) :

(1) Darius Milhaud, Ma vie heureuse, Belfond, 1974, p. 84. (2) Paris, Société Anonyme d’Editions.

(3) Comœdia, 3 juillet 1924.

(Le titre du précédent post reprenait celui du livre de Paul Joostens mais il semble que les administrateurs ont jugé bon de le considérer comme un outrage aux bonnes moeurs ...Gommer pour mieux souligner ?)

2009-09-21T01:44:00.008+02:00

« achevé le jour de Ste Salope l’an 22 », publié à Anvers en 1922 par les éditions Ça Ira, Salopes (Le quart d’heure de rage ou [le] soleil sans chapeau), écrit en 1921 par Paul Joostens (1889-1960) est à nouveau disponible grâce aux éditions Allia. (1) Ce court texte dada est suivi de Le mec éclairé. On peut regretter, à l’occasion de cette réédition, l’étique notice que propose Allia, qui avait là l’opportunité d’éclairer le lecteur sur cet auteur belge dont la prose des plus rares s’apparente ici à celle Pansaers. Pour plus d’informations sur P. Joostens, voir : « Paul Joostens » de Paul Neuhuys (1961) édité par Elsevier, pour le Ministère de l'instruction publique (Bruxelles) ainsi que la « monographie avortée » d’Alain Germoz parue dans le bulletin n° 36 de la Fondation Ça Ira (décembre 2008). (1) Salopes fit déjà l’objet d’une réédition en fac-similé en 1995 (500 exemplaires) par Petraco-Pandora (Anvers). Seule la couverture originale (argent pailleté) n’a pas été reproduite à l’identique.

« Tabu » by Jean Crotti

2009-09-16T23:12:00.007+02:00

Trouver des documents dont on ignorait l'existence et qui intéressent au premier chef ses recherches est une récompense qu'on savoure longuement. Parmi les derniers documents découverts récemment (la bibliothèque Kandinsky est une mine), ce texte de Jean Crotti paru dans The Little Review (Picabia number, Vol. VIII, n° 2, Spring 1922, pp.44-45) :

Toujours au chapitre "Jean Crotti", ai prévu de consulter une partie des archives de Suzanne Duchamp, dont un dossier qui renferme bon nombre de documents encore inédits. A suivre donc...

La cinquième saison du monde

2009-09-08T00:11:00.013+02:00

Je viens de terminer la lecture de La cinquième saison du monde de Tristan Ranx, un roman qui devrait je l’espère rencontrer ses lecteurs puisqu’il est à mon sens une authentique réussite littéraire.

Le roman de Tristan Ranx introduit tour à tour une fiction dans l’Histoire et un pan de celle-ci dans une fiction des plus efficaces, au point que quelques pages de lecture suffisent pour faire vaciller les repères habituels et normés du lecteur. La maîtrise narrative est telle que certains faits historiques apparaissent comme des éléments fictionnels et, inversement, des situations purement romanesques parviennent à prendre la couleur patinée de l’Histoire.

Tract de F. Azari, aviateur futuriste, avril 1919

Marthe Chenal et Gabriel D'Annunzio (Picabia, aquarelle et crayon, circa 1929). ©

Contrairement à ce qui a pu être reproché à l’auteur, La cinquième saison du monde n’est en aucune façon alourdie par des « références historiques et littéraires» car celles-ci sont parfaitement intégrées et maîtrisées grâce à une structure narrative très travaillée – et qui pourtant n’apparaît pas comme telle, signe évident d’une réussite, à l’image de la « Postface » intitulée « La vie et la mort de Guido Keller » qui par ailleurs présente de discrets accents borgésiens. On pense notamment aux recensions littéraires de l’auteur de Fictions. En écrivant un roman en grande partie sur l’Etat libre de Fiume, Tristan Ranx – qui convoque à la fois des hommes qui font partie intégrante de l’Histoire comme D’Annunzio et Guido Keller et des personnages qui se situent à mi-chemin entre fiction et réalité, comme Colossus et Imna Oly (femme fatale du roman ?) – met en scène une TAZ animée par des résistants, des pirates, des libertaires, des poètes et des artistes de la vie.

« Le monde de Keller, cette cinquième saison, est une force en attente et le manuscrit d’Enzo Cellini nous apparaît déjà comme la pierre de Rosette d’une réalité qui se construit aussi dans le monde virtuel. Il ne s’agit pas d’un « deuxième monde » déprimant, mais d’une véritable machine agissant de concert dans la fiction et dans la réalité, renvoyant de point en point à l’existence d’une révolution dadaïste qui se joue de l’Espace et du Temps. »

La cinquième saison du monde, Tristan Ranx, éditions Max Millo.

"Dada ?" par Renée Dunan

2009-08-25T22:28:00.006+02:00

Livrenblog et L'Alamblog ont évoqué et reproduit plusieurs documents de et sur Renée Dunan, auteur dont l'identité reste encore floue et dont les contributions à des périodiques sont devenues rares. Après "Assassinons l'intelligence et l'esthétique si nous voulons comprendre la beauté" (La Vie Nouvelle, N° 1, Décembre 1920, pp. 17-20), on retrouve Renée Dunan historien(ne) de Dada dans la revue anversoise Ça Ira !, avec un article sobrement intitulé "DADA ?",

que voici :

DADA ? C'est aujourd'hui une nouvelle passion guerrière, On bataille contre Dada. Comme Dada ne fait de mal à personne, il faut bien juger que seule une bêtise par trop babétique pousse quelques olibrius à hurler contre Dada de terrifiantes menaces de mort. Dada mérite-t-il cette haine féroce et ces appels à l'égorgement ? Verrons-nous une Saint-Barthélemy de dadaïstes ? Ce sont là questions graves, car Dada est beaucoup plus qu'un jeu et une ahurissante fantaisie ; Dada est le " Phénomène futur " … et tuer Dada serait sacrifier la beauté des temps à venir. Il faut le dire d'abord : les extravagances, les excès et les rigolades ; les fumisteries les plus carabinées et la plus patente mystification ne prouvent rien contre l'idée mère d'une conception d'esthétique. Au temps de la bataille d'Hernani, au temps des Fleurs du Mal et de Sagesse, Hugo, Baudelaire et Verlaine ont subi très exactement les mêmes injures que Dada et faisaient, au demeurant, tout le nécessaire pour les justifier. Les fantaisistes "réalisations" de Théophile Gautier étaient même beaucoup plus attentatoires à "l'ordre" que celles de M. Tristan Tzara. Il faut donc admettre que seule vaut l'œuvre et qu'il ne faut point juger autre chose que l'œuvre. L'auteur peut être ce qu'il voudra : fou, bicéphale, notaire, tétrapode, bolcheviste, ramoneur, ou paralytique, onorique ou paranorique [1], I'œuvre est susceptible de donner le branle à votre ménagerie mentale ; si votre sensibilité s'en émeut, si I'œuvre se prolonge et se répercute en vous, l'auteur a du génie. Toute autre conception est absurde. Les principes de l'Armée qui allouent le talent à la seule passementerie ne sont heureusement point valables en art. Qu'est Dada ? C'est un groupe qui cherche une formule d'art neuf hors les voies connues. En quels chemins ? Ici, l'étude de Dada est plus abstraite. Voici : Un certain nombre de philosophes, issus de l'école française de Nancy, mais principalement Suisses, se sont aperçus que l'on pouvait concevoir un principe d'intellection autre que l'association logique, L'association mentale libre se fait hors des lois causales. Son incohérence n'est pourtant que le masque d'une loi inconnue ? Qu'elle est la loi ? Ici, les psychologues ne sont pas d'accord, Il y a l'école de Freud, qui voit la sexualité : la base de toute l'activité consciente ; il y a ceux qui ont atténué Freud et expliquent par le lien effectif l'apparente absurdité de l'association intellectuelle libre. Il en est d'autres. On cherche toujours. Le problème ainsi posé mène fort loin. Il entraîne à tenter la mesure de l'inconscient et de son action sur le conscient. Il est possible, il est probable que des découvertes sensationnelles surgiront de ces explorations psychologiques. Il n'est pas impossible d'imaginer qu'un jour nous puissions prendre contact avec notre inconscient et modifier ainsi tout l'aspect physique et mental du monde. Qui sait si nous ne voyons pas (inconsciemment) à travers les choses opaques ? Qui sait si des réalités étonnantes ne viendront pas, amenées à la perception consciente, transformer tout l'intellect humain ? On voit donc quelle immense gravité pose le problème des recherches hors la causalité logique. Rien ne prouve que l'ordre introduit par notre esprit dans le chaos des perceptions - ordre que nous estimons naïvement être la réalité elle-même - ne sera point bientôt aussi périmé que les rêveries de panthéisme anthropoïque léguées par les temps homériques. A une psychologie nouvelle correspondra une esthétique renouvelée. Le groupe Dada cherche dans l'extravagance la loi mystérieuse du devenir esthétique prochain. Il est terriblement difficile de se dégager de la raison. Aussi les dadaïstes heurtent-ils surtout l'entendement par une paralogie qui n'est, malgré leurs efforts, qu'une logique encore. Cette lutte contre les lois millénaires de l'esprit humain, quelque soit son aspect et ses cabrioles affolées, mérite un respect attentif et soigneux. Il ne s'agit pas de savoir si tel ou tel dadaïsant se livre à de catastrophiques sottises; il ne s'agit que de voir ici un phénomène global, qui comprend des délirants et des inspirés. des gens de génie et des mabouls, mais conglomérés de telle façon qu'il est plus compréhensif de leur supposer à tous du génie, que de les mépriser. Mépriser Dada, qui représente l'ordre futur, c'est se classer soi-même dans le désordre du présent. Reconnaissons qu'en politique, par exemple - et tout se tient - le désordre est assez visible pour donner de la prudence au gens du "vieil ordre". Dada n'est pas une mystification : c'est tout le mystère humain. RENÉE DUNAN.

In Ça Ira !, « Dada, sa naissance, sa vie, sa mort », n° 16, novembre 1921, pages 116-117.

Le nom de Renée Dunan apparaît à nouveau dans Ça Ira !, n° 18, mai 1922, avec un poème intitulé "Convexités" (p. 145) et dans le n° 19, juillet 1922, avec un long articule intitulé "De l'Incompréhensibilité dans les Arts" (pp.180-184).

[1] Sic. Peut-être convient-il de lire "onirique" et paraonirique" ?

Isadora Duncan par Paul Poiret

2009-08-25T18:29:00.003+02:00

Un jour qu’elle était venue me demander d’assister à un de ses concerts, elle me trouva très affecté par la perte que je venais de faire de mon meilleur collaborateur, qui était aussi un ami (…), M. Rousseau. Je lui dis que j’étais trop triste pour sortir. Elle insista pour que je vinsse, me donna la grande loge au milieu de la salle pour que je pusse assister au spectacle avec les mais qui avaient connu mon fidèle Rousseau et me dit : « Quand ce sera fini, ne vous en allez pas. Restez dans la salle et je danserai pour lui. » Après les ovations d’usage (elle était acclamée trente fois, car le public électrisé ne parvenait pas à s’arracher au charme d’une idole avec laquelle il venait de communier si étroitement), elle entretenait la flamme de l’enthousiasme en paraissant tantôt avec un bouquet de marguerites, tantôt avec une seule rose, tantôt avec un baiser plein d’expression. Enfin la foule s’écoula. Je restai seul avec mes amis dans le grand amphithéâtre du Trocadéro, où on avait éteint les feux les plus aveuglants. Elle avait demandé au maître Diémer, qui était là, de s’asseoir au grand orgue et d’y jouer, comme il savait le faire, la marche funèbre de Chopin. Mon cœur se gonfle et s’oppresse quand j’évoque ce que j’ai vu ce soir-là. Quelqu’un a dû décrire quelque part Isadora dansant, et expliquer le miracle. Elle sortit de terre comme en naissant, se livra à une mimique échevelée, humaine, pathétique et déchirante, et retomba au néant avec une majesté et une douceur que je ne peux exprimer. Je courus tout en larmes dans ses bras pour lui dire la joie profonde qu’elle m’avait donnée et combien j’étais fier d’avoir offert une messe si solennelle à la mémoire de mon ami. Elle me dit simplement : « C’est la première fois que je danse cette marche funèbre. Je n’avais jamais osé le faire. Je craignais que cela me portât malheur. » Moins de quinze jours après, elle perdait ses deux enfants dans un accident plein d’horreur.

Paul Poiret, En habillant l’époque, Grasset, 1930, pp.189-191.

"Au petit de Massot qui deviendra grand si ..."

2009-08-12T00:14:00.003+02:00

La vente publique de documents dadas et surréalistes (Duchamp, Bellmer, Man Ray, Breton, Kaplan, Soupault) du 22 juin 1999 à Drouot proposait à la vente un « manuscrit autographe » daté d’octobre 1922 et attribué à Jean Crotti :

Après examen, il apparaît qu’au moins une des deux pages, celle reproduite dans le catalogue, n’est pas de la main de Jean Crotti mais bien de Pierre de Massot. De nombreux éléments du document viennent étayer cette petite découverte : l’écriture, après comparaison avec celle de Crotti et d’autres manuscrits de la main de Massot, les annotations [« Gosses et Gousses (titre d’article) / C’est l’hymen à Célimène… »], dont la "légèreté" se retrouve notamment dans les manuscrits de P. de Massot proposés lors de la grande vente André Breton, enfin, un dessin

qu’on peut aisément attribuer à de Massot de par ses évidentes similitudes avec celui qu’il fit à la même époque, le 8 juin 1922, pour accompagner l’envoi de son livre Essai de Critique Théâtrale « à [son] ami André Dodu ».

Ce sont manifestement les lignes « Tabu Tabu Tabu … » qui sont à l’origine de l’attribution de ce document à Jean Crotti, alors proche de Pierre de Massot.

Ecriture de Jean Crotti sur une photographie envoyée à P. de Massot circa 1921-1922

Reste à trouver une copie de la seconde feuille du document…

Radiguet anti-Dada

2009-08-10T00:02:00.004+02:00

Ecrit en mai 1920, mois où paraissent les « vingt-trois manifestes du mouvement Dada » dans le treizième numéro de Littérature (1ère série), « Dada ou le cabaret du néant » a pour auteur le jeune Raymond Radiguet, qui envoie son article à André Breton et à Jacques Doucet. « Dada ou le cabaret du néant » resta inédit jusqu’en 1956, année où il paraît alors pour la première fois dans la revue Pensée Française (n°1, 15 novembre). Il fut republié en 1993 par Chloé Radiguet et Julien Cendres dans leur édition des œuvres complètes de Radiguet (Stock, pp. 405-406). En évoquant « la pire bohème, celle des Incohérents » et en assimilant Dada au Cabaret du Néant (un établissement qui se situait au 34, boulevard de Clichy et dont les tables, entre autres raffinements, étaient constituées de cercueils), Radiguet exprime clairement, par son rejet de Dada et ses réserves quant à la valeur littéraire de Jacques Vaché dont le « suicide à l’opium» lui paraît « en dire long », une pensée qui ne laisse pas de surprendre, révélant un aspect jusque là méconnu de sa personnalité, bien éloigné de l’aura de scandale dont on le pare encore.

Dada ou le cabaret du néant

"Je déteste la bohème, les farces me sont pénibles, et, pour ces deux raisons, le récit de la vie d'Alfred Jarry ne me transporterait pas d'aise. En ressuscitant la mystification, Dada se rapproche de la pire bohème, celle des Incohérents. Dada est un cul-de-sac auquel mène le chemin Oscar Wilde-André Gide (la besogne démoralisatrice de Wilde et, beaucoup plus près, le Lafcadio d'André Gide). Les Dadaïstes chérissent secrètement le paradoxe. En société ils appellent cela : « le droit de se contredire ». Si les Arts n'étaient pas forcément inoffensifs, de tous les dangers publics l'œuvre de Francis Picabia serait le pire. « Il a le diable au corps », cette locution s'applique admirablement à Picabia, qui, né destructeur, imagina de ridiculiser l'art en faisant de pseudo œuvres d'art. Dada est une étiquette. Que contient le flacon ? Une boisson inoffensive que les Dadaïstes essaient de nous faire prendre pour un poison mortel. Chez certains êtres faibles cette illusion suffit à procurer l'ivresse. Jacques Vaché est un jeune homme mort en 1918. Les Dadaïstes le considèrent comme un précurseur. L'opium choisi par lui comme mode de suicide en dit assez long sur ses goûts littéraires. Autour des hommes qui ont en eux une vérité nouvelle, se forment les écoles. Mais Mallarmé n'est pas mallarméen. Et le plus «dada» de tous n'est pas Tristan Tzara. Je sais combien est odieux le jeu des comparaisons. Cependant, devant les excès des Dadaïstes, peut-on s'empêcher de penser au gilet rouge du romantisme ? Hugo, Vigny, Musset, Lamartine, ne sont pas les vrais romantiques. Les vrais, les purs, ce sont tous ceux dont on a oublié le nom. Répondant à un article de Madame Rachilde, paru dans Comœdia, André Breton compare le Dadaïsme au Symbolisme qui eut, lui aussi, à subir bien des attaques. Mais des poètes que les Symbolistes vénéraient comme des maîtres furent justement ceux qui désapprouvèrent le Symbolisme : Mallarmé, Verlaine. N'est-il pas curieux de voir Dada, qui renie le passé, et se flatte de n'être pas une école, se comparer lui-même au Symbolisme, une des rares écoles dont la France n'ait pas à s'enorgueillir (peut-être parce que de nombreux Symbolistes sont d'origine étrangère).Mais, au fait, André Breton n'a-t-il pas raison, puisque dans quelques années les disciples de Tristan Tzara seront aussi démodés que la jeunesse sur qui le grand écrivain Maurice Barrès eut une si déplorable influence."

"Moi, Pierre de Massot..."

2009-08-07T01:21:00.003+02:00

Il aima les jambes de Mistinguett et le dos de Parisys, il échangea de nombreuses lettres avec André Gide, il fréquenta Erik Satie, aussi pauvre que lui, il admira Max Jacob et conçut une véritable passion amoureuse pour le comédien Edouard de Max, il fuma le « bénarès » en compagnie de Jacques Rigaut et Mireille Havet, il eut un bull-dog (Billy, philosophe à ses heures), il fut dadaïste, communiste et bi-sexuel, il fut proche de Francis Picabia et Marcel Duchamp, il publia des poèmes, édités à quelques exemplaires pour ses amis, il découvrit 391 en lisant un article dans Comœdia, il se fit photographier par Berenice Abbott et Man Ray, il aima le music-hall, Mallarmé et Blaise Cendrars, il fut souvent déprimé, il aima la fête et les excès, il fréquenta la rue Emile-Augier et le Bœuf sur le Toit, il aima Robbie et les « gousses », il connut Hania Routchine et Isadora Duncan, Clément Pansaers et toute la bande des dadas parisiens. En novembre 1921, il regretta avec amertume la fin de Dada qu’il évoqua comme un lointain passé. A 22 ans, poussé par Picabia, il fut le premier à proposer, en historiographe et témoin privilégié, un panorama du monde artistique et littéraire français des premières années du vingtième siècle. Souvent cité dans les études consacrées à Dada et ses alentours, jamais réédité depuis 1922, il est grand temps de redécouvrir De Mallarmé à 391. Après l’avoir scanné, relu, corrigé, décoquillé, après avoir vérifié la quasi totalité des sources citées par de Massot, je m’attelle à ce qui devrait ressembler à un appareil critique et à une « esquisse d’un portrait à venir » de Pierre de Massot. Quelques documents rares ou inédits seront proposés. « L’influence incontestable de l’américanisme, n’est-ce pas Man Ray, sur la littérature, sur la peinture, sur la musique s’est étendue à nos mœurs et la sécheresse de cœur est un des traits les plus remarquables de la génération qui vient. »

P. de Massot, avant-propos à Essai de Critique Théâtrale, mai 1922.

Marthe et Francis

2009-07-10T00:05:00.012+02:00

Trois photos prises le six juin dernier, à l'exposition publique de la vente Marthe Chenal, en compagnie de Jean-Luc Bitton. Bien que fort riche (Marthe à Deauville, Marthe descendant de ses belles voitures, Marthe aux terrasses des cafés en compagnie de ses riches amis, etc.), l'album photographique, issu des archives de la cantatrice et vendu conjointement avec un album de collages de Picabia, ne comportait aucun cliché présentant Marthe en compagnie de Francis. Il faut feuilleter l'album Picabia réalisé par Olga Mohler (Edizioni Notizie, Turin, 1975) pour trouver ceci :

Marthe Chenal et Francis Picabia, circa 1920

Par ailleurs, la photo de L'Œil cacodylate prise par Man Ray permet de voir ce collage, à présent disparu :

Marthe Chenal

Journée infructueuse : j'ai manqué de peu la correspondance entre Gide et Pierre de Massot (CORRESPONDANCE 1923-1950, édition établie, présentée et annotée par Jacques Cotnam, Nantes, Centre d'études gidiennes, 2001). Déception vite dissipée en retrouvant Paul Franklin qui m'a parlé du prochain numéro d'Etant donné Marcel Duchamp

et de ses recherches et trouvailles dans les fonds de plusieurs universités américaines.

"Par sa constante mutabilité, Dada a pu être envisagé depuis des angles opposés." Guillermo de Torre

2009-05-27T22:59:00.008+02:00

Publié en 1925 – l'année où paraît également

La déshumanisation de l'art de José Ortega y Gasset – sous le titre Literaturas europeas de vanguardia (Madrid, Caro Raggio ed.), l'ouvrage majeur de Guillermo de Torre (1900-1971) n'a jamais, nous dit Eddie Breuil, fait l'objet d'une traduction intégrale en français. Intitulé

Ultra-Dada entre deux avant-gardes, Eddie Breuil vient cependant de faire paraître un chapitre de cette indispensable référence : « Le mouvement Dada » suivi notamment de « Manifestes ultraïstes ». Le contenu est d'autant plus alléchant qu'il a valeur de document et entre de ce fait dans l'histoire critique du mouvement :

« À [cette guerre interne] fait écho l'ouvrage de Pierre de Massot, De Mallarmé à 391, inspiré avec malveillance par Francis Picabia, qui tend à fausser, dans le chapitre consacré au Dadaïsme, la vraie histoire de ce mouvement, en établissant les bases d'une mystification qui n'a pas abouti, et contre laquelle, par tous les moyens, nous devons protester. Selon Massot, les véritables pères du Dadaïsme sont Picabia et Duchamp qui ont démarré cette tendance à New York en 1914, indépendamment de Tzara, qui lui a donné son nom, et qu'ils ont rencontré à Zurich en 1918 ».

Eddie Breuil précise à la suite de cette note de Guillermo de Torre : « Duchamp n'a pas connu Tzara à Zurich, mais à Paris ». (1) Si la « malveillance » de Picabia prêtée par Guillermo de Torre reste à relativiser (en 1925, les partis-pris des clans et des réseaux étaient encore actifs, on le voit), l'engagement de Pierre de Masssot auprès de Picabia et de Duchamp s'apparentait en effet à ce qu'on pourrait appeler un militantisme amical : « À New York, en 1914, durant de longues solitudes, puis dans le salon de Picabia où venaient chaque nuit de nouveaux inconnus qui ne se présentaient pas au maître de maison (Marconi n'y passa-t-il pas une veillée sans que le peintre s'en doutât ?), bercés par les harmonies mélancoliques d'un gramophone et parce qu'un état de neurasthénie aigüe les prédisposait à ce dégoût, souvent raisonnable, Francis Picabia et Marcel Duchamp inventèrent le dadaïsme. » Dans le même article (2), écrit « à la lueur de nos cigarettes tonkinoises », c'est avec un souvenir attristé (novembre 1921 !) que De Massot évoque Dada (jadis et naguère se disputant la primauté de son anamnèse, pourrait-on dire en le pastichant rapidement), en concluant sur une note dont la mélancolie devait certainement quelque chose aux volutes opiacées qu'il partageait parfois avec Mireille Havet (3) : « Elle est finie, l'histoire promise, mes bons amis, et le souvenir de Dada se confond, dans le crépuscule, avec la cendre de nos cigarettes parfumées. »

1) Guillermo de Torre, Ultra-Dada entre deux avant-gardes, édition établie par Eddie Breuil, Les Presses du Réel, 2009, p. 75.

2) Pierre de Massot, « Dada », article paru dans le numéro 16 (novembre 1921) de la revue Ça Ira !, pp. 106-107.

(3) Lire l'indispensable biographie Mireille Havet. L'enfant terrible d'Emmanuelle Retaillaud-Bajac (Grasset, 2008) et le journal de Mireille Havet en cours de publication chez Claire Paulhan (3 tomes parus à ce jour).

« Ils ont tous signé humblement, simplement avec de l'encre noire. » (Serge Charchoune)

2009-05-17T18:24:00.011+02:00

Jean-Marie Drot : Et, très vite, sur ce Montparnasse de l'après-guerre, va éclater la bombe dada, avec l'arrivée de Tristan Tzara, n'est-ce pas Serge Charchoune ? Quel effet cela vous fit-il, à vous qui étiez d'origine russe, et par là habitué aux révolutions ?

Serge Charchoune : Oui, mais la bombe éclate avant l'arrivée de Tristan Tzara à Paris ! En trois ou quatre endroits : à Zurich, en Allemagne, à New York et à Barcelone. Nous nous réunissions le dimanche chez Picabia. Puis à Montparnasse. Puis, enfin, au café Certà sur les Grands Boulevards. Mon premier contact avec les dadaïstes, c'était à Barcelone. J'étais à Barcelone à la fin de l'automne 1914. J'y ai fait deux expositions. Il y avait là Maximilien Gauthier qui aujourd'hui est un critique d'art hostile à toute modernité et plutôt pour la défense des peintres naïfs ; mais, à l'époque, il était encore un poète d'avant-garde qui assurait le secrétariat de la revue que Picabia avait fondée à Barcelone, 391. Quand le contact s'est établi avec moi, Picabia n'était plus là. Mais c'était lui qui avait tout organisé, tout dirigé. Moi, je n'ai pas connu Picabia à Barcelone. Les premiers numéros de 391, Picabia les avait réalisés avec les moyens du bord. Pas grand-chose, beaucoup de poèmes, quelques reproductions de dessins et d'aquarelles de Marie Laurencin. Picabia, je l'ai connu beaucoup plus tard, à Paris, plusieurs années après. C'est Picabia qui a fait venir Tzara à Paris. Picabia était riche et réunissait autour de lui tous ceux qu'il jugeait utiles à sa cause.

[...]

Jean-Marie Drot : Charchoune, dans quelles circonstances avez-vous rencontré Picabia ?

Serge Charchoune : La guerre était finie, et pour gagner ma vie, j'étais devenu marchand ambulant de livres pour l'émigration russe qui débarquait à Paris. C'est pour cela que je fréquentais

la librairie Povolosky. Un beau jour, j'étais là pour mes affaires, et je vois arriver Picabia. Quelques semaines auparavant, j'avais assisté à la manifestation dadaïste de la salle Gaveau

et j'en avait été bouleversé. Dans cette librairie, j'ai appris que Picabia allait faire une intervention. Je lui ai demandé : « Me permettez-vous d'y assister ? » Picabia m'a dit « Oui, mais qui êtes-vous ? » « Serge Charchoune, peintre. » « Ah oui ? Mais vous savez qu'il y a quelque chose de vous dans le prochain numéro de notre revue ? » Ainsi ont commencé mes relations avec Picabia. Souvent, il m'invitait chez lui le dimanche. Je pourrais aussi vous raconter l'histoire du fameux tableau L'Œil cacodylate. Un beau dimanche, j'arrive chez Picabia, et au mur il y avait une toile presque vide avec un œil. Picabia nous a demandé aux uns et aux autres notre signature. Il m'a dit : « Vous, Charchoune, signez ! » Ils ont tous signé humblement, simplement avec de l'encre noire. Moi, j'ai pris un gros pinceau. J'ai demandé à Michel, le fils de Picabia – il devait avoir alos 14-15 ans – de m'aider à écrire correctement en français. J'ai bouleversé l'ordre prévu par Picabia : en gros caractères, j'ai écrit en français : « Soleil russe ». Puis de nouveau, horizontalement cette fois, en français. Puis, en dessous de mon nom, j'ai dessiné mon profil. Picabia m'a dit : « Vous prenez trop de place, je vais avoir des ennuis avec les autres. » Il était un peu bizarre d'entendre cette réflexion dans la bouche d'un snob anarchiste !

In Les heures chaudes de Montparnasse, Jean-Marie Drot et Dominique Polad-Hardouin, Hazan, 1999, pp. 113-14 et 116-117.

* * *

Serge Charchoune a-t-il réellement dessiné son profil sur L'Œil cacodylate, comme il l'affirme devant Jean-Marie Drot (ce qui signifierait que Picabia ait pris la peine d'effacer son intervention par la suite afin de laisser plus de place aux futurs signataires) ou bien s'agit-il d'une reconstitution de sa mémoire ?

"Ecrire quelque chose, c'est bien !! Se taire, c'est mieux !!" (Marthe Chenal)

2009-05-05T22:58:00.003+02:00

Alde met en vente le fonds des archives de la chanteuse Marthe Chenal, proche de Picabia Alde, maison de ventes spécialisée Livres & Autographes organise la Vente des archives de la cantatrice Marthe Chenal (1881-1947), le 8 juin 2009, Salle Rossini (Paris 9ème), à 14h30. Exposition préliminaire, le 6 juin (11h-18h) et le 8 juin (11h-12h). Le fonds mis en vente comprend plusieurs oeuvres phares et personnelles du dadaïste Picabia, proche de la cantatrice.

La Marseillaise: Paris, 1918 Marthe Chenal (1881-1947) de son vrai nom Louise-Anthelmine Chenal, fut l'une des plus grandes cantatrices de la première moitié du XXe siècle. Elle est une interprète, applaudie dès 1905, à l’Opéra, dans Don Giovanni, Le Vaisseau fantôme, Faust, Carmen. Elle entre dans la légende au moment de la première guerre mondiale, avec ses interprétations de la Marseillaise,dont l’apothéose fut son chant, drapée de la bannière tricolore le 11 novembre 1918 depuis le balcon de l’Opéra Garnier, devant une foule immense, en présence de Georges Clemenceau. Alde, maison de vente spécialisée en livres et autographes, présente à la vente le 8 juin 2009 le fonds d’archives personnel de l’artiste, composé de photographies originales et de multiples partitions dédicacées, témoignant de son intense activité, et d’un album Dada souvenir de sa liaison avec le plasticien, fondateur de l'abstraction française, Francis Picabia. Figure populaire, Marthe Chenal n’en est pas moins une égérie du Tout-Paris, et de l’avant-garde intellectuelle et artistique. Ainsi, elle défraie la chronique en entretenant de nombreuses liaisons, dont une importante avec Francis Picabia (1879-1953), qui nourrit même un projet de spectacle Les yeux chauds avec elle et Stravinsky.

Réveillon cacodylate À cette époque, Picabia confirmait sa rupture avec le mouvement Dada, rupture effective le 11 mai 1921, comme l'explicite son article paru dans le journal Comoedia. Cette période est caractérisée par une intense activité de l’artiste qui reste le meilleur dépositaire de l’esprit Dada. Fin 1921, Marthe Chenal charge Francis Picabia d’organiser la soirée du réveillon dans son hôtel particulier de la rue de Courcelles. À cette occasion, Picabia fait imprimer des cartons d’invitations pour cette soirée qui rassemble artistes et écrivains dont Picasso, Brancusi, Vollard, Cocteau, Radiguet, Auric, Morand ainsi que des figures mondaines. Ce « Réveillon Cacodylate », comme l’indique le carton d’invitation imaginé par Picabia, est l’occasion d’enrichir de signatures nouvelles L’Œil cacodylate, oeuvre qui fit scandale au Salon d’Automne car composée uniquement de signatures. Pied-de-nez de Picabia à tous ceux qui considèrent que la signature fait la valeur d’une toile. Duchamp réalise le même acte artistique et provocateur lorsqu’il choisit de signer un ready-made. Duchamp et Picabia constituent donc les deux facettes de l’esprit Dada et sont ainsi à l’origine de la révolution artistique du XXe siècle.

Photos, portrait dessiné & collages dada... Un album photographique exceptionnel, présentant des clichés de cette soirée et des séjours du couple dans la villa de Marthe Chenal à Villers-sur-Mer (dont certains sont déjà mondialement connus pour avoir figuré dans les expositions Picabia et Dada) est proposé dans la vente parisienne, conjointement avec un extraordinaire album offert par Francis Picabia, contenant un portrait à l’encre de l’actrice, ainsi que 50 collages Dada. Cette oeuvre historique, témoigne de la liaison entre Picabia et Marthe Chenal, représentée en buste, seins nus, et des recherches Dada, utilisant lettres (préfigurant ainsi le mouvement lettriste), bouts de ficelle ou la carte de visite de Francis Picabia pour réaliser ces collages.

Alde – 1, rue de Fleurus 75006 Paris.

Experts : Thierry Bodin, 45, rue de l’Abbé Grégoire 75006 Paris – France. Tél: +33 1 45 48 25 31 - Facs : + 33 1 45 48 92 67. François Roulmann: 10, rue de la Grande-Chaumière 75006 Paris – France. Tél: +33 1 43 54 46 74 - Facs : +33 1 43 54 46 74 Alban Deags - http://www.classiquenews.com

31.12.1921

2009-03-30T23:06:00.003+02:00

Jean-Alexis Rouchon imprimeur. Affiche publicitaire, 1864.

Jean Hugo n'a donc pas signé L'Œil cacodylate lors du réveillon du 31.12.1921 qui eut lieu chez Marthe Chenal car il se trouvait, apprend-on par Jean-Yves Tadié, chez le comte Étienne de Beaumont : « Proust accepte l'invitation du comte de Beaumont à se rendre à sa fête de fin d'année, à laquelle il tient absolument : “J'ai pris des drogues avec une telle exagération que c'est un homme à demi aphasique et surtout titubant sur ses jambes, par vertige, que vous aurez.” Et il lui demande de ne pas le présenter à trop de dames intellectuelles et fatigantes. Jean Hugo se souvient du bal donné par le comte et la comtesse de Beaumont : on applaudit, dans ses danses exotiques, la belle danseuse Djemil Anik, amie de Caryathis, la future Elise Jouhandeau. "On attendait Proust, Étienne de Beaumont annonçait : “Céleste vient de téléphoner pour la dixième fois ; elle demande s'il n'y a pas de courant d'air et si la tisane dont elle a donné la recette est préparée.” Enfin à minuit il y eut une sorte de remous dans la foule et l'on sut que Proust était là." Jean Hugo, qui ne l'avait pas vu depuis 1917, lui trouve le visage blême et bouffi : " Il ne parlait qu'aux ducs. – Regardez-le, me dit Picasso, il est sur le motif."»

Jean-Yves Tadié, Marcel Proust, biographie, folio Gallimard, tome II, p. 444.

De nouveau en transit, le blog cacodylate ne devrait plus trop tarder à rebattre des paupières.

Dada, Pansaers et Correspondance (1917-1926)

2009-02-14T00:11:00.005+01:00

J’attends le « first of three volumes of the "Avant-Garde in Belgium 1917-1978" collection of archives » édité par le label Sub Rosa. En voici le tracklisting (miam miam) :

1 James Ensor Discours prononcé à l'occasion de son exposition rétrospective au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles en 1929 (1:32)

2 Pierre Bourgeois Clément Pansaers, 1919, Les Roses Rouges (0:47)

3 Albert Lepage Clément Pansaers, Au Diable Au Corps (Rue Aux Choux) (0:46)

4 Pascal Pia Clément Pansaers et James Joyce (2:10)

5 Louis Aragon Je pense à Clément Pansaers (2:57)

6 Philippe Soupault Clément Pansaers à Paris (1:25)

7 Paul Neuhuys Lettre de Clément Pansaers, L'Opposition aux dadaïstes français et L'Affaire du portefeuille (1:05)

8 Clément Pansaers Jr Clément Pansaers, Mon Père (1:13)

9 Paul Neuhuys Clément Pansaers, Les Dernières Lettres (2:23)

10 Paul Neuhuys La Fondation de Ça Ira ! (3:39)

11 Franz Hellens Tous les vents me traversent et Testament (2:14)

12 Robert Guiette Henri Michaux et Camille Goemans (2:11)

13 Henri Michaux Ecce Homo (Issu de L'Espace du Dedans) lu Par Gabriel Séverin (1:38)

14 Marcel Lecomte Vers L'Extra-Littérature (0:54)

15 André Souris Correspondance (5:40)

16 Marcel Lecomte 1923 (1:56)

17 Marcel Mariën Paul Nougé, L'Opposition à André Breton (2:54)

18 André Souris Lettre de Paul Nougé à André Breton (1:44)

19 Marcel Mariën Une définition possible de Paul Nougé (1:01)

20 Paul Nougé Correspondance (2:11)

21 Salvador Dali Impressions sur Nougé et Goemans (1:08)

22 Robert Guiette Camille Goemans (3:23)

23 André Souris Camille Goemans, L'Homme Surréaliste (7:54)

24 Marcel Lecomte Aspects de L'éthique surréaliste (1:01)

25 André Souris L'Événement de la Salle Mercelis et ce qui s'en suivit

Egalement chez Sub Rosa : The creative act (CD consacré à Duchamp, édité par Marc Dachy) et luna park 0,10 (CD sur lequel se trouvent notamment rassemblées les voix de Guillaume Apollinaire, Kurt Schwitters, James Joyce, Antonin Artaud …)

T'ai-je bien compris ?

2009-02-10T00:42:00.005+01:00

Karel Teige

« La création artistique est livrée à la merci des humeurs de la bourse, on spécule sur des génies inconnus, sur le fait que la mort d’un jeune auteur ou seulement la grave maladie dont il est atteint entraînent une hausse des prix de ses œuvres. On travaille au moyen d’une propagande et d’une publicité raffinées et très étendues, la presse et la critique sont corrompues. De nos jours, à Paris, tous les critiques d’art des revues ayant une importance commerciale et une certaine influence sont soit des agents payés au service des grands marchands d’art, des impresarios de théâtre ou des producteurs cinématographiques et, dans ce cas, soit leur commission est un secret de polichinelle, soit ils sont payés, au moins occasionnellement, selon les cas. » […] « La commercialisation de l’art est la preuve du mépris que la bourgeoisie montre à l’égard des valeurs spirituelles, tant que celles-ci ne produisent pas d’argent. Les seuls critères et d’ailleurs les plus convaincants pour juger de nos jours de la qualité de l’art sont : le nombre d’exemplaires vendus d’un livre, les prix aux enchères, les offres d’amateurs et des collectionneurs, les places remplies au théâtre et d’autres critères analogues, d’ordre quantitatif et pécuniaire. La critique cède la place à la publicité, la chronique dans les journaux se transforme en annonce commerciale ou peu s’en faut, la spéculation habile du trafiquant se substitue à l’appréciation spirituelle des valeurs artistiques. »

Karel Teige, Le marché de l’art [1936], traduit du tchèque par Manuela Gerghel, Allia, 2000, pp. 50-51 et 56.

Portrait de Tristan Tzara par Pierre de Massot

2009-02-07T16:47:00.005+01:00

Tristan Tzara par A. Kertész (1937)

« Assis sur une chaise tout au fond de la pièce une mèche sur le front, l’air d’un caniche exotique, et neurasthénique, Tristan Tzara s’ennuie. Le seul mot de Dada peut le réveiller et lorsqu’il fixe son interlocuteur, son regard prend une expression de froide et tranchante cruauté. On devine alors derrière cette impénétrabilité volontaire, sous ce masque énigmatique, l’orgueil prodigué de ce désabusé. […] Tzara, quand il aura épuisé toutes les ressources de son imagination, se jettera par la fenêtre et aplatira son rêve sur le pavé pour qu’on parle de lui et pour recevoir de nouvelles coupures de presse le lendemain. »

Pierre de Massot, « Souvenirs », in Verve, mai 1921.

Cité par François Buot in Tristan Tzara, l’homme qui inventa la révolution Dada, Grasset, 2002, p. 95.

"J'ai eu vingt ans dans les années 1980, sans doute les plus laides années depuis la Seconde Guerre mondiale"

2009-01-27T21:47:00.023+01:00

Dada est une philosophie. Dada est une morale. Dada est un art, l’art d’être sympathique dans un temps où toute supériorité est devenue insupportable et où toute grandeur humaine semble une facétie. Dada est la fleur des ruines, non pas la petite fleur bleue de l’optimisme que les poètes veulent cueillir dans les décombres d’une civilisation, mais une azalée, une aride azalée qui plutôt que d’implorer une pluie de sang cherche à s’abreuver de sécheresse. Paul Neuhuys (Éd. Ça Ira !, 1923), in revue Plein Chant n° 39-40, « Dada Pansaers », Meeting pansaérien organisé & présenté par Marc Dachy, Châteauneuf-sur-Charente, 1988, p. 133. Ce numéro de la revue Plein Chant,

alors que je ne l’attendais plus. Mais je suis toujours dans l’attente des lettres de Clément Pansaers au Docteur Schuermans. Reçu également : Sara & Gerald, Villa America and after by Honoria Murphy Donelly with Richard N. Billings [Foreword by William M. Donnely], Holt, Rinehart and Winston, New York, 1984. Le premier plat de couverture annonce la couleur : "An enchantingly candid and deeply moving portrait of two people whose love for life and for each other created a legend. " Tout un programme, que ne dément pas la 4ème de couverture, qui titre : "A very personal memoir by the daughter of the fabulous couple who made living well is the best revenge."

Trouvé dans la voiture bar d’un TGV, en direction de Paris – et retrouvé deux jours plus tard en parcourant l’exposition futuriste à Beaubourg :

Lu, cette semaine,

Liquidation de l’art de Karel Teige [traduit du tchèque et présenté par Sonia de Puineuf, Allia, 2009] où l’on trouve ceci : « Un art convenablement construit et organisé n’est que l’œuvre de la vie, le couronnement de l’existence et d’une société harmonieusement constituée. » [p. 35 – 1924]. Karel Teige, dans ce recueil de quatre textes essentiels écrits entre 1924 et 1928, cite par deux fois Flaubert : « L’art de demain sera impersonnel et scientifique. » Lu, également, Autoportrait d’Edouard Levé, où l’on trouve mille choses mais également ceci : « Je regrette de ne pas être né en 1945, j’aurais eu vingt-trois ans en 1968, j’aurais vécu la révolution sexuelle et cru en certaines utopies dans les années 1970, j’aurais gagné beaucoup d’argent dans les années 1980, dont j’aurais profité dans les années 1990, et j’aurais fini par prendre une retraite confortable et pleine de bons souvenirs dans les années 2000, malheureusement je suis né en 1965 et j’ai eu vingt ans dans les années 1980, sans doute les plus laides années depuis la Seconde Guerre mondiale. » Lu, aussi :

traduit par Etienne Dobenesque et édité par Isabella Checcaglini (Ypsilon.éditeur) qui parle tour à tour de Mallarmé, de Pasolini et d'Unica Zürn avec les yeux qui brillent (c'est bon signe). Par ailleurs, j'ai trouvé cette photographie

Schoenberg et Poulenc à Mödling (Vienne) en 1922

dans L’Album des 6 (Ornella Volta) :

publié à l’occasion de l’exposition Le Groupe des Six et ses Amis – 70e anniversaire (6 mars - 9 avril 1990, Hôtel Arturo-Lopez, Neuilly-sur-Seine).

Last but not least, Assariotakis (que je nomme ici pour ceux qui ne connaîtraient pas encore ce monstre de la littérature mondiale) a eu l’immense bonté de me remettre son dernier opus

paru chez L’une & l’autre et qu'on pourra acquérir ces prochains jours pour la somme dérisoire de 12,50 €

Gerald & Sara, East Hampton, 1915 - 1963 (in a Mood Indigo)

2009-01-09T02:19:00.021+01:00

Leurs images ne cessent de me fasciner. En 1915, Gerald et Sara [Murphy] ne se connaissaient qu’à peine. Les voici s’amusant sur la plage d’East Hampton –

Gerald et Sara Murphy sur la plage d'East Hampton, vers 1915

avant les histoires, les brouilles avec Francis Scott Fitzgerald et les amitiés avec Ernest Hemingway et Cole Porter. Bien avant les soirées dada, à Paris.

Sara et Gerald Murphy costumés, à l'occasion du bal donné par Etienne de Beaumont (Paris, 1924) - La photographie est probablement © de Man Ray.

Les voici à nouveau, quarante huit ans plus tard, presque au même endroit, trinquant comme aux bons vieux jours :

Gerald et Sara Murphy, Swan Cover, East Hampton, vers 1963

Entre temps, il y eut la Villa America, ce vaste chapitre.

Je vous attendrai toujours demain, vendredi, aux 2 Magots Bd St Germain – à 3 heures

2009-01-06T01:10:00.009+01:00

Quelques nouvelles de Clément Pansaers (le gentil), au travers de cette lettre (retranscrite ici en partie) [1] adressée à Tristan Tzara le 9 mai 1921 :

Retient [ne tient ?] pas de me voir – J’ai pris, naturellement à la lettre le reproche de Breton : que mon milieu n’est pas le sien [2] J’ignore encore s’il a traduit la pensée de vous tous [3] – Je ne suis pas allé au vernissage Max Ernst –

Annonce pour l'exposition Max Ernst parue dans Littérature n° 19 (mai 1921)

n’ayant pas été invité et vu l’attitude au Sans Pareil – Les amis – [deux mots illisibles] Je tiens évidemment – comme toujours – à mon libre arbitre – et au droit d’exprimer franchement ma façon de voir, entre amis – tout en respectant les opinions de ceux-ci – Je suis péniblement impressionné de ce qu’aussi Aragon ait l’air de prendre l’incident au tragique – lui, cependant, me connaît un peu mieux – et surtout mon état tant physique que moral lamentable – Enfin ! – Je vous attendrai toujours demain, vendredi, aux 2 Magots Bd St Germain – à 3 heures – Bien affectueusement C. Pansaers Dans cette lettre, Clément Pansaers semble froissé par l’attitude d’André Breton (le méchant) dont il souligne le caractère par deux fois. « J’ignore encore s’il a traduit la pensée de vous tous » serait une phrase sibylline si je ne me souvenais (en partie) du témoignage d’un des proches de Breton, éconduit au moment où il se présenta chez lui : « Je suis en train de manger des artichauts, je ne suis pas en mesure de vous recevoir ». [4] Mais prendre Breton comme cible toute trouvée,

André Breton en homme-cible. "Festival dada", Théâtre de l'Œuvre (26 mai 1920)

après tant d’années, n’est pas une solution, car il ne faut pas oublier qu’il fut un œil, à sa manière, et que son sens esthétique éclaira ses contemporains sur l’art de leur temps. André Breton fut également un auteur de premier rang, maniant la langue française au point d’égaler Bossuet et Saint-Simon : « Pourriture, vache, enculé d’espèce française, mouchard, con, surtout con, vieille merde coiffée d’un bidet et mouchée d’un grand coup de bite. » [5] Les quatre tomes de la Pléiade permettront cependant aux boys du sévère de se faire une idée un peu plus précise au sujet du mangeur d’artichauts. [1] © Bibliothèque Jacques Doucet. Document reproduit dans Marc Dachy, Archives dada / Chronique, Hazan, 2005, p. 315. [2] et [3] souligné par Clément Pansaers. [4] Je cite de mémoire. [5] André Breton à Jean [Guérin] Paulhan, à la suite de la publication par ce dernier de son article du 1er octobre 1927 dans la NRF. Cité par Robert Kopp in Album André Breton, Bibliothèque de la Pléiade, Gallimard, 2008, p. 141.

La signature, le nom de l'auteur, est la partie la plus importante d'une œuvre, la figuration de son sens dans la vie, la clef. (Robert Desnos)*

2008-12-31T00:57:00.018+01:00

Moins connue que bon nombre de suicidés célèbres, Céline Arnauld pourrait à bon compte figurer dans la longue liste des suicidés dressée par Ben ** et dont Jean-Luc Bitton donne le détail dans son dernier billet. Quelques textes, une revue au numéro unique, quelques volumes au tirage restreint ne sauraient résumer Céline Arnauld (36 ans au temps de L’Œil cacodylate) qui mit fin à ses jours le 23 décembre 1952, peu de temps après le décès de son mari Paul Dermée, dont j’ai un peu parlé précédemment mais sans avoir cité, me semble-t-il les Documents Internationaux de l’Esprit Nouveau. Au sommaire du n° 1 (et seul paru) de Documents Internationaux de l’Esprit Nouveau ***, édité par Paul Dermée et Michel Seuphor à Paris en 1927 : Hans Arp, Céline Arnauld, Willi Baumeister, Marcel Breuer, Paul Dermée, Albert de la Salpétrière, Pierre Flouquet, Luciano Folgore, Gildvinger, Walter Gropius, Attila Jozsef, Paul Joostens, André Kertèsz, Syrjusz Korngold, Maurice Lavergne, Fernand Léger, Ladislas Medgyés, Lucia Moholy, Moholy-Nagy, Piet Mondrian, F. T. Marinetti, Enrico Prampolini, Platon, Sotgia Rovelli, Etienne Rajk, Robert Rist, Seuphor, Victor Servanckx, Kurt Schwitters, Szivesy, Saint Paul, Saint Just, Tristan Tzara, Herman Vonck, Vordemberge Gildewart. Mais une image vaut mieux qu’une suite de mots :

Paul Dermée par Juan Gris (1925), pour Céline Arnauld

Pensant à Céline Arnauld, m’est venue l’idée de transcrire son « Ombrelle Dada » (« s.l.n.d. », i.e. circa 1920-1921) qui figure dans la Bibliothèque Jacques Doucet à Paris :

Ombrelle Dada Vous n’aimez pas mon manifeste ? Vous êtes venus ici pleins d’hostilité et vous allez me siffler avant même de m’entendre ? C’est parfait ! Continuez donc – la roue tourne, tourne depuis feu Adam, rien n’est changé, sauf que nous n’avons plus que deux pattes au lieu de quatre. Mais vous me faites trop rire et je veux vous récompenser de votre bon accueil, en vous parlant d’Aaart, de Poéésie et d’etc. d’etc. ipécacuanha. Avez-vous déjà vu au bord des routes entre les orties et les pneus crevés, un poteau télégraphique pousser péniblement ? Mais dès qu’il a dépassé ses voisins, il monte si vite que vous ne pourriez plus l’arrêter … jamais ! Il s’ouvre alors en plein ciel, s’illumine, se gonfle, c’est une ombrelle, un taxi, une encyclopédie ou un cure-dent. Etes-vous contents maintenant ? Eh bien, c’est tout ce que j’avais à vous dire – c’est ça la Poéésie, croyez-moi. Poésie = cure-dent, encyclopédie, taxi ou abri-ombrelle, et si vous n’êtes pas contents … A LA TOUR DE NESLE Pour finir, il me plaît et m’importe de signaler deux livres :

parce que Perec, mais aussi parce que Pierre Senges a l’honneur et l’avantage de faire partie des rares écrivains de notre époque.

Je profite de cette fin d'année pour remercier chaleureusement les lecteurs de ce blog et pour les inviter à me faire part de leurs remarques à l'adresse suivante : fabrice.lefaix@voila.fr.

* Robert Desnos cité par Michel Sanouillet in Dada à Paris, CNRS éditions, 2005, p. 250.

** L’exposition Ben intitulée « Ils se sont tous suicidés » se tiendra à la Galerie Daniel Templon (30, rue Beaubourg, 75009 Paris) du 10 janvier au 21 février 2009. L’entrée est annoncée « libre ». *** Documents Internationaux de l’Esprit Nouveau fait suite à la revue L’Esprit Nouveau (28 numéros parus entre octobre 1920 et janvier 1925).

Jeudi 9 février 1921 depuis le 14 de la rue Emile Augier (Paris XVI)

2008-12-19T23:53:00.011+01:00

Dans un post du 15 juin 2005, je notais imprudemment que Pierre de Massot était hébergé par Picabia "dès novembre 1921". Les archives de la Bibliothèque Doucet me donnent tort : si nous examinons de près cette "lettre autographe avec dessins [Album Picabia]" reproduite dans la catalogue Dada (Editions du Centre Georges Pompidou, Paris, 2005, p. 671), nous constatons non seulement la date du jeudi 9 février 1921 [14, rue Emile Augier (XVI) : i.e. domicile de Francis Picabia] mais également une mention fort intéressante : "au bar du Bœuf sur le Toit" - deux indications en l'honneur desquelles nous organisons ce soir une petite fête agrémentée notamment d'olives noires et de rollmops à la crème fraîche.

Rions un peu avec les keupons

2008-12-18T04:11:00.010+01:00

« A Zurich, le Cabaret Voltaire connut un succès immédiat. D’une capacité de cinquante places, il était plein tous les soirs. Il y eut d’abord des étudiants, qui buvaient, fumaient et saccageaient la salle ; puis des citoyens, la « bourgeoisie » injuriée, des curieux, puis, finalement, comme au Roxy en 1977, des touristes japonais. Il y avait tellement d’habitués que presque personne ne payait ; une variante de la vieille blague punk : combien faut-il de punks pour changer une ampoule ? Un pour tenir l’échelle, un pour dévisser l’ampoule, et cinquante sur la liste des invités. » Greil Marcus, Lipstick Traces – Une histoire secrète du vingtième siècle, [Allia, 1998] Gallimard, coll. Folio Actuel, 2000, p. 255

Il avait de belles mains, il avait de beaux gestes

2008-12-16T02:20:00.022+01:00

En feuilletant à nouveau Duchamp : passim. A Marcel Duchamp anthology *, j’ai retrouvé cette surprenante photographie de Gabrielle Buffet

A l’exception du texte de Maria Lluïsa Borràs (« Une jeune femme appelée Gabrielle Buffet ») **, je ne dispose que de très peu de renseignements sur Gabrielle Buffet. En revanche, on peut l’entendre dans l’émission Relecture *** parler de Francis Picabia, peu de temps après la publication de son volume intitulé Rencontres : Premières notes sur Gabrielle Buffet : Gabrielle Buffet (1881 – 1985) Rencontre Francis Picabia durant l’été 1908. S’inscrit à la Schola Cantorum (qui ouvre en 1896 et qui est à l’époque l’institution rivale du Conservatoire). Elève de Vincent d’Indy qui dirige cette institution à partir de 1897. [à vérifier]

A la Schola Cantorum du 269, rue Saint Jacques (Paris, 1899). A la gauche de G.B. se trouvent Pierre Lalo et Vincent D'Indy. (Détail) Elle part pour Berlin afin de perfectionner sa pratique et ses connaissances musicales. Elle a pour maître Busoni. [à vérifier] Met fin à sa carrière peu après sa rencontre avec Picabia. Rencontre Apollinaire en juillet 1912 (Hyte, Angleterre) Début 1914, elle publie un article dans les Soirées de Paris, intitulé « Musique d’aujourd’hui ». Publie « Marie Laurencin » dans The Blind Man (n° 2, 1917) [demander à M. V. un scan du fac similé de ce numéro publié par Arturo Schwarz]. Accompagne Picabia à Zurich en janvier 1919 et y rencontre Tristan Tzara. Publie « Petit manifeste » dans Dada n° 4-5 (Zurich, 1919) Publie « Portrait dédié à l’espagnol » dans 391 (n° 10, décembre 1919). Ecrit la préface pour Jésus-Christ rastaquouère (publié à Paris en 1920). Fréquente Igor Stravinsky dans les années 30. Elle publie des articles, dans la presse américaine en particulier, mais n’y accorde que peu d’importance. G.B. sur Picabia : « Que de gens n’a-t-il pas scandalisés en professant que ce qui l’intéressait le plus à New York, c’était le jazz (qui n’avait pas encore traversé l’Atlantique), le cinéma et les ponts de fer, celui de la 59è rue particulièrement. On prenait ses déclarations pour du bluff, mais elles correspondaient pourtant à la vérité. » « Introduction de l’art moderne aux Etats Unis » in Rencontres, Pierre Belfond, 1977, p. 183. (Initialement publié dans Information et Documents, n° 59, 1er janvier 1957. Trad. de l’anglais par Adélie Hoffenberg. * Anthony Hill ed., Gordon and Breach Arts International, 1994. ** Rencontres, op. cit., pp. 13-23 [Trad. de l’espagnol par Antoine Berman]. Rencontres est l'édition complétée du recueil de Gabrielle Buffet intitulé Aires abstraites et publié initialement à Genève chez Pierre Cailler, coll. Les problèmes de l'art, 1957. D’autres indications biographiques sont disponibles dans le Picabia de Maria Lluïsa Borràs publié par Albin Michel en 1985. [Trad. de Robert Marrast]. *** L’intégralité de l’émission (France Culture, 1978) est disponible ici, grâce à Fabrice Pascaud.

2008-12-13T03:18:00.012+01:00

Marcel Duchamp, Francis Picabia et Béatrice Wood (Coney Island, New York, 1917)

Il faudrait pouvoir, impunément, combler certains vides biographiques par de la fiction (faire en sorte que tout le monde y adhère) et accommoder nos broderies dans le seul dessein qu’elles passent pour du vécu pur choix. Inversement, on ferait passer le « trop plein » de certaines vies bénies des anges pour de la fiction – tant la vie est souvent mal faite. Rétablir l’équilibre, pour ainsi dire.

Le Bœuf en ses avatars

2008-12-02T01:02:00.005+01:00

Avant de dire quelques mots sur la vie tendre et cruelle de Gerald et Sara Murphy, voici deux images relatives au Bœuf sur le toit, chacune accompagnée d'un document sonore où le cabaret parisien est évoqué par Jean Wiener (qui y fut pianiste en son temps, aux côtés de Clément Doucet) et Jean-Marie Drot. On reconnaîtra facilement la voix de Man Ray (1961) évoquant Jean Wiener au Bœuf d'antan.

Publicité bilingue pour Le Bœuf sur le toit (1941 - 1942)

Le Bœuf sur le toit à Bruxelles. Document aimablement communiqué par Sophie P. (Bruxelles)

Qu'on en finisse

2008-11-20T04:17:00.009+01:00

Encore plus fort que la vente Breton qui fit tant de bruit en son temps, celle de la collection Yves Saint Laurent et Pierre Bergé (le début des enchères est prévu pour février 2009) annonce déjà la couleur : 700 œuvres, et des estimations allant de 300 à 500 millions d’euros pour l’ensemble. Répondront à l’appel : Cézanne, Mondrian, Léger, Picasso, Brancusi, Ensor, mais aussi Matisse et Duchamp. Du côté des maîtres anciens : Géricault, Franz Hals, Gainsborough, Ingres… Belle Haleine, Eau de voilette (Duchamp, 1921) qu’on a pu voir à l’exposition Dada à Beaubourg (fin 2005 – début 2006), sera sans doute adjugé pour un montant fort déraisonnable, c’est-à-dire proche de celui pour lequel la pièce fut assurée au moment de l’exposition (environ 1 million d’euros). Toujours plus, toujours plus d’argent, toujours et encore plus de pouvoir, jusqu’à faire vaciller les repères les plus élémentaires, ai-je répondu à mon ami F., qui n’y va pas par quatre chemins et qui est à l’origine de ce post pour m’avoir communiqué l’information. F. me fait remarquer : « Imagine le nombre de p... ayant porté du YSL et le nombre de chèques signés, toutes ces cartes bleues, tout ce pognon dépensé […] A chaque fois que je croise une tête équipée de ces lunettes monogrammées, à chaque fois que je suis littéralement agressé par ces dérisoires accessoires de l’industrie du luxe, j’ai vraiment envie de gerber […] Tout ça va très mal se terminer, tôt ou tard – à la Mad Max. » Je partage pleinement les prévisions pour le moins pessimistes de mon ami F., à qui j’ai répondu ceci : " Patience. Le XXIème siècle sera sans doute le dernier, mais n'oublie pas que le produit de la vente sera destiné à la fondation Yves Saint Laurent - Pierre Bergé ainsi qu'à la recherche médicale."

Spleen à Bex-les-Bains (Suisse), avec chassés-croisés

2008-11-17T23:40:00.013+01:00

Une femme dans une femme. F. Picabia, mine de plomb et encre de Chine sur papier vélin à en-tête imprimé du Grand Hôtel des Salines de Bex-les-Bains.

Estimée entre 8000 € et 10000 €, la pièce fut adjugée à 15600 € le 23 mai 2006 lors de la vente Christie’s intitulée « Bibliothèque d’un grand amateur européen ». Picabia, marié à Gabrielle Buffet * (qu’il rencontre en 1908) depuis le 27 janvier 1909, rencontre Germaine Everling fin 1917. Fin février 1918, accompagné de sa femme Gabrielle, Picabia se rend à Lausanne, via Gstaad, pour y suivre une cure auprès du neurologue Brunnschweiler. Germaine Everling rejoint Picabia fin février 1918. Gabrielle et Germaine se sont-elles croisées durant la cure de Picabia ? Ce n’est pas sûr. Mais ce qui est certain, c’est que les deux femmes connaissaient l’existence l’une de l’autre à ce moment-là. Début avril 1918 (à Gstaad, où Gabrielle a loué un chalet), Picabia écrit les derniers mots de son recueil Poèmes et dessins de la fille née sans mère. Rentrée à Paris à la mi-mai 1918, Germaine Everling rejoint à nouveau Picabia et tous deux partent pour Bex, d’où trois ans plus tard seront réalisés ces deux dessins qui lui seront destinés. La notice du catalogue Christie’s ne fournit pas de date précise concernant la réalisation de ce dessin. Le zona ophtalmique de Picabia ayant été diagnostiqué en mars 1921, il semblerait que l’œuvre en question puisse être datée de cette époque (sous toutes réserves).

Francis Picabia et Germaine Everling (1921)

* En 1912, Gabrielle Buffet fit sérieusement tourner la tête de Marcel Duchamp. [Souvenons-nous qu’en juin de la même année, Picabia, Gabrielle et Marcel assistèrent, Théâtre Antoine, aux Impressions d’Afrique de Raymond Roussel]. Ce même été 1912 (depuis Paris ? depuis Munich ?), Marcel écrivit deux lettres à Gabrielle qui se trouvait alors en villégiature à Hythe (Angleterre). La suite nous est donnée par Judith Housez [Marcel Duchamp, biographie. Grasset, Paris, 2006, pp. 117-118] : « Gabrielle Buffet-Picabia, qui passait la suite de son été à Etival, un petit village du Jura, indiqua à Marcel dans une de ses lettres le jour où elle se trouverait de passage à la gare d'Andelot, seule, lors de son voyage de retour à Paris. A sa grande surprise, elle trouva Marcel sur le quai à l'heure dite : il venait d'arriver de Munich dans le seul but de la voir. Ils commencèrent à parler, laissèrent partir les trains qu'ils devaient prendre, puis restèrent là toute la nuit, assis sur le banc de la salle d'attente, à parler et à se taire, sans se prendre la main, sans s'embrasser. “ Avant tout, je dois faire très attention à ce que je lui dis, songeait Gabrielle, car il comprend les choses d'une façon alarmante, dans leur sens absolu. ”, Il avait parcouru plus de mille kilomètres en train pour ces quelques heures avec elle. Il était ivre de désir pour cette femme, sensible à sa beauté et à son intelligence, mais ne tenta rien, et garda une distance respectueuse sur le banc. Pour un jeune homme conventionnel de vingt-cinq ans, tomber amoureux d'une femme mariée était une expérience terrible. Quelques années plus tard paraîtrait Le Diable au corps, mais entre-temps, le chaos de la guerre aurait semé le doute sur toutes les valeurs, y compris celles de la famille et de la fidélité. A propos de Marcel Duchamp, Gabrielle Buffet-Picabia n'hésiterait pas à déclarer “ je pense que c'est moi qui l'ai émancipé de sa famille ”. Elle avait été son premier grand amour. »

Marcel chez Ubu

2008-11-11T22:32:00.003+01:00

Marcel Duchamp devant Portrait de M. Duchamp père (1910)

L'indispensable site ubu voit ses archives s'étoffer régulièrement. Pour preuve, le hard to find Jeu d'échecs avec Marcel Duchamp (Jean-Marie Drot, 1963) y est désormais disponible. Au détour, on n'oubliera pas de consulter les deux séminaires de Roland Barthes (Comment vivre ensemble et Le Neutre).

Marcel s'explique

2008-11-09T02:35:00.004+01:00

Marcel Duchamp à Cadaqués (circa 1960)

Marcel Duchamp, entretiens avec Georges Charbonnier (1960 - 1961)

Radiguet critique littéraire

2008-11-09T00:45:00.004+01:00

Raymond Radiguet et Jean Cocteau sur la plage du Lavandou (1922)

Ses colères étaient rares mais terribles. Il devenait pâle comme un mort. Jean Hugo et Georges Auric doivent se souvenir d'une soirée au bord du bassin d'Arcachon, où nous lisions tous autour d'une table de cuisine. J'eus la maladresse de dire que Moréas , ce n'était pas si mal. Je lisais ses stances. Radiguet se leva, m'arracha le livre, traversa la plage, le jeta dans l'eau et revint s'asseoir avec une figure de meurtrier, inoubliable. Jean Cocteau, "De Raymond Radiguet" in La Difficulté d'être [1947]. Le Livre de Poche, coll. biblio, p. 28.

Jean Cocteau - La Toison d'Or (1929) Jean Cocteau (voix), Vance Lowrey (banjo), Dan Parrish (piano), Dave Peyton (percussions), James Shaw (clarinette) et Crickett Smith (trompette)

Lectures

2008-11-06T02:37:00.019+01:00

L’Alamblog du Préfet maritime (Eric Dussert) proposait, dans son billet du 27 écoulé, quelques mots d’introduction à l’exposition Le Futurisme à Paris. Une avant-garde explosive. Loin de se contenter de la simple recension, la pertinence du Préfet maritime donnait à lire, par la même occasion, un non moins pertinent texte de Marc Dachy, initialement paru dans la revue Critique (n° 404) en janvier 1981 sous le titre « Une avant-garde ridicule » et auquel on se reportera plus qu’ utilement. On regrettera de ne plus pouvoir trouver, ni le somptueux volume de Marc Dachy paru chez Skira (Journal du Mouvement Dada, 1989), ni, du même auteur, Dada & les dadaïsmes paru en Folio essais (Gallimard) en 1994. Traductrice, notamment de Georg Grosz de Günther Anders (Paris, Allia, 2005), Catherine Wermester vient de publier, chez le même éditeur,

Grosz, l’homme le plus triste d’Europe, une courte étude pour le moins efficace et qui m’a retenu bien après le temps de sa lecture. Viser juste son objet, ai-je pensé en terminant ce livre.

Enfin, puisque Thomas Bernhard a définitivement cessé de publier, je signale

Automne, liberté – Un nocturne de Werner Kofler, traduit de l’allemand (Autriche), présenté par Bernard Banoun et paru aux éditions Absalon, collection « K. 620 », Nancy, 2008. Depuis Le dîner de moules de Birgit Vanderbeke (traduit de l’allemand par Claire de Oliveira, Stock, coll. Nouveau Cabinet Cosmopolite, Paris, 1995) et Le dégoût – Thomas Bernhard à San Salvador de Horacio Castellanos Moya (traduit de l’espagnol par Robert Amutio, Les Allusifs, 2003) on n’avait si bien imité et/ou évoqué la prose de l’hermite autrichien.

She is the future

2008-10-27T21:02:00.024+01:00

D'abord, merci à Fabrice Pascaud de m'avoir signalé cette émission radiophonique consacrée à Picabia et qu'il met à disposition de tous sur son site. L’ouverture de l’exposition Futurisme à Paris. Une avant-garde explosive (Centre Beaubourg, jusqu'au 26 janvier 2008) est l’occasion pour L’Œil cacodylate de battre à nouveau des cils. L’exposition propose notamment des œuvres de Metzinger, Picabia et Duchamp, trois signataires de L’Œil cacodylate : Metzinger Danseuse au café (1912) Le Cycliste au vélodrome (1912) Picabia Danses à la source, I (1912) Udnie (Jeune fille américaine ; la Danse) (1913) Je revois en souvenir ma chère Udnie [1913]-1914 Duchamp Nu descendant un escalier (n°2) 1912 Les joueurs d’échecs (1911) Moulin à café (1911) Le catalogue semble bien conçu (Didier Ottinger en a assuré la direction) et pourrait être le complément indispensable de celui qui fut publié à l'occasion de l'exposition Futurismo & Futurismi qui s'est tenue au Palazzo Grassi de Venise du 4 mai au 12 octobre 1986 (éd. Bompiani). Pour l'édition en français des textes futuristes, Futurisme. Manifestes - Proclamation - Documents (Giovanni Lista, L'Age d'Homme, Lausanne, 1973) demeure une référence. Chez le même éditeur, Le Futurisme de F.-T. Marinetti (préfacé par G. Lista - 1980) est tout autant à retenir que les textes de Michel Larionov traduits, réunis et annotés par Michel Hoog et Solina de Vigneral sous le titre Une avant-garde explosive (L'Age d'Homme -1978). Le catalogue édité par Bompiani comporte une riche documentation. Pour preuve, y replongeant ce soir, j'y trouve : deux vortographies d'Ezra Pound (autre signataire de L’Œil cacodylate) réalisées par le photographe Alvin Langdon Coburn, ainsi qu'un dessin à la plume sur papier de Francesco Cangiullo :

Bello. Lettres humanisées. 27,6 X 21,4. 1914. Milan, coll. Calmarini

Le titre de ce billet est de Marcel Duchamp : "[The Baroness] * is not a futurist. She is the future." [Marcel Duchamp, quoted in Kenneth Rexroth, American Poetry in the Twentieth Century - New York, Herder and Herder, 1973 - cité par Irene Gammel in Baroness Elsa, gender, Dada and everyday modernity, The MIT Press, 2002.

* Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927). Ici, quelques indications (à vérifier, comme toujours sur Wikipedia) sur la baronne.

1921 (purs sels argentiques)

2008-09-04T23:28:00.010+02:00

Refermer les derniers cartons, obtenir une nouvelle ligne adsl, penser à dire quelques mots sur Tabu dada (sur Suzanne Duchamp et Jean Crotti), ouvrir à nouveau des cartons - bref, les archives du blog cacodylate déménagent. En attendant, voici trois nouvelles photographies prises en 1921, année où Suzanne Duchamp, Jean Crotti, Germaine Everling et Francis Picabia accomplirent ensemble un périple qui les mena sur la Côte d’Azur.

Suzanne Duchamp, Francis Picabia et Germaine Everling (photographie prise très probablement par Jean Crotti)

Francis Picabia, Jean Crotti et Suzanne Duchamp à Comps (photographie prise très probablement par Germaine Everling) Suzanne Duchamp, Germaine Everling et Francis Picabia sur la corniche (photo prise très probablement par Jean Crotti)

Source des documents : Catalogue de l'exposition Picabia et la Côte d'Azur (5 juillet - 6 octobre 1991), Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain, Nice.

Comme tous les catalogues d'exposition, celui-ci est précédé d'une page de remerciements, eux-mêmes précédés de noms de personnalités politiques (locales). En revanche, aucune indication concernant les traducteurs de certains textes qui introduisent le catalogue (notamment ceux de Maria-Lluïsa Borras et de William A. Camfield). Il faut atteindre la 184ème et ultime page de ce catalogue pour lire cette abomination : Traductions : L.E.A., Faculté des Lettres, Nice. De toute évidence, cette exposition fut "placée sous le haut patronage" de :

De qui, déjà ?

Fatty : la classe américaine

2008-09-01T22:48:00.009+02:00

Difficile de savoir à qui Fatty souhaitait bonne chance en signant L’Œil cacodylate. Peut-être un peu à lui-même, qui trois mois plus tôt (début septembre 1921), fut inculpé de viol et de meurtre par empoisonnement sur la personne de Virginia Rappe, actrice américaine. Quand Fatty signa L’Œil cacodylate, sa carrière était compromise à tout jamais, les tout-puissants d'Hollywood l'ayant définitivement banni de leurs plateaux. C'est en trouvant cette photographie de Fatty (très probablement prise en 1921 à la suite de l'affaire dont il fut innocenté) sur le blog If Charlie Parker Was a Gunslinger, There'd Be a Whole Lot of Dead Copycats, que m'est venue l'idée de ce post. Quelques clics plus tard, alors que je venais d'extraire un passage du roman de Jerry Stahl dont Fatty est le héros : A ce stade de ma carrière, j’avais fait construire un garage pour abriter mes voitures. Mes cinq voitures. Une Cadillac blanche nacrée, une Renault (on m’avait fait cadeau de cette caisse de mangeur de grenouilles), une Rolls (tellement classe que je dormais dedans), une Stevens-Duryea que je réservais au jardinier, et on me fabriquait spécialement une Pierce-Arrow à vingt-cinq mille dollars. Passez-moi encore une chose. Une dernière histoire au sujet de papa et après je la boucle, d’accord ? Lorsque papa remonta l’allée dallée qui menait à mon domicile, je lui dis : « Devine combien coûte la porte d’entrée ? » Il répondit : « Je ne sais pas, moi, cinquante dollars ? » Pour lui, c’était déjà extravagant. Lorsque je lui annonçai quinze mille dollars, je crus qu’il allai tomber par terre. Il y avait dans mon jardin un pont japonais qui coûtait plus que le total des revenus paternels durant toute une vie. Mais je ne pouvais pas m’en empêcher. Moi, Fatty, Jerry Stahl, trad. de l’anglais (Etats-Unis) par Thierry Marignac, éd. Rivages/Thriller, 2004, pp. 140-141. je me demandais à quoi pouvait ressembler une Pierce-Arrow. La toile est parfois riche en surprises, me suis-je dit en découvrant la Pierce-Arrow de Fatty.

"... et on me fabriquait spécialement une Pierce-Arrow à vingt-cinq mille dollars."

CHATTANOOGA, TENN. (August 2007) - Originally custom made for silent movie star Roscoe “Fatty” Arbuckle, the 1919 Pierce-Arrow Model 66A-4 Don Lee Touring attracted major attention by the crowd at the 2007 Pebble Beach Concours d’Elegance. In addition to the vibrant paint and superb interior, the Coker produced all-white Goodrich Silvertown tires made the famous car visible from miles away. By the end of the weekend, the current owner of Arbuckle’s Pierce-Arrow, James Schenck of Wisconsin, was rewarded with first place in the Class B (Vintage 1916-1924) category. Being one of the highest paid actors and directors of the silent movie era, Arbuckle spared no expense when he originally special ordered all-white tires for his Pierce-Arrow. Schenk’s desire to do a fully accurate restoration of the Fatty Arbuckle Pierce made securing the all white tires a necessity. Having known that, it only made sense to contact Coker Tire because of their world re-nown expertise on all things vintage tires and their ability to custom produce one of a kind type tires. Coker agreed to replicate the authentic all white tires in only a matter of months. The Coker Tire team utilized their world-renowned classic tire experience in remanufacturing the one-of-a-kind all-white tires; which completed the Pierce-Arrow’s award-winning restoration. “We produced some all white 36×6 tires using a non marking tread and sidewall compound which were cured in our 36×6 Goodrich Silvertown tire mold”, said Corky Coker. “White tires are very difficult to clean, so I don’t believe we’re re-creating a trend for car enthusiasts, but these tires really looked amazing on the “Fatty” Arbuckle Pierce-Arrow at the Pebble Beach Concours de Elegance.” Roscoe “Fatty” Arbuckle was one of the first silent movie stars and a pioneer in the film industry. Despite his large size, Arbuckle was known for using his agility and physical comedy skills to make audiences across the country laugh out loud. His films introduced classic sight gags, such as a pie-in-the-face, and helped launched the career of Buster Keaton. http://blog.coker.com/index.php/2007/08/29/coker-gives-fatty-a-new-pair-of-shoes/ Ton idée de pneus blancs, Fatty, c'est vraiment la classe américaine !

Simple indication

2008-08-04T00:37:00.004+02:00

Il a fallu que je m’attarde sur une photo de Man Ray (Jean Cocteau et Tristan Tzara) pour que j’établisse tardivement un rapport avec Lampshade (abat-jour en papier torsadé) de Man Ray (1917).

Perevoz Dada (ce qui est rare est cher)

2008-07-28T23:11:00.004+02:00

Transbordeur Dada n° 1 (Berlin, juin 1922)

Transbordeur Dada n° 4 (Paris, avril 1924)

Je songe parfois à la somme astronomique dont je devrais disposer pour acquérir quelques documents originaux de chacun des signataires de L’Œil cacodylate. Un bel exemple vient de m’être donné aujourd’hui, qui me fait découvrir par la même occasion deux couvertures de la revue de Serge Charchoune, Transbordeur Dada. Le libraire proposait, début mai 2008, les numéros 1 et 4 pour, respectivement, les sommes de 3500 et 2500 USD. Posséder n’est pas le but de l’opération. Cependant, pouvoir manipuler un peu de « papier magique » permettrait parfois d’appréhender son sujet plus concrètement, avec un peu plus de « sensibilité ».

et plus tard en été

2008-07-27T23:14:00.012+02:00

En attendant de recevoir : - Jean Cocteau (biographie) par Claude Arnaud (Gallimard, 2003) - Moi, Fatty (biographie sous la forme d’un polar consacrée à Roscoe Conkling Arbuckle) alias Roscoe “Fatty” Arbuckle, a.k.a. Fatty (Rivages, 2007) -Isadora Duncan, roman d’une vie par Maurice Lever (Presses de la Renaissance, 1986) - Nous les Fratellini par Albert Fratellini (Grasset, 1955) - Ma vie heureuse par Darius Milhaud (Belfond, 1973), voici la couverture (retrouvée) du n° 5 de L’Esprit nouveau *,

Paul Dermé (anonyme, s.d.)

cette fameuse revue dirigée par Paul Dermée au début des années 20. En attendant également d’en savoir un peu plus sur le texte de Raymond Creuze (marchand de Charchoune entre 1930 et 1944) qui accompagne son catalogue raisonné consacré à l’artiste russe **, j’aimerai signaler le très beau et très saisissant texte d’Edouard Levé, intitulé Suicide (P.O.L, Paris, 2008). *** Enfin, pour ceux que l’idée de la fin repousserait, je signale, sans l’avoir vu, un spectacle qui se joue actuellement jusqu’au 2 août (festival d’Avignon) :

Le travail avance un peu. Je pense, prématurément, aux annexes, qui seraient constituées, entre autres, du court texte de Marie de la Hire consacré à Picabia (1920) et de celui de Paul Dermée intitulé Spirales (1917). J'attends aussi un catalogue de vente (Artcurial) au sein duquel Valentine Hugo occupe une place non négligeable.

* « L’Esprit nouveau et les poètes » est le titre d’une conférence donnée par Guillaume Apollinaire le 22 novembre 1917 au théâtre du Vieux-Colombier (Paris). La revue L’Esprit nouveau compta 28 numéros, publiés entre octobre 1920 et janvier 1925. Amédée Ozenfant et Charles-Édouard Jeanneret-Gris (Le Corbusier) prirent la direction de la revue à la suite de Paul Dermée. Le numéro 26 (octobre 1924) fut entièrement consacré à Guillaume Apollinaire.

** L’excellent blog Bibliophilie russe (précédemment linké sans le citer directement - et c’est donc chose faite) propose notamment quelques documents accompagnés d’indications biographiques sur S. Charchoune. *** "Ta douleur s'apaisait avec la tombée de la nuit. La possibilité du bonheur commençait à cinq heures en hiver, et plus tard en été." É. Levé, op.cit., p.45.

Mon cœur bat (Valentine Hugo II)

2008-07-24T00:53:00.014+02:00

Valentine Hugo, signature sur L'Œil cacodylate

Décembre 1921. Le cœur de Valentine « bat » pour Jean. Depuis son mariage avec l’arrière-petit-fils de Victor Hugo, elle semble moins produire. Darius Milhaud révéla en 1973 * quelques aspects de la période : « Pendant deux ans, nous nous retrouvâmes régulièrement chez moi, tous les samedis soirs. Paul Morand faisait des cocktails […] Il n’y avait pas que des compositeurs parmi nous mais aussi des interprètes […] ; des peintres : Marie Laurencin, Irène Lagut, Valentine Gross, la fiancée de Jean Hugo […] Après le dîner […] nous allions à la Foire de Montmartre, et quelquefois au cirque Médrano pour assister aux sketches des Fratellini qui dénotaient tant d’imagination et de poésie qu’ils étaient dignes de la commedia dell’arte. Nous terminions la soirée chez moi. » En 1947, dans le numéro 17 de la revue Graphis, Valentine Hugo signe un article sobrement intitulé « Jean Hugo : les décorations théâtrales » et fait revivre, de son côté, les premières années 1920 : « Avec ce que crée Jean Hugo, il y a toujours une sorte de conflit. Il circule dans ses inventions théâtrales […] un air vif et frais venant de loin, qui chasse la poussière des vieilles habitudes visuelles. Ses premiers projets pour le théâtre datent de 1921. C’était aussi l’époque de ses premiers tableaux tout rayonnants de lumière. Ils étaient de petite dimension, peints à la gouache, à l’œuf, ou à la tempera, avec cette aisance dénuée de petitesse qu’il apporte en tout ce qu’il dessine. […] Il y eut d’abord, en 1921, les projets de costume pour Mme Caryathis

La danseuse Caryathis

La danseuse Caryathis **

qui devait danser La Belle Excentrique d’Erik Satie. […] Cette même année, Raymond Radiguet, qui avait alors dix-sept ans ***, demanda à Jean Hugo de lui peindre la table de billard qui devait être le fond du décor de sa pièce Les Pélicans [sic] ; mais je laisse ici raconter Jean Hugo : “En mai 1921, on représenta Les Pélicans [sic]

Raymond Radiguet, Les Pélican, éditions de la Galerie Simon, Paris, mai 1921.

Pièce en deux actes illustrée d'eaux fortes par Henri Laurens.

au théâtre Michel dans le spectacle bouffe organisé par Pierre Bertin et Jean Cocteau. Il fallait un billard ; Radiguet me demanda de le dessiner. Je fis une petite gouache que je portai à l’atelier de décors, avec les dimensions que devait avoir le châssis. Le surlendemain, j’allai voir le décor exécuté : il me sembla beau. Les gouaches que je faisais alors n’étaient guère plus grandes que des timbres-poste et j’étais émerveillé d’en voir une agrandie à des proportions aussi monumentales. A la répétition qui suivit, on apporta sur la scène le billard, qui devait occuper le fond du théâtre. Il y eut un éclat de rire général. Le billard avait l’air d’une boîte d’allumettes. Il fallut le refaire beaucoup plus grand. Deux jours après, le rideau tomba sur Les Pélicans [sic] au milieu d’un grand silence et d’une profonde stupeur. Après le spectacle, Radiguet me dit avec sa gravité ordinaire : - C’est votre billard qui m’a perdu, il fallait le laisser petit comme il était d’abord ” ».

Pablo Picasso et Olga. En arrière-plan : Jean Hugo (Juan les Pins, circa 1926)

* Darius Milhaud, Ma vie heureuse, Paris, Belfond, 1973, p. 64.

** [Première rencontre [avec Marcel Jouhandeau] chez Marie Laurencin, d’Élisabeth-Claire Toulemon, dite Élise, née à Mariol (Galande, en littérature ), Allier, le 8 mars 1888. « Elle connaît d’abord une enfance triste et misérable, puis, élève de Staats, va faire carrière dans la danse sous le nom de Caryathis. Elle débute sur scène en 1911, au théâtre des Arts, dirigé par Rouché, dans Le Palais de Han de Laloy, avec pour partenaires Dullin, Jouvet, Escande. Prend part à diverses créations de Poulenc, Auric et Ravel, et surtout se taille un beau succès dans La Belle Excentrique d’Éric Satie (1925). Elle connaît cependant des aventures mouvementées, partage la vie intime de Dullin, se mêle à l’agitation de Montmartre et de la Rive gauche, fait la rencontre d’êtres exceptionnels : Nijinsky, J. Cocteau, P. Morand, M. Jacob, H. Herrand, R. Crevel, etc. Elle raconte cette existence aventureuse, alternant première et troisième personne dans Joies et douleurs d’une belle excentrique (Flammarion, 1952-1960).

Extrait du Dictionnaire bibliographique des auteurs creusois. A. Carriat.]

Le 4 juin 1929, Mariage à Saint-Honoré-d’Eylau. Témoins de Marcel [Jouhandeau]: Marie Laurencin, Gaston Gallimard et témoins d’Él(i) (y)se [Caryathis] : Jean Cocteau, René Crevel. Installation rue du Commandant Marchand, près de la Porte Maillot, jusqu’en novembre 1960.

http://www.rencontres-chaminadour.com/jouhandeau.php

*** Né le 18 juin 1903, Radiguet avait alors 18 ans.

Elle m’envoya ensuite des livres … (Valentine Hugo I)

2008-07-22T00:58:00.005+02:00

Au début des années 1910, Valentine Gross reçoit dans son appartement du quai Bourbon des personnalités très diverses. Chaque mercredi, c’est un peu la fête : Edgar Varèse, Maurice Ravel, Erik Satie, Marcel Proust, Léon-Paul Fargue, Jean Cocteau, Roger de la Fresnaye, pour ne citer que les têtes les plus connues, viennent converser et tenir compagnie à la future Valentine Hugo, qui à cette époque se consacre essentiellement à la gravure sur bois. En 1913, année où Valentine rencontre Maurice de Brunhoff (directeur de Comœdia illustré), rien n’est joué. Jean Hugo : « Un dimanche du mois de mars 1917, au cours d’une permission, j’étais retourné rue d’Athènes. Sur le canapé de cuir de la salle à manger (…) était assise une jeune femme au long cou, vêtue de taffetas noir et piqué de blanc. C’était Valentine Gross. Je connaissais ses peintures des Ballets russes mais je ne l’avais jamais vue (…). Elle m’envoya ensuite des livres et nous échangeâmes quelques lettres. (…) je lui rendais visite rue Montpensier, au Palais Royal, dans l’appartement où elle venait de s’installer. Paul Morand habitait au même étage de la maison voisine. » *

Jean Hugo, Valentine Hugo et Paul Morand, circa 1921

Le 7 août 1919, Jean Hugo et Valentine Gross se marièrent. Ils n’eurent aucun enfant. Le mariage est célébré à la mairie du Ier arrondissement de Paris. Valentine a choisi pour témoins Jean Cocteau et Erik Satie. [à suivre]

* Jean Hugo, Le regard de la mémoire, Arles, Actes Sud, 1983.

Très rare (1917)

2008-07-09T23:14:00.006+02:00

En parcourant des catalogues de libraires, j'ai pu récemment découvrir un ouvrage de Paul Dermée qui m'était inconnu jusque là. En attendant d'en savoir un peu plus sur le texte en question (j'espère que le libraire, qui propose ce livre pour la modique somme de 900 euros, aura l'amabilité et la patience de me fournir quelques informations supplémentaires), voici la description de l'opus issue du catalogue de la librairie Le Galet (75016 Paris) : Paris, Birault, 1917. In-8 broché, couverture imprimée, non paginé. Edition originale tirée à 225 exemplaires numérotés à la main (5 Japon, 20 Hollande, 200 Alfa vergé). L'un des 200 Alfa vergé en parfaite condition. Spirales appartient à ces quelques essais de cubisme littéraire auquel se sont aussi essayés Apollinaire, Reverdy et Max Jacob, tous trois amis de Dermée. Superbe typographie de Birault, l'imprimeur de Max Jacob. Très rare.

Valentine et Jean

2008-07-04T01:18:00.005+02:00

Entre avant-hier et aujourd’hui, trois volumes consacrés à Valentine Hugo me sont parvenus, et c’est encore un peu (beaucoup) de temps à passer que de comparer et recouper dates et anecdotes. « Dans de petits carnets, elle accumule les croquis des danseurs en mouvement et surtout de Nijinski qu’elle représente dans toutes ses danses : Shéhérazade (1910), Le Spectre de la rose (1911), Petrouchka (1911), ou L’Après-midi d’un faune (1912). C’est à partir de ses dessins “aide-mémoire” que moins de quatre ans après la première représentation des Ballets russes, elle peut exposer à la galerie Montaigne, à l’intérieur du tout nouveau théâtre des Champs-Élysées, ses “Etudes de danses d’après Karsavina, Nijinski, Isadora Duncan”. » Béatrice Seguin in Valentine Hugo. Ecrits et entretiens suivi de Valentine Hugo et le surréalisme. Actes Sud / Bibliothèque de Boulogne-sur-Mer, 2002, p. 11.

* * *

Pour l’heure, trouver un croquis de Valentine Hugo représentant Isadora Duncan serait une bonne affaire. Ceci constitue un appel ! Après plus d’une heure de recherche, il m’est impossible de remettre la main sur une couverture de L’Esprit nouveau reproduite dans un catalogue de vente. C’est donc un peu plus tard que j’évoquerai, à nouveau, Serge Charchoune.

Valentine Hugo, Raymond Radiguet et Jean Hugo (vers 1921)

Iiazd (1923)

2008-07-01T02:30:00.012+02:00

La monographie idéale présenterait en premier lieu son sujet sous la forme d’un document, d’une photographie, d’un fac-similé, et ce en l’absence de tout cadre discursif. On présupposerait un œil sauvage. Eventuellement précédé d’une courte introduction (puisque l’œil sauvage n’existe pas), le sujet serait donné à voir, tel quel, en l’absence de toute indication supplémentaire. Seule une direction de regard, une méthode de lecture, serait mise en avant, mais en l’absence de toute note de bas de page, de tout commentaire parasite. Evidemment, une grille serait déjà active et commencerait, déjà, à introduire le beau sujet. Viendrait ensuite l’exposé.

Ledentu le Phare, Iliazd, éditions Allia, Paris, 1995

S’il n’existe sans doute pas de monographie idéale, celle que publièrent les éditons Allia en 1995 s’en approche de très près. Ledentu le Phare, œuvre complexe composée par Iliazd

Couverture de Ledentu le Phare (Ilazd, 1923)

(Ilia Zdanevitch, 1894 - 1975) fut en effet reproduite par Allia. « Promenade autour de Ledentu le Phare », éblouissante et indispensable étude signée Régis Gayraud, analyse avec force détails l’opus précité. Plus de 70 pages d'analyse nous permettent d'appréhender l'importance d'un livre fondamental, publié à 530 exemplaires au début des années 20.

C’est avant tout à ce texte que je pensais en écrivant les premiers mots de ce billet. J’ai peu après repensé au dernier livre de Jean-Christophe Bailly, intitulé L’instant et son ombre. Autre étude de sujet, autre étude indispensable.

Jean-Christophe Bailly, L'instant et son ombre, Le Seuil, 2008.

Si, dorénavant installé, l’été avignonnais, avec ses 35 ° journaliers, a tendance à m’assommer, il ne m’empêche pas pour autant de me souvenir par la même occasion d’une autre somme, celle que signa André Chastel en 1983 et qui illustre à mon sens l’idée de monographie, d’étude pleine :

André Chastel, Chronique de la peinture italienne à la Renaissance (1280-1580), éd. Office du Livre, Fribourg, 1983

Très toi-même

2008-06-30T01:17:00.013+02:00

En parcourant une fois encore le bottin dada (1), je me suis arrêté sur une reproduction d’un dessin de Serge Charchoune intitulé Eclipse et daté du 28 février 1921 (Paris).

Au centre du second cercle tracé par Charchoune, ces mots : « JE ME TROUVE TRÈS ».
Si ce dessin dada de Charchoune (ici signé SCH) n’avait comporté les mots « MAISON TRISTAN TZARA », je n’aurais sans doute pas établi de relation avec l’indication portée par Tzara sur L’Œil cacodylate :

"Je me trouve très [Tristan Tzara]" (Tzara)

Question (double) : Tzara signa-t-il une « expression dada » (qu’il partageait alors avec Charchoune et peut-être avec d’autres, comme s’il s’était agi d’une private joke ?), i.e. « JE ME TROUVE TRÈS » ? Tzara signifia-t-il ce jour-là qu’il se sentait très Tristan Tzara, c’est-à-dire « très lui-même » ?
Ce « très » n’a l’air de rien. Cependant, le « très » de Charchoune est daté du 28 février 1921, alors que le « très » de Tzara fut apposé fin 1921. J’ose penser à une certaine continuité, du moins à un certain écho, entre ces deux « très ». On pourra me reprocher de revenir une fois de plus vers Duchamp, qui fit usage d’un autre adverbe mais avec la même gratuité, avec le même geste de jeu, en intitulant son Grand Verre La mariée mise à nu par ses célibataires, même.

Enfin, j’ai beaucoup de mal à comprendre l’unique date qui figure sur L’Œil cacodylate et qui fut inscrite par l’un des frères Fratellini :

"Paris 27.11. [4] 1921" (Frères Fratellini)

Que doit-on lire ? 27.4.1921 ou 27.11.1921 ? Dans les deux cas de figure, cette date ne me paraît pas coller, puisque L’Œil cacodylate fut exposé au Salon d’Automne de Paris (organisé par Segonzac) du 1er novembre au 20 décembre 1921. On pourra revoir ceci, sans toutefois trouver de réponse.
Tout se complique !

Au passage, je salue le (ou la) journaliste qui a eu la sympathie de linker le blog cacodylate sur le site de France Culture. Mêmes remerciements et salutations distinguées à deux membres du F.F.C. (Bartleby et Dernière marge) qui nous en apprennent de bien belles sur une très curieuse activité qu'ils nomment "littérature". Dès lors, nul besoin de surfer à droite à gauche : Pynchon, Bolaño, Vollmann, Powers, Vila-Matas, etc., c'est chez eux que ça se passe !

(1) Catalogue publié sous la direction de Laurent Le Bon à l'occasion de l'exposition DADA présentée au Centre Georges Pompidou, Galerie 1, du 5 octobre 2005 au 9 janvier 2006.

Soleil russe

2008-06-26T01:32:00.027+02:00

« A l’égal des personnages dostoïevskiens, Serge Charchoune a l’âme exaltée, portée par les élans du cœur, avide de dépassement, livrée aux souffles et aux appels de l’esprit. Arrivé de Samara à Paris en 1912, âgé de vingt-quatre ans, les yeux encore éblouis par les icônes, les étoffes chatoyantes et un art populaire marqué du sceau de Byzance, il était peu enclin, de par cette formation même, à attacher du prix aux traditions académiques occidentales, et trouva naturellement sa place auprès des artistes dont les recherches audacieuses et l’élan créateur devaient assez vite bouleverser les données de l’esthétique conventionnelle. Son nom fut associé au cubisme, au « purisme », à Dada, aux revues Merz et Manomètre, et jusqu’au « musicalisme » […]
Chemin faisant, il rencontra l’ascèse, le garrot de la misère, les hivers sans feu, les repas transparents et les journées d’oisiveté cruelle lorsque, faute de matériel, il ne pouvait plus peindre. […]
Célibataire né, cet homme vertueux, facilement effarouché par toute allusion licencieuse, mais pénétré d’une sainte tolérance, habite depuis longtemps, cité Falguière, un atelier étroit et délabré où la loggia, reliée au sol par un escalier branlant, ressemble à la hune d’un navire en détresse. […]

Serge Charchoune in L’Œil cacodylate

Les deux sources essentielles de l’inspiration de Charchoune sont la musique et l’eau qui coule, et je crois bien que dans son esprit ces deux sources sont identiques. « Je ne peux pas vivre sans voir l’eau », dit-il fréquemment. […]

Parfois, à l’aide rectangles superposés, il échafaude de prodigieux palais sans portes ni fenêtres, domaines de l’âme perdus dans un halo mystique, sous une dominante mauve ou violette. L’usage qu’il a pu faire de l’arabesque, et son penchant pour la symétrie, apparenteraient son œuvre à celles des médiums. […]

Serge Charchoune, ai-je besoin de le dire ?, n’est nullement un méconnu. Des hommes aussi diversement éclairés et exigeants que Georges Duthuit, André Breton, Robert Lebel, lui ont, en temps voulu, rendu hommage. Des artistes de la qualité de Jacques Villon ou de Max Ernst le tiennent depuis longtemps en haute estime. Marcel Duchamp lui a démontré l’intérêt qu’il lui porte en contribuant à lui faire obtenir le prix Copley. Cette reconnaissance, toutefois, reste le fait de quelques-uns et, l’on est confondu de voir la place infime que tient Charchoune dans les ouvrages de caractère général, qui sont sensé nous renseigner sur l’art moderne. N’en fut-il pas, cependant, l’un des pionniers les plus originaux ? […] Je ne doute pas que l’œuvre de Charchoune, qui a sa grandeur et son mystère, ne vienne un jour à bout de l’indifférence ou de l’incompréhension. Puisse ce jour ne point arriver trop tard et, veuille le sort, que de ce gentil héros, l’on ne nous fasse un martyr. »
1956
Patrick Waldberg, « Serge Charchoune », in Mains et Merveilles, Mercure de France, Paris, 1961, pp. 202-207.

Prière d'insérer de Mains et Merveilles (Patrick Waldberg, 1961)

Depuis longtemps déjà, il m’est impossible de mettre la main sur une reproduction d’une couverture de Transbordeur Dada. Les rares notices nous apprennent que Serge Charchoune publia le premier numéro de sa revue à Berlin en juin 1922. Entièrement rédigée en russe (et de la seule main de Charchoune pour le premier numéro), la revue Transbordeur Dada [Perevoz Dada] fut publiée jusqu’en 1949.
Par deux fois, en 1916 et 1917, Charchoune présenta ses œuvres sur les cimaises de la très fameuse galerie Dalmau de Barcelone. 1917, c’est l’année de Fountain (Duchamp et Isadora Duncan se trouvèrent à New York cette même année) mais c’est aussi l’année où paraît le premier numéro de 391 (janvier) dont l’administration est domiciliée à la galerie Dalmau.

391, ours du premier numéro (Barcelone, janvier 1917)

Charchoune et Picabia ne se rencontrèrent pas, nous dit-on, à Barcelone en cette époque.
En mai 1920, Charchoune écrivit à Picabia :

Monsieur

Vos œuvres picturales et poétiques m’intéressent depuis longtemps. Je tiens à vous connaître et montrer mes travaux […]

Michel Sanouillet (pour ces deux extraits, supra et infra, in Dada à Paris, Paris, CNRS éditions, 2005, p.163) précise que le peintre russe, en dépit d’une « fin de non-recevoir » réitéra sa manœuvre initiale le 30 mai :

« Je m’en fous si ça vous plaît ou non que vous avez (sic) des admirateurs et des élèves. Je le suis. En échange de cette camelote [quelques dessins], envoyez-moi quelques éditions de votre école. Je littérature proverbe aussi. »

Serge Charchoune, dessin in 391 (n° 14, novembre 1920, p. 6)

« Je littérature proverbe aussi » : Charchoune signifiait-il alors à Picabia qu’il attendait de ce dernier un envoi de quelques numéros de Littérature et de Proverbe ? * Signifiait-il qu’il avait connaissance de ces deux revues ? J’aimerai pouvoir répondre : les deux mon général.

Les indications que j’ai pu noter au sujet de Charchoune s’avèrent parfois contradictoires. Un gros travail reste à faire !

Enfin, je signale la réédition chez Gallimard d’un recueil de textes d’Alain Jouffroy intitulé Une révolution du regard. (La première édition, devenue recherchée, remontait à 1964). A noter également, aux éditions du Félin, deux volumes de Gilbert Lascault : Figurées, défigurées. Petit vocabulaire de la féminité représentée (1977) et Ecrits timides sur le visible (1979 et 1992).

Serge Charchoune, illustration in Manomètre (n° 4, août 1923, p. 60). Texte de Pierre de Massot.

Récapitulons : si une bonne âme pouvait me transmettre le scan d’un numéro de Transbordeur Dada, ce serait extra.

* La revue Proverbe de Paul Eluard a fait l’objet d’une réédition en fac-similé par le Centre du XXe siècle. Est-elle toujours disponible sous cette forme ? Voir ici. Quant à la revue Littérature, que dire ? Les éditions Jean-Michel Place, qui ont publié le fac-similé de l’ensemble des numéros de Littérature (deux volumes sous coffret), ont jeté l’éponge il y a quelques mois. Epuisés depuis longtemps sous cette forme, les numéros de cette revue sont malheureusement devenus rarissimes. Le libraire qui me vendit à prix d’or ce coffret, il y a de cela près de dix ans, crut bon de me préciser : « C’est bête à dire, mais cette édition en deux volumes est devenue presque aussi rare que les originaux ».

Isadora, encore

2008-06-24T03:14:00.008+02:00

Photographies extraites du film Isadora Duncan. Je n’ai fait que danser ma vie. (Elisabeth Kapnist et Christian Dumais-Lvowski)

"Toute fortune apporte la malédiction avec elle, et les gens qui la possèdent ne peuvent pas être heureux pendant vingt-quatre heures."

Isadora Duncan, Ma vie, Gallimard, coll. Folio p. 289.

Je n'ai fait que danser ma vie

2008-06-24T00:20:00.014+02:00

Le titre de ce post est avant tout celui du documentaire inédit d’Elisabeth Kapnist et Christian Dumais-Lvowski (France, 2008, 57 mn.) diffusé par Arte le 26 mai dernier.
Je regrette de signaler si tardivement ce film, pourtant rediffusé à plusieurs reprises mais qu’on doit pouvoir retrouver facilement je pense dans les méandres du www.

Après un plan fixe de la Baie des Anges filmée depuis un luxueux balcon (on imagine celui d’un grand hôtel comme le Negresco), les premières images du film évoquent, sous la forme d’une micro-fiction, la danseuse Isadora Duncan traversant à toute allure une étroite rue de Nice à bord d’une splendide Bugatti rouge pilotée par un homme ravi. A ses côtés, la passagère semble heureuse, elle fait voler au vent son long châle (rouge !) qui ne tarde pas à se prendre dans le moyeu d’une splendide roue à rayons chromés.

Baie des Anges, Promenade des Anglais, casino de la Jetée-Promenade, bains de mer … Il y eut sans doute une vie rêvée pour certains, alors que le luxe était l’apanage d’une seule classe qui cultivait ses loisirs et en marge de laquelle certains autres firent le jeu des excès – et jusqu’assez tardivement dans les dernières années du siècle dernier. Ces ultimes frasques furent narrées par Pierre Rey, auteur notamment de longs récits comme Le Grec, La Veuve, Out ou encore Palm Beach, textes qui émaillèrent, dans les années 80, mes longs séjours d’été sur la côte varoise.

Notice 44 du catalogue de l’exposition Dunoyer de Segonzac qui eut lieu à la Fondation de l’Hermitage de Lausanne (10 novembre 1985 – 2 mars 1986). © La Bibliothèque des Arts, Paris, 1985.

Il est fort probable que la citation du peintre et graveur ait été extraite du Catalogue raisonné de l’œuvre gravé de Dunoyer de Segonzac publié par A. Lioré et P. Cailler (8 volumes, P. Cailler éd., Genève, 1958-1970).

Certes une fusée. Et Isadora était mélancolique.
Isadora Duncan, Ma vie, Gallimard, coll. Folio, 1998, p. 426

Chère Isadora

2008-06-20T23:01:00.049+02:00

"Isadora aime Picabia de tout son âme"

Avant de poster quelques mots sensés au sujet d’Isadora Duncan, dont j'ai récemment rêvé.

Isadora Duncan avec ses "isadorables" (années 20)

Ses élèves étaient surnommés « les isadorables ». Quand exactement ? Et par qui ? Les détails demeurent essentiels.

Isadora Duncan et Sergueï Essenine (1923) - Source Wikipedia

Isadora Duncan [San Francisco, 26 mai 1877 – Nice, 14 septembre 1927] rencontra à Moscou le poète Sergueï Essenine [21/09/1895 – 28/12/1925]

Sergueï Essenine (source Wikipedia)

en octobre 1921. Un mariage eu lieu, nous disent les notices. [Tout vérifier].

Elle a 44 ans et Essenine 26 ans. La liaison sera brève, sans aucun doute intense. Ils se marièrent et « parcoururent » l’Europe et les Etats-Unis. En 1923, les deux étoiles filantes prirent des trajectoires différentes.

Le 19 avril 1913, la fille et le fils de la danseuse meurent noyés dans la Seine à la suite d’un accident de la circulation. Isadora Duncan mentionnera ce tragique événement dans sa biographie, achevée au début de l’été 1927. Je ne sais pas encore si la première édition de la version française (reproduite ici) contient la préface de la danseuse qu'on trouve dans l'édition de poche citée plus bas.

« Hier au soir, Isadora Duncan partit se promener dans une auto de course. Mais l’écharpe qu’elle portait autour du cou, et qui d’abord flottait derrière elle, se prit soudain à la roue arrière et s’y enroula. Sans qu’elle pût ni appeler ni faire un geste, Isadora fut serrée si violemment qu’elle succomba presque aussitôt, étranglée. Mais, l’écharpe la tirant toujours, son corps bascula et finit par tomber sur la chaussée de la promenade des Anglais. On la releva abîmée, couverte de poussière de sang … »

(Petit Parisien, 15 septembre 1927). *

* In Isadora Duncan, Ma vie, Gallimard, coll. Folio, pp. 446-447

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Le site internet de la firme Bugatti nous donne à lire ceci :

"Sa mort n’est pas un sujet très prisé dans l’histoire Bugatti. Certains bugattistes vont même jusqu’à mettre en doute la parole de la société : ce fut peut-être une Amilcar et non une Bugatti. Mais les probabilités sont fortes pour que ce soit faux, puisque pour eux seuls compte le mythe Bugatti.
Apparemment, elle souhaite en acquérir une, bien que ses moyens financiers ne le lui permettent pas. A cette époque, ce sont de riches bénéficiaires qui règlent ses factures, comme par exemple, Paris Singer, son ex-compagnon et héritier du fabricant de machines à coudre. La danseuse fait connaissance d’un jeune mécanicien qui vend des Bugatti. Elle souhaite essayer le modèle Type 35 ou 37. Des doutes subsistent quant à ses véritables intentions ; peut-être ne recherchait-elle qu’une simple aventure amoureuse. Et ce, même si elle est alors âgée de 50 ans et que la différence d’âge avec le mécanicien est alors considérable. Ses derniers mots sont, d’après ce qui est rapporté : « Profitez de la vie mes amis, je vais à l’encontre de la célébrité. » Elle s’enroule alors une longue écharpe autour du cou, écharpe qui se prendra dans les rayons de la voiture en marche. La soie lourde rompt instantanément le cou de la danseuse. Cette tragédie [survient] le 14 septembre 1927 à Nice. La vie de cette danseuse légendaire sera adaptée sur les écrans avec le film Isadora [Karel Reiz] qui paraîtra en 1968. C’est Vanessa Redgrave qui occupe le rôle principal. Elle s’entraînera pendant 6 mois pour ce rôle et sera récompensée à Cannes en 1969 avec la Palme de la meilleure actrice."

Alors ? Bugatti [quel modèle ? 35, 37 ?] ou Amilcar 1924 ?

Lyons, Grand Prix de France 1924. Bugatti type 35

Amilcar - Type C GS, années 1920

Côte varoise (un été 2008)

2008-06-11T02:56:00.018+02:00

Evoquées à plusieurs reprises sur le blog cacodylate, Les Mémoires du baron Mollet [1963] viennent d’être rééditées aux éditions du Promeneur. On retrouvera la préface originale de Raymond Queneau, précédée d’un texte d’introduction signé Patrick Mauriès et intitulé "Les faits et gestes du Baron Mollet, pataphysicien". (1)

Au détour de ce faible billet, j’aimerai citer le beau texte de Jean-Luc Bitton, La mer de la tranquillité. (2)

Avant que ne déferlent les prochaines vagues de la « rentrée littéraire », j’aimerai également citer Description d’un échec de Gert Neumann. (3)

J’ai récemment rêvé d’Isadora Duncan. Il était surtout question d’une porte de voiture de sport qui avait du mal à se fermer et de la côte varoise des années 80.

(1) Gallimard, Le Promeneur, Paris, 2008.
(2) Jean-Luc Bitton, Dolorès Marat (photographies), éd. Les petits matins, Paris, 2005.
(3) Nouvelles éditions Lignes, textes traduits de l’allemand par Lambert Barthélémy, 2008.

Dictionnaires

2008-04-30T01:39:00.019+02:00

Organiser, donner du sens à près de mille cinq cents pages d’archives et de notes personnelles n’est pas une mince affaire. Agencer l’ensemble et l’exprimer sous la forme d’un « dictionnaire » est la première chose à laquelle j’ai pensé, d’une part parce que j’ai en chantier un « Dictionnaire Duchamp » qui à ce jour compte près de 938 entrées,

d’autre part parce que ma première approche bibliographique de L’Œil cacodylate a débuté avec le Petit lexique picabiesque "1921" - Les signataires de L’Œil Cacodylate issu du catalogue de l'exposition "Chapeau de paille ?" (Galerie Louis Carré, 04.11 - 04.12.1964, Paris). Les dictionnaires thématiques sont légion. Certains ouvrages ne s’affirment pas d’emblée comme des dictionnaires mais révèlent rapidement le profil d’une personnalité artistique sous la forme d’entrées alphabétiques, tel le Philippe Soupault – Voyageur magnétique de Serge Fauchereau (Editions Cercle d’Art, Paris, 1989). [1]

Dictionnaire Céline, Dictionnaire Baudelaire, Dictionnaire amoureux de Venise, etc. [2], nous ne manquons pas d’opus. Un des modèles du genre me paraît être le Dictionnaire Picasso
de Pierre Daix édité par Robert Laffont dans la fameuse collection Bouquins.
La forme du « dictionnaire », du moins pour une étude consacrée à L’Œil cacodylate, ne me convient pas.
Une autre forme possible est celle du « roman », plus précisément du récit où les affects jouent un rôle, forcément trop important. Je pense précisément au texte d’Alain Jouffroy intitulé La vie réinventée – L’explosion des années 20 à Paris (Robert Laffont, Paris, 1982 ; rééd. revue par l’auteur, Editions du Rocher, Paris, 2004). [3]

Pour l’heure, j’ai arrêté le premier découpage de L’Œil cacodylate :

[1] Ouvrage publié à l’occasion de l’exposition « Philippe Soupault – Le Voyageur magnétique » qui s’est tenue au Centre des Expositions de Montreuil du 8 janvier au 28 février 1989.
[2] Les dictionnaires de ce genre ne sont-ils pas, par définition, « forcément amoureux » ? Un « dictionnaire Proust » et un « dictionnaire Borges » seraient les bienvenus.
[3] A ceux que rebuteront les 472 pages de ce livre, nous nous permettons de préciser que nous apprenons quelques rencontres de Modigliani et d’André Breton au début du mois de juin 1919 « aux abords de la Closerie des Lilas ». Une même passion unira éphémèrement les deux figures : la lecture des textes de Lautréamont. « Personne n’a parlé de cette rencontre, qui a mis en contact deux personnalités qui se sont approchées du même danger par des voies différentes … Breton, qui ne l’a, je crois, confié qu’à moi, n’a pas cru devoir l’évoquer par écrit. » Alain Jouffroy, op. cit., p. 40.

Enfin, pour respecter la vocation bibliographique de ce blog, je me permets de signaler trois dictionnaires :

Les archives du blog cacodylate n'ont pas disparu : elles se trouvent désormais en fin de page. J'ai cru bon de les faire précéder de quelques liens utiles, pour ne pas dire indispensables.